viernes, marzo 31, 2006

¿Vuelve el buen Bigas?

(En El País, por Fermín Robles)


El director de cine Bigas Luna está rodando a las afueras de Tarragona Yo soy la Juani, una película en la que narra las peripecias de una adolescente con pocos recursos económicos en su intento de alcanzar su sueño: convertirse en una gran actriz. El cineasta explicó ayer en el lugar donde rueda que ha intentado retratar en el filme el glamour, la modernidad y el potencial de la periferia de las grandes ciudades y de unos jóvenes inconformistas que, afirma Bigas Luna, son "los pequeños héroes de nuestra cotidianidad".

La debutante Verónica Echegui es la encargada de dar vida a Juani, un personaje cuyo perfil encaja con el de muchas jóvenes que habitan en el extrarradio de las grandes urbes españolas y que, a juicio del cineasta, se ha convertido ya en un icono. El director la eligió tras una multitudinaria selección -a la que se presentaron más de 3.000 aspirantes en varias ciudades- y ayer explicó que es la mejor candidata para encarnar a un tipo de adolescentes creativos con mucha personalidad y ambición. "Son capaces de influir en la moda llevando un par de pendientes de plástico y vistiendo una minifalda y una chaqueta de chándal", dijo el cineasta, quien aseguró que la Juani es "el nuevo icono ibérico" tras la folclórica Lola Flores.

"Yo creo", comentó la actriz, "que lo juani es lo auténtico". Y seguidamente precisó este concepto: "Se refiere a alguien que se atreve a llevar a cabo sus sueños y a romper moldes, a acabar con las barreras que le impone su destino. Nadie espera nada de una tía como ella, pero tiene mucho potencial y un corazón enorme. Continuamente se repite a sí misma: 'Yo quiero hacer esto y no voy a renunciar a ello". "Hay demasiadas personas que no tienen narices de correr tras lo que les gusta y la vida hay que vivirla", añadió Verónica Echegui.

Su experiencia profesional como actriz comenzó con un par de pequeños papeles en series de televisión. A pesar de eso, Verónica Echegui considera que su carrera como actriz empieza verdaderamente con esta película. Bigas Luna no esconde la profunda impresión que la joven le causó desde la selección y le augura un gran éxito en los próximos años. "Va a ser una actriz muy deseada dentro del panorama cinematográfico español", afirmó el director con total rotundidad. Ella encajó los elogios y la atención de la prensa con naturalidad y espontaneidad, y cuando le preguntaron por sus actores favoritos destacó, entre otros, a Eduard Fernández, Candela Peña, Marisa Paredes y Charo López.

La nueva película de Bigas Luna narra los problemas que Juani tiene en su casa y cómo explota tras discutir con su novio, un muchacho celoso e indeciso que acaba resultando insoportable. Cansada de conformarse con lo que le rodea, decide convencer a su amiga Vane (Laya Martí) y marcharse a Madrid para convertirse en actriz. Como explica Carmen Chaves, coguionista de la cinta, la chica "tiene pocas oportunidades de encontrar un buen trabajo porque apenas tiene estudios, pero está convencida de que quiere progresar". Yo soy la Juani no pretende ser un filme de temática social, pero, como señalan los guionistas, no obvia aspectos como las drogas o las dificultades que encuentran las nuevas generaciones a la hora de comprar un piso o hacerse un hueco en la actual sociedad.

El álter ego de la protagonista es su compañera de viaje, una chica que, a pesar de su juventud, ya sabe lo dura que es la vida. "El personaje de Vane depende mucho de los hombres y si no fuera por los consejos de la Juani acabaría cometiendo algún error. Ella me sirve de guía, es la que me empuja a salir del barrio, en el que yo me hubiera quedado toda la vida", dijo Laya Martí. Carmen Chaves destacó que, para construir algunos de estos personajes y captar su manera de expresarse, no hay más que dejarse caer por un centro comercial a media tarde. En alguna ocasión, los propios actores han hecho alguna pequeña sugerencia sobre las expresiones que suele utilizar la gente de su entorno. Echegui contó que antes de comenzar el rodaje se paseó por un barrio de Madrid cámara en mano dispuesta a empaparse de la manera de comportarse de las juanis.

El reparto lo completan Gorka Lasaosa, Manuel Santiago, Marcos Campos, Ferran Madico y el vocalista de El Canto del Loco, Dani Martín, que interpreta al novio de Juani. Echegui explicó que, en ocasiones, no tiene la sensación de estar rodando una película. "Simplemente, tenemos que ponernos en situación y vivir el momento porque Bigas hace que todo sea muy fácil. Él es el primero que se apunta a las bromas y desde que le conozco es como si estuviera todo el día de tripi. Además, sabe potenciar muy bien las virtudes de un actor y esconder sus defectos".

El director destacó el trabajo que están realizando los actores y explicó que rodar en Tarragona le permite disponer de un buen número de localizaciones que combinan el entorno rural y el urbano.

El rodaje, que comenzó hace un par de semanas, recalará en los próximos dos meses en Badalona, Barcelona, Madrid y Los Ángeles, en Estados Unidos. Los productores quieren que el último título de Bigas Luna tenga una importante proyección internacional. Confían en los seguidores que el director tiene por todo el mundo y en la acogida que los jóvenes puedan dispensar a Yo soy la Juani. La película dispone de una web (www.yosoylajuani.com), que en las últimas semanas ha tenido una gran acogida.

El largometraje tiene un presupuesto de cuatro millones de euros y ha sido producido por Media Films y el propio Bigas Luna, con la colaboración de Televisión Española, TV-3, Canal +, el Instituto Catalán de Industrias Culturales (ICIC) -dependiente de la Generalitat- y distintas marcas comerciales.

Madrileña, morena y con mucho desparpajo

A Bigas Luna le acompaña la fama de haber lanzado al estrellato a actores como Penélope Cruz o Javier Bardem, en películas como Jamón, jamón o Huevos de oro. Para dar con la actriz encargada de interpretar a su último personaje protagonista en Yo soy la Juani organizó un casting que durante ocho meses recorrió toda España y en el que participaron más de 3.000 chicas. En el pasado Festival de Cine Español de Málaga, el cineasta catalán desveló la identidad de la Juani: Verónica Echegui, una joven madrileña de 22 años, morena y con mucho desparpajo, que se presentó en el casting del centro comercial de Plaza Norte de San Sebastián de los Reyes con el número 651. Aunque ella vive en las cercanías del estadio Santiago Bernabéu.

Contó el cineasta que destacó por encima de las demás porque le pareció una actriz fantástica. De niña, ella y sus amigos eran la distracción del barrio, ya que, por lo visto, se disfrazaban e improvisaban historias para distraerse. Bigas Luna dijo que Verónica Echegui "es una muchacha de verdad que continuamente busca la verdad". "Creo que encarna a la chica española del siglo XXI, aquella que ya no es víctima del machito ibérico y pretende ser líder en su mundo".

El casting que se organizó para la película dio mucho de sí. Se presentaron amantes del tunning, el hip-hop y asiduos de los centros comerciales. Chicos y chicas en absoluto marginales. Partidarios del mestizaje y capaces de crear su propio estilo. "Antes en la periferia había una actitud muy deprimida, pero ahora los jóvenes de ese entorno se han buscado mecanismos de supervivencia", comentó Bigas Luna.

La experiencia sirvió para que los guionistas de la película se enfrentaran cara a cara con el tipo de personas que pretendían retratar en el filme y aprovecharon para tomar los últimos apuntes.

Con todo el material filmado en los castings, Bigas Luna se plantea ahora hacer una película documental. "La experiencia ha estado llena de anécdotas y las cintas que hemos filmado son un retrato social muy interesante", comentó el director, que debutó con filmes como Bilbao y Caniche.

Canción del día: "No Big Deal" (Love & Rockets)

Frase del día: "Antes de reunir a los Smiths me comería los testículos. Y eso lo dice un vegetariano" (Morrissey)

Famosos avistados: Andy Chango y Eva Hache (Calle Colón)

jueves, marzo 30, 2006

El I-Pop

Bueno, para quien reclamase al principio mi opinión sobre el programa televisivo "IPop", pasado el fragor de los primeros meses, creo que ya puedo tener un juicio más o menos definido. En reglas generales, no está mal, quizás acusa demasiado el efecto pildorita de la tele actual, pero la mayor parte de los reportajes suelen estar bien o hasta son instructivos a veces. Me da que, en lugar de hacer un seguimiento exhaustivo y meditado de la producción pop actual, lo que se hace surge más de la casualidad, amiguismos, afinidades, cosas que aparecen y se ponen fáciles, etc., pero tampoco podría decirlo a ciencia cierta.

El fallo principal es la presentadora, que no sé por qué siempre tiene que salir en primeros planos torcidos y hablando en plan agresiva (como si presentándolo de modo normal el artista fuera a molar menos o ser menos interesante). En el programa de ayer, sin embargo, me encontré con una indignante tomadura de pelo: hacen un reportaje sobre Manchester presentado por la propia China Patino. Pues bien, en el tiempo que dura "There's A Light That Never Goes Out" (única música de fondo sin palabras, apenas) vemos imágenes de sitios tan poco emblemáticos de Manchester como centros comerciales y tiendas me da que pilladas ad hoc y la presentadora enseñando su palmito de vez en cuando, enseñando una camiseta que ve en no sé dónde y haciendo el tonto en general. Ni una sola entrevista a gente de la escena ni un solo recorrido por lugares fundamentales de su cultura pop. Muy poca profesionalidad, que se agrava cuando te das cuenta de que el ente público le ha pagado unas minivacaciones en Manchester al equipo desplazado, así, por la puta cara.

El otro error aún no solucionado, el meter las actuaciones en un plató al estilo "Música Sí". A veces tiene su coña y genera situaciones tan extrañas como la vista ayer: mientras Refree interpretaban "La reina de las neus" por detrás había un puñado de pijos balanceándose de la mano al más puro estilo "Viva la gente". Inenarrable. Y una última cosa que ya entra en el terreno de la utopía: el absoluto centralismo de la mayoría de sus contenidos. Refree, cantando en catalán, fue una saludable excepción.

Canción del día: "Fiesta de los maniquíes" (Golpes Bajos)

Frase del día: "
A mí de Kate me gustan hasta sus minitetas pero me encanta más vivir en una sociedad en la que si te fumas un porro eres un maki pero si te haces una flecha en casa de Nelson Mandela te triplicamos la cuantía del contrato" (Darkent)

Famosos avistados: Andy Chango (C/ Jesús del Valle), Miguel Ángel Martín (Gran Vía)


miércoles, marzo 29, 2006

Peli del mes. "Los tres entierros de Melquiades Estrada", de Tommy Lee Jones.

Guillermo Arriaga es, junto a Charlie Kaufman, el gran guionista-estrella del Holywood actual. En ambos casos, su autoría y su personalidad se imponen a la del director para el que estén trabajando. En ambos, también, hay obsesiones, recursos y características propias que permiten establecer paralelismos entre sus películas tomándolos a ellos como referencia.

Este mexicano plagado de talento fue el responsable de los guiones de "Amores perros" y la más fallida"21 gramos!, pero en "Los tres entierros de Melquiades Estrada" (debut tras la cámara de ese gran actor que es Tommy Lee Jones) se supera con una historia menos compleja, un poco menos truculenta también, pero con mucho mayor calado. En la tercera película de Arriaga hay tres entierros (la primera eran tres historias, y la segunda iba sobre tres vidas entrelazadas). Aquí, este drama en tres actos contada en tres tiempos cronológicos que se intercalan, acaba por empañarse de las leyes del western y la road-movie (en este caso, viaje a caballo) y, contar, a su manera, la historia de tres personajes.

Me suelen gustar esas películas cuyo principal tema es lo difícil que es matar a un hombre. "Melquiades Estrada", en realidad, habla de lo fácil y ridículo que puede ser matar a un hombre, pero lo difícil que es librarse de su muerte. Es, ante todo, una película sobre la dignidad de la vida humana, sobre lo poderoso y lo profundo que hay en cada persona aunque desde fuera se le pueda considerar un don nadie, una baja más, una cifra de segunda a la que se podría enterrar en un pedazo de tierra en medio de la nada y que nadie se daría cuenta ni lo echaría de menos. Es, también, una película sobre la amistad llevada al extremo y, un tanto más indirectamente, un sórdido retrato de la América profunda y fronteriza, llena de amas de casa insatisfechas, polis cabrones y tías gordas con perros mimados, y una película en que, a veces, es la tele la que habla por los personajes porque ellos tienen más que ocultar.

Personajes: a todo esto, los más logrados con diferencia de entre todas las pelis de Arriaga, quizás porque ahora hay más espacio para desarrollarlos, menos barullo Tarantiniano, más reflexión Fordiana. La complejidad moral de cada uno de ellos se va desarrollando, además, a medida que avanza la historia. Hay también algo de Buñuel en la película (surrealismo y humor negro) que, por momentos, alcanza al Lynch de "Una historia verdadera". Y, ya, última sorpresa, que después de pensar en "El extranjero" de Sartre cuando la veía, me entero de que Tommy Lee Jones le dio una copia del libro a cada uno de los actores para que captaran ese espíritu. No en vano, la peli también podría haberse titulado "Matar a un mexicano" o "Matar a un inmigrante ilegal". Señor peliculón.

Canción del día: "Sometimes Stop, Sometimes Go" (Ms.John Soda)

Frase del día: "Antes se la chuparía a los camioneros que probar la mierda esa del Viagra" (el personaje interpretado por Dwight Yoakam en la peli)



martes, marzo 28, 2006

Disco del mes (II). "Showtunes", de Stephin Merritt

El siempre genial pero un tanto estúpido Stephin Merritt (también camuflado como The Magnetic Fields, The 6ths y Future Bible Heroes, entre otros proyectos) ya editó anteriormente un disco firmado con su nombre, una banda sonora bastante floja que sacó aquí Elefant sobre 2002. Sobre este trabajo, recopilación de sus libretos para tres óperas chinas dirigidas por Chen Shi-Zeng, se esperaba también algo anecdótico, una obra menor. Y no lo es pese a los riesgos asumidos. Merritt selecciona 26 de las canciones compuestas para esas obras y las mezcla, rompiendo cualquier posibilidad de hilo argumental o continuidad lógica. Los libretos, muy diferentes entre sí, pertenecen a "The Orphan Of Zhao" (de Ji Juanxiang, de la Dinastía Yuan, 1330), "Peach Blossom Fan" (de Kung Shang-Ren, de la Dinastía Ming, 1699) y "My Life As A Fairy Tale" (basada en un libro de Erik Ehn a partir de los cuentos de Hans Christian Andersen).
El resultado es tan confuso como genial. Merritt pilla algunos instrumentos tradicionales chinos pero, finalmente, sus canciones parecen cabalgar entre la cultura oriental, el estilo más claramente Magnetic Fields (con banjos y ukeleles incluidos) y su obsesión por los musicales de Broadway sin perder su gran chispa a la hora de escribir, incluso aderezada con un incontrolable sentimiento de irreverencia. Este "Showtunes" le muestra más cerca que nunca de sus adorados Andrew Lloyd Weber, Irving Berlin y Cole Porter y subvierte todos los legados de los que parte para erigirse, probablemente, en el mejor trabajo de Merritt desde "69 Love Songs". Las bandas sonoras completas de cada ópera, por cierto, aparecerán próximamente (y únicamente) en formato de descarga por internet.

Canción del día: "What A Fucking Lovely Day!" (Stephin Merritt)

Frase del día: "Creo que el calor familiar que me faltaba en casa lo encontré con los caballos" (Cayetano Martínez de Irujo)

lunes, marzo 27, 2006

Disco del mes. "From A Compound Eye", de Robert Pollard

Guided By Voices fue uno de los grupos más infravalorados de la generación alternativa. Adalides del lo-fi con una trayectoria ultra prolífica y ni un solo disco que bajase del notable, ha sido la única banda de rock estadounidense capaz de mantener un nivel similar al de R.E.M, o incluso superior (no tienen un disco como el "Behind The Sun" ese). Disuelta la que él llamaba "one-take band" en la más absurda de las ignorancias, su líder, Robert Pollard, no debuta en solitario: su incontinencia estajanovista se desglosa en una multitud de referencias al margen de su ya ex banda, pero sí edita un primer disco tras la disolución que se antoja más serio y ambicioso. No hay diferencias de base respecto a lo que hacían GBV, pero sí se descubre entre el eclecticismo un Pollard de mirada más seria y emocional que, encima, no muestra tapujos a llenar la portada con un primer plano de su rostro. Entre los 26 temas del álbum hay lugar para dos que pasan de los 5 minutos y otros tantos que se alargan por encima de los 4. Más espacio, más aire para que uno de los genios del rock norteamericano reivindique una deseable longevidad.

Canción del día: "Love Is Stranger Than Witchcraft" (Robert Pollard)

Frase del día: "La vida es el mayor espectáculo que existe" (Rocío Jurado)

domingo, marzo 26, 2006

Dream Baby Dream

Extraño, extraño es el mundo de los sueños. A la propia perrería de nuestro subconsciente a veces le intervienen las obsesiones mediáticas y nos encontramos casos como el que he experimentado esta noche. Estaba de tranqui en mi casa hasta que recibía una llamada de alguien de El Mundo que me comentaba que si, como colaborador gallego que tenían, podía escribir un artículo de opinión sobre la probabilidad de que un rocambolesco pacto diese el gobierno vasco al BNG. Yo no daba crédito, así que ponía la tele y veía los resultados electorales. El partido más votado era el PP, seguido del PSOE y el BNG (en Euskadi, repito), pero el PP no tenía mayoría absoluta y todos los analistas coincidían que iba a haber un pacto entre todos los partidos que iba a llevar al Bloque al poder.
Poco después me despertó un SMS: "¡Gracias, Eolo! El viento ha echado al suelo la Pacobandera del Orzán". Esto, al parecer, ya era verídico.

Canción del día: "The Tale Of The Firefly Giant" (Limousine)

Frase del día: "Esta noche Salsa Rosa va a estar que te cagas" (dos tías ayer por la calle Atocha)


sábado, marzo 25, 2006

Recomendamos blog

http://trosma.blogspot.com

Canción del día: "These Lights Are Meaningful" (Adem)

Frase del día: "Eres más profesional de lo que tú mismo estás dispuesto a aceptar" (Pablo Gil)

viernes, marzo 24, 2006

Cronología de frikismos de los Flaming Lips

Esta extraña semana (invierno en primavera, sensibilidad convulsa y algún momento que extrañamente invita a volver a creer en la humanidad) ha sido aderezada para mí con frecuentes escuchas de The Flaming Lips, un grupo en el que creer, a veces demasido ido de la olla, pero que ha sabido reflexionar como pocos sobre filosofías de la existencia. Tras mi entrevista al bajista Michael Ivins (en 20 minutos sólo le pude hacer tres preguntas, en la primera invirtió 12 minutos) volví a replantearme cosas sobre la función del arte en la vida humana, la necesidad de mostrar que todavía hay magia en este mundo (la de enamorarte con alguien mutuamente o ver crecer a una planta son ejemplos que dio él) y lo difícil que es criticar a un artista cuya mayor intención es hacer feliz a la gente sin ser hortera. No me gusta su nuevo álbum, "At War With The Mystics". Es un poco mierda pseudoprogresiva, pero lo que más he estado escuchando (gracias a una versión del soulseek en la que se escuchan los cuatro cedés sincronizados) es el sorprendente y flipante "Zaireeka". A continuación, y para regocijaros durante el finde, incluyo la versión íntegra de la cronología de frikismos del grupo que hice para el Metrópoli (texto publicado hoy).

1985. En uno de sus primeros conciertos, teloneando a The Jesus & Mary Chain, finalizaron su set con una versión de Pink Floyd, probablemente lo más anti cool que podían hacer.

1988. La banda sueña con un disco que sea un collage completo de ruido. Al final la idea se queda en un tema, “Hells Angels Cracker Factory”, de su álbum “Telepathic Surgery”.

1989. Idean los “Unscientific Experiments”: Investigar si 30 horas sin sueño podrían provocar alucinaciones.

1990. En los créditos de su álbum “In A Priest Driven Ambulante” figura que todos los temas duran lo mismo (3’ 26”). En realidad, era una broma: las duraciones son todas diferentes.

1992. Tras firmar un millonario contrato con Warner, deciden grabar "Hit To Death In The Future Head" en un amplísimo estudio montado en una universidad. Se habla de que grababan a gente gritando en los pasillos y que metían guitarras en los WC y arrojaban agua sobre ellas. Contrataron a una orquesta y luego la despidieron. La intención era hacer real la música que oían en su cabeza, pero no funcionó, así que decidieron introducir samples de la banda sonora de Michael Kamen para la película “Brazil”, lo que retrasó seis meses la salida del disco por problemas de derechos. El último tema es un loop de cuarenta segundos que se repite durante 35 minutos.

1995. Se disuelve “La Iglesia del pelo de Michael Ivins”, un grupo de fans que llevaban parches con esa inscripción en homenaje a la tupida cabellera del bajista. Ese año él había decidido cortársela. Actualmente está calvo.

1996-97. Wayne Coyne reclutó voluntarios en Oklahoma para participar en el “Parking Lot Experiment”: conciertos en aparcamientos cubiertos para los que grabó casettes con diferentes sonidos y los repartió entre los voluntarios para que los hiciesen sonar en las radios de sus coches. Él dirigía la orquesta (o sea, sincronizaba los diferentes sonidos) dando órdenes con un megáfono. Repitieron el show en el festival de Roskilde (Dinamarca) en 1999.

1997. Graban “Zaireeka”: un cuádruple album pensado para que suene simultáneamente en otros tantos reproductores. Se dijo que alguno de los temas incluía frecuencias tan extremas que podía provocar desorientación o nauseas. Rolling Stone le dio cuatro estrellas y el “New Musical Express” un diez sobre diez.

1997-98. “Boombax Experiment”. En los doce meses siguientes al “Zaireeka” y ante la imposibilidad de hacer una gira convencional con ese álbum, la banda dio esporádicos conciertos entregando radiocasettes portátiles a miembros del público y dirigiéndolo, al estilo del “Parking Lot Experiment”.

1999. Siguiendo al álbum “The Soft Bulletin”, idean “The World’s First Headphone Concerts”: pantallas de video en alta fidelidad, cámaras en miniatura en el micro, sangre de mentira, marionetas, confetti y un gong. Además, repartieron transistores y cascos entre el público para que la experiencia fuera más intensa. Será el esquema (sin radios) que seguirán en los conciertos posteriores, a los que añadirán números como disfrazar en cada ciudad a amigos suyos de animales y meter proyecciones de los Teletubbies.

2006. Tras más de un lustro de elaboración, finalizan “Christmas On Mars”, película realizada y protagonizada por ellos y que narra las primeras navidades de unos científicos destinados en Marte. Aunque no se estrenará en pantallas comerciales (irá directamente a DVD), el grupo tiene previsto hacer algunas proyecciones en locales acompañadas de un gran sistema de sonido, máquinas de nieve y otras sorpresas “en un gran evento visceral”.

Canción del día: "Home" (Jane Birkin)

Frase del día: "¿El representante del festival de magia? Creo que ha desaparecido" (yo mismo)

miércoles, marzo 22, 2006

Los mandamientos chucknorrianos

Las lágrimas de Chuck Norris curan el cáncer. Es una pena que él nunca haya derramado una lágrima.

Chuck Norris no duerme. Espera.

Chuck Norris puede ganar el juego Conecta 4 en sólo 3 movimientos.

Los Dinosaurios miraron mal a Chuck Norris una vez. UNA VEZ.

Chuck Norris ha contado hasta el número infinito… dos veces

Chuck Norris no caza, porque la palabra caza implica la probabilidad de fracasar.

Chuck Norris sale a matar.

Chuck Norris es 1/8 Cherokee. No tiene nada que ver con sus antepasados, el tío se comió un puto indio.

En la letra pequeña de la última página del libro de los records Guinness dice que todos los records registrados fueron realizados por Chuck Norris, aquellos que aparecen listados ahí son los que más cerca le llegaron.

Chuck Norris ha demandado a la NBC, alegando que Ley y Orden son marcas registradas para sus piernas derecha e izquierda.

Chuck Norris murio hace 10 años, solo que La Muerte no ha tenido el valor de decirselo.

No hay mentón tras la barba de Chuck Norris. Tan sólo hay otro puño.

La principal exportación de Chuck Norris es el dolor.

Si puedes ver a Chuck Norris, él puede verte. Si no puedes ver a Chuck Norris, puede que estés a sólo unos segundos de la muerte.

No hay teoría de la evolución, solo una lista de criaturas a las que Chuck Norris permite vivir.

Chuck Norris se comió una vez 100 kg de carne en una hora. Se pasó los primeros 45 minutos tirándose a la camarera.

Chuck Norris mide 3 metros de alto, pesa dos toneladas, respira fuego y se puede comer un martillo y aguantar en pie un tiro de escopeta.

La Gran Muralla China fue creada originariamente para mantener alejado a Chuck Norris. Fracasó miserablemente.

La mayoría de la gente tiene 23 pares de cromosomas. Chuck Norris tiene 72… y todos venenosos.

Si le preguntas a Chuck Norris qué hora es, siempre responde “Faltan dos segundos”. Después de preguntarle “¿Dos segundos para qué?”, te pega una patada giratoria en la cara.

Chuck Norris conduce un cochecito de los helados cubierto de calaveras humanas.

Cuando Chuck Norris manda su declaración de la renta, envía los formularios en blanco e incluye una foto suya, en guardia y listo para atacar. Chuck Norris nunca ha tenido que pagar sus impuestos.

El camino más rápido para llegar al corazón de un hombre es el puño de Chuck Norris.

¿Que es lo último que pasa por las mentes de las víctimas de Chuck Norris? Sus botas.

Chuck Norris no hace mantequilla, propina patadas giratorias a las vacas y la mantequilla sale de ellas.

De adolescente, Chuck Norris dejó embarazadas a todas las enfermeras de un convento perdido en las colinas de la Toscana. Nueve meses después, las enfermeras dieron a luz a los Miami Dolphins de 1972, el único equipo imbatido de la historia del fútbol americano profesional.

Cuando el Hombre del Saco se va a dormir cada noche, mira en su armario para ver si está Chuck Norris.

Una señal de aparcamiento para minusválidos no significa que ese sitio esté reservado para minusválidos. En realidad, es una advertencia de que el sitio pertenece a Chuck Norris, y que te quedarás minusválido si aparcas ahí.

Si Chuck Norris llega tarde, más le vale al tiempo ir más despacio.

Nagasaki nunca recibió una bomba atómica. Chuck Norris saltó de un avión y dio un puñetazo en la tierra.

Chuck Norris aparecía originalmente en el juego “Street Fighter II”, pero fue eliminado por los Beta Testers porque cada botón hacía que diera una patada giratoria. Cuando se le preguntó por este “fallo en el sistema” Norris respondió “Eso no es un fallo en el sistema”.

Chuck Norris derribó en una ocasión un avión alemán con su dedo gritando “Bang!”

Chuck Norris tiene dos velocidades: Caminar y Matar.

Contrariamente a la creencia popular, América no es una democracia. Es una Chucktadura.

En lugar de ser parido como un bebé normal, Chuck Norris decidió abrirse paso a puñetazos desde el vientre de su madre.

Si buscas en Google “Chuck Norris siendo apaleado” te da 0 resultados, simplemente no puede suceder.

Chuck Norris puede cerrar de un golpe una puerta giratoria.

Mientras que muchas personas usan un pijama de superman, Superman usa un pijamas de Chuck Norris.

Chuck Norris puede dividir entre cero.

Cuando Chuck Norris va a donar sangre no usa jeringuillas: Pide un cubo y un cuchillo.

No existen minusválidos sino gente que ha peleado con Chuck Norris.

Chuck Norris puede quemar una hormiga con una lupa… de noche.

Chuck Norris es la razón por la que Wally se esconde.

Chuck Norris no lee el periódico, lo estudia.

Chuck Norris no grita, lanza ultrasonidos explotacerebros.

Chuck Norris dona sangre a la Cruz Roja frecuentemente. Sólo que nunca es la suya.

Chuck Norris se comió una vez una tarta entera antes de que sus amigos pudieran decirle que había una bailarina dentro.

La unidad militar Chuck Norris no fue usada en el juego Civilization 4 porque un solo Chuck Norris podría derrotar a la combinación de naciones del mundo en un solo turno.

Las Tortugas Ninja están basadas en una historia real. Chuck Norris se comió una vez una tortuga entera, y cuando la cagó, ésta medía dos metros y había aprendido karate

Canción del día: "Dios Oppenheimer" (PAL)

Frase del día: "What a fucking lovely day" (texto en pegatinas promocionales del nuevo álbum de Stephin Merritt)

martes, marzo 21, 2006

Rimbaud y Verlaine

(Publicado hoy en "La Razón". Texto por Toni Montesinos)

El rock se une para salvar la casa de Rimbaud y Verlaine

Bob Dylan y Patti Smith intentan que la especulación no acabe con el viejo edificio londinense en el que nació «Una temporada en el infierno»

Dentro de unos meses y si dos millones de euros no lo remedian, la casa que albergó la pasión de Verlaine y Rimbaud se convertirá en un bloque de apartamentos.

Ha pasado más de un siglo, pero aún permanece la aureola de misterio sobre el significado de la poesía de Arthur Rimbaud y su variopinta vida, antes y después de dejar la escritura para convertirse en viajero y comerciante, durante y tras su convivencia con Paul Verlaine. Ambos son poetas en constante fuga, a la busca de alcanzar una estética jamás antes vista, en pos de la aspiración a la libertad total: «Plus libre que les plus libres», dijo Verlaine de Rimbaud: más libre que los más libres.

Los antecedentes dignos de mención de Rimbaud son numerosos pese a su corta edad: abandonado por su padre a los pocos años, vive con tres hermanos y una madre arisca que parece desconocer que tiene en casa al estudiante más brillante de Francia, que gana premios por sus poemas en latín, se cartea con escritores y ya tiene el anhelo de trasladarse, desde su Charleville natal, al París de Baudelaire y el resto de poetas simbolistas y bohemios. Sólo tiene 16 años, pero una seguridad en su talento absoluta, cuando hace sus primeros intentos, fallidos, de instalarse en París y Bruselas. No será hasta septiembre de 1871, cuando acuda a la capital invitado por Paul Verlaine, fascinado por el poema de Rimbaud «El barco ebrio», que el afán de independencia de éste se haga realidad. Aunque ello conduzca al peligro, al desenfreno, al escándalo.
Sucios y neuróticos, los años siguientes contemplarán la relación vagabunda y tempestuosa de los dos amantes, condimentada con alcohol, drogas y todo tipo de problemas: Rimbaud no se siente a gusto en ningún sitio, ni siquiera en los ambientes intelectuales de los cafés, y Verlaine, harto de su esposa y su bebé, a los que propina terribles palizas, huye con su nueva pareja a Londres en 1872, lejos de las voces que les señalan como unos degenerados. Se hospedan en una casa del distrito de Camden (al norte de la ciudad), la misma que ahora los cantantes estadounidenses Bob Dylan y Patti Smith –que siempre han declarado sentirse deudores de la obra de los dos poetas– pretenden salvar, secundados por otros artistas conocidos, como Christopher Hampton y Julian Barnes, pues aquel lugar fue testigo de algunos de los versos más importantes de la literatura francesa.
El caso es que el propietario actual, el Real Colegio Veterinario británico, quiere vender la propiedad, y, ante el temor de que se levanten nuevos pisos en la zona, se busca a un comprador que pague 1,9 millones antes de finales de julio, que es cuando vence el plazo, para así conservar la casa donde Rimbaud concibió «Una temporada en el infierno», lo último que escribió –aunque de la misma época sean las «Iluminaciones»– antes de que emprendiese, a partir de 1874, varios viajes por Europa, hasta que un agente de reclutamiento del ejército holandés le convenciera para ir de mercenario a la conflictiva isla de Java. Luego, el joven ex poeta vivirá mil y una aventuras, tendrá diferentes empleos y, con su desaparición en algún lugar de Abisinia, comenzará una leyenda que remite a un pasado que le repugna, que niega y no quiere remover. Entre otras cosas, el famoso episodio del tiro de pistola.
Sucedió así: en julio de 1873, tras meses de sufridas separaciones, con la persecución incesante de la esposa de Verlaine, con éste enfermo e incluso con el deseo de volver con ella, pues ve deteriorada sin remedio su relación con Rimbaud, se produce una fuerte discusión en la estación de trenes de Bruselas. Verlaine va armado, y dispara a Rimbaud en la muñeca. La policía detiene al agresor y el juez le condena a dos años de cárcel a pesar de que Rimbaud retira la denuncia. El amor ha terminado en drama, y casi en tragedia, y sólo habrá dos posdatas a esa historia tan particular: en 1874, Rimbaud vuelve a Londres, no sabemos si a la misma casa de Camden, y acaba «Iluminaciones»; al año siguiente, se encuentra con Verlaine, en Alemania, por última vez. El futuro para ambos será decadente. Rimbaud, consagrado a unos negocios erráticos, se volverá invisible en África, al menos para los que aún seguían venerándole en París, y sólo volverá a Francia para morir en 1891 a los treinta y siete años, en Marsella, con una pierna amputada tras un cáncer de huesos. Verlaine disfrutará de una veneración literaria similar, alcanzará fama en proporción a la miserable vida que padece y morirá a los cincuenta y dos años. Un halo de todo este misterio, de toda esta trasgresión, aún permanecerá, sin duda, en esa casa del norte de Londres. Conservarlo cuesta casi dos millones.

Canción del día: "El bello verano" (Family)

Frase del día: "Se prohibe comer" (Letrero en un autobús de la empresa Alsa)

jueves, marzo 16, 2006

Un curso curioso

Información remitida por El Alto sobre uno de los curos de verano en la Universidad del País Vasco (Donosti):

La influencia de las relaciones internacionales y la economía mundial en el rock. Un caso paradigmático: Midnight Oil

Fecha:

27/29 Julio

Dirigido por:

D. Asier García Lupiola.
E.U. de Estudios Empresariales. Bilbao. UPV/EHU.

Precio de matrícula:

Hasta el 31 de Mayo: 70 €. A partir del 1 de Junio: 84 €.

Validez académica:

30 horas.

Idioma oficial del curso:

Castellano.

El presente seminario, tal y como su título indica, pretende mostrar la influencia que los grandes acontecimientos de carácter internacional han tenido en el rock. Éste, en cuanto movimiento universal, surgió en el contexto del nuevo orden internacional creado tras la Segunda Guerra Mundial y en su desarrollo se ha visto directamente reflejada la evolución de la sociedad internacional.

Por su carácter contestatario, el rock ha servido de instrumento de denuncia y expresión de descontento a nivel planetario. Son innumerables los conflictos políticos y militares, así como los fenómenos de naturaleza económica que han sido detonantes de la multitud de estilos y géneros creados en el seno del rock, de la actitud de las diferentes bandas y de las propias letras de sus canciones. En ellos se han reflejado, desde los inicios de la Guerra Fría hasta la actual amenaza del terrorismo internacional, cuestiones tales como los enfrentamientos bélicos, la carrera armamentística, el proceso de descolonización, las crisis económicas y energéticas, los problemas del subdesarrollo, el respeto a los derechos humanos, la globalización, el neocolonialismo o la protección del medio ambiente.

El grupo australiano Midnight Oil constituye uno de los ejemplos más relevantes en este ámbito, por cuanto que su mensaje y su actividad social han formado un referente político-social en su país de origen, superando sus fronteras y convirtiéndose, en cuanto banda de rock, en medio de crítica a las amenazas que presenta un mundo globalizado en el que valores como la justicia, la igualdad o la solidaridad quedan sometidos al logro del máximo beneficio económico.

Canción del día: "L'horizon" (Dominique A)

Frase del día: "El que no se lo cree no tiene que estar y el que está sólo por dinero se tiene que ir" (Loquillo)

Famosos avistados: Paz Gómez (Calle Luna)

miércoles, marzo 15, 2006

Más sobre las cintas de mezclas

G. guardaba sus cintas en cajas de zapatos. Creo que G. fue la primera persona que me grabó una cinta de mezclas. Todavía la conservo en Coruña. Era corta (unos 46 minutos) y reciclada. Esto es, una cinta no-virgen a la que pones celo por encima de las pestañas para que se pueda grabar. De la primera canción no recuerdo el grupo ni el título, pero sí la melodía al dedillo y la acertadísima descripción: "dan ganas de revolcarse sobre la hierba y ponerse a saltar". La segunda era esa joya de The Chills titulada "Heavenly Pop Hit". Del resto, recuerdo una lenta de The Fall (ni ella sabía el título) que me pone morriñoso cada vez que la escucho. Peter Murphy, The Essence, "The Last Beat Of My Heart" de Siouxsie, "Thru The Flowers" de los Primitives...

Las primeras cintas de mezclas que grabé las grabé para mí. Fue algo parejo a la aparición del primer walkman en mi vida. Siempre he asociado esas cintas al acto de viajar, a bandas sonoras que acompañaran largos desplazamientos en tren o autobús. Muchas de esas canciones siguen asociadas a lugares en movimiento, a árboles que crees cortar con una gran cuchilla (algún día os contaré esa extraña relación entre esa cosa que creía que sólo sentía yo y que luego leí en Kerouac), a noches en vela en el Alsa y a campos de trabajo en los que siempre había luego un loro para reproducirlas en público y ver si pescaba algún alma gemela.

En mi primer viaje a Valencia aterricé con una de esas cintas y se convirtió en la banda sonora de mi primer beso. Siempre relacionaré "Faith" de los Cure con aquella extraña sensación cálida y húmeda y un gato que espiaba mi acto de asustadiza intimidad con la (por aquel entonces) mujer más guapa del mundo. Probablemente ella fuera la destinataria de mi primera cinta de mezclas para otra persona. De hecho, creo que se quedó con aquella misma que estaba sonando,que se volvió habitante directa de su caja de zapatos.

Mis intercambios de cintas durante los años 90 tuvieron mucho que ver con intercambios de cartas, una curiosa relación que mantuve con, aproximadamente, una decena de personas de los lugares más recónditos de España con el único fin de poner en común nuestro amor a determinados grupos y descubrirnos a otros. También repartí unas cuantas mixtapes en vivo, aunque con los colegas de Coruña lo que predominaba era o dejar el disco original o grabar discos enteros. Por supuesto, también caí en la inevitable fase de hacer cintas de mezclas expresamente para personas (entre ellas, muchas de las que visitan este weblog) bien como regalo de cumpleaños o bien porque me apetecía. También, en algunos casos, lo hice con la intención de seducir a alguien: esa inocente idea de pensar "te voy a grabar todas estas canciones que significan tanto para mí, invitarte a que entres en mi mundo para que mi mundo pase a formar parte de tu mundo". Nunca me funcionó pero, al menos, creo que en todos los casos he seguido manteniendo la amistad hasta ahora.

No debo olvidar que, siempre que he grabado una cinta de ese tipo, la he acompañado, ya fuese en una hoja aparte o en la misma cinta, de pequeños textos en los que hablaba sobre cada canción, ya fuera en torno informativo, personal o ambos. Esos fueron, curiosamente, mis primeros actos cercanos al periodismo musical.
Una vez llegué a Madrid dejé de escribirme con gente e intercambiar cintas. Ya era otro mundo y otro ritmo. Descubrí el email, el mp3, el discman y el soulseek. Tampoco diría que cualquier tiempo pasado fue mejor, y es bueno aprovechar las nuevas tecnologías sin dejar que se aparten de nuestro corazón. De vez en cuando, todavía envío alguna canción a traición por Messenger buscando que ese pequeño escalofrío vuelva a recorrer algún cuerpo.

Algunas canciones habituales en mis cintas de mezclas: "Streets Of Your Town" (The Go-Betweens), "Jennifer She Said" (Lloyd Cole), "Can't Be Sure" y "Here's Where The Story Ends" (The Sundays), "Ziggy Stardust" (Bauhaus), "Nightswimming" y "Fall On Me" (R.E.M.), "Shine On" y "Never" (The House Of Love), "Almost With You" (The Church), "Twisterella" (Ride), "My Mother The War" (10.000 Maniacs), "Ask" (The Smiths), "I Guess I'm Just A Little Too Sensitive" (Ivy), "Birthday" (The Sugarcubes), "Dreamtime" (The Heart Throbs) + muchas de The Cure, U2, Joy Division-New Order, El Último de la Fila, Radio Futura, Primitives, Björk, Siouxsie, Pixies...

martes, marzo 14, 2006

"Mix Tape. The Art Of Cassette Culture". La vida en una Basf de 90.

Gracias eternas a Víctor y María por regalarme este libro de importación, editado por Thurston Moore, de Sonic Youth. "Mix Tape" está dedicado, en efecto, a glorificar o reflexionar sobre las cintas caseras que la gente grababa para otras personas, contextualizar el fenómeno y poner de manifiesto su valor vital y artístico. Es una obra profundamente pasional, con espíritu fanzinero y muy underground. Lo que hace Moore es pedirle a amigos suyos del mundillo que escriban alguna experiencia personal relacionada con el tema y, aparte, que le pasen copias de las portadas o el contenido de alguna mixtape que haya supuesto algo para ellos.

La principal conclusión es que, en esta era de cd-r y mp3, la cinta representaba otro tipo de unión con la música y ha sido, por lo que veo, francamente importante como parte de las experiencias vitales de varias generaciones. Algunas de las historias que se cuentan en el libro son francamente enternecedoras. El propio Moore, por ejemplo, recuerda la época en que el nacimiento de la cultura hip-hop le fascinó tanto que se compró un tremendo loro de estos que llevaban los b boys por la calle para la furgoneta y allí se iban escuchando cintas y cintas durante las giras. Dice que cuando Kim Gordon entró en el hospital para tener a su hijo le grabó una caja entera de mix tapes "Todavía las veo flotando alrededor y me retrotraen a aquella época", escribe.

Portadas caseras, la pura magia de ver los títulos escritos a boli y escuchar las canciones, secuenciaciones hábiles o no, cintas temáticas o eclécticas, canciones para seducir a alguien o para introducir a alguien en determinado tipo de música, egocintas o cintas para psicoanalizar a su destinatario... las posibilidades eran casi infinitas y, por eso, como dice Thurston, "intentar controlar el intercambio de música es como intntar controlar un asunto del corazón. Nada va a pararlo".
"En el futuro, cuando los científicos sociales estudien el fenómeno de la mix tape, ellos concluirán -con un lenguaje elegante- que era una forma de discurso espécifica de finales del siglo XX, luego reemplazada por la 'play list". Esta enorme cita es de Dean Wareham (Luna, Galaxie 500). Su historia personal de cinta de mezclas es igualmente tierna. Dice que las dos más importantes las hizo en el 87: una para su futura novia (¡le funcionó!), y otra para sus amigos Damon y Naomi, con quienes formaría Galaxie 500 a continuación. Luego son los propios Namon y Daomi quienes contribuyen escribiendo unas líneas sobre lo influyente que fue esa cinta de cara a la formación de la banda. ¿Qué incluía? Temas de Jonathan Richman, Link Wray, Moe Tucker, Dream Syndicate, Robyn Hitchcock, That Petrol Emotion, Joy Division, Pere Ubu y Mission Of Burma, entre otros.

Un tal Matias Viegener, también acertadamente, habla sobre la cinta de mezclas como, al igual que cualquier forma de arte folklorico, un intento de volver a capturar la inocencia perdida. Slim Moon, fundador del sello Kill Rock Stars, enseña parte de las cintas que le grabó Tobi Vail (Bikini Kill) y que, sabemos, hizo lo propio con similares resultados con Kurt Cobain. "Tobi fue la persona que más me enseñó de rock y de política, tanto social como personal", dice Moon. Y la cineasta Allison Anders cuenta que Tarantino hizo una cinta titulada "True Romance" y les dio copias a Patricia Arquette y Christian Slater con las canciones que sus personajes en la peli del mismo título ("Amor a quemarropa" en España) se daban entre sí.

En fin, historias e historias que son un buen complemento a lo ya dicho también en el libro "Alta fidelidad" o canciones de similar espíritu como "Ballad Of A Mixtape", en el último disco de Comet Gain. El tema es inabarcable pero, quizás mañana o sino otro día, continúe con él.

Canción del día: "It's All Over" (The Broken Family Band)

Frase del día: "Si elegimos a los políticos es para no tener que pensar nosotros todo el tiempo" (Homer Simpson)

lunes, marzo 13, 2006

Krzystof Kieslowski

En la memoria individual y colectiva labrada en aquellos años 90 universitarios, el cineasta Krzystof Kieslowski parece condenado a vivir injustamente relegado a un papel que nunca quiso desempeñar. Especialmente a partir del boom mediático que supuso su serie "Tres colores", Kieslowski era acusado de ser la referencia cómodamente modernuqui, esteticista, pedante, el director de la gente con ansias de aparentar intelectualmente y, además, tener ese punto de sensibilidad y poesía para ir de guay . Tal como se dejó ver con suma nitidez en el Festival de Cannes del 94 (ganó "Pulp Fiction" y Tarantino hizo la peineta) o eras de Kieslowski o eras de Quentin.

Aún recuerdo, sin ir más lejos, una de aquellas tardes ociosas que llamé a un infame programa de cine de Cuac FM en una encuesta sobre las mejores pelis de los 90. Cuando dije "Azul" se rieron en mi puta cara (eran los mismos que decían que a la peña que iba al CGAI los llamaban "santiagueses"). A esta gente, perdón por el inciso, les llegó la justicia poética cuando, en la encuesta sobre las peores pelis de la historia, un amigo llamó para decir que eran "Ordet" y "Vania en la calle 42".

Fin del inciso. Los prejuicios en torno a la figura de Kieslowski fueron un craso, craso error. No deben despistar ni los publicitarios rostros de las 'chicas Kieslowski' (Binoche, Delpy, Jacob) ni un uso del color y la fotografía que encantarían a los diseñadores de cualquier campaña de perfumes. Su cine iba mucho más allá. Nadie como él ha tramado tan bien aquellos juegos de espejos bajo la música del azar y, en última instancia, reflexionar de forma tan inteligente y emocional sobre el carácter humano. Sin llegar al punto discursivo de Rohmer, parecía partir de premisas similares para construir su propia filosofía sobre la moral y, al tiempo, invitar a que nos descubriéramos a nosotros mismos. No, no había esa belleza higiénica que se le achacaba, como queda bastante claramente reflejado en los dos títulos del "Decálogo" que llegaron a la pantalla grande y que, constituyen, quizás, lo más descarnado, impresionante y perdurable de su legado: "No amarás" y "No matarás". Esta última, por cierto, se está reestrenando en algunas salas de las grandes ciudades.

Kieslowski abandonó el cine tras hacer "Rojo". Consideraba que ya no le quedaba nada más por decir. Hace hoy diez años, recibíamos la noticia de su muerte. Hoy le rendiré homenaje tirando alguna botella a un contenedor de vidrio.

Canción del día: "Emblems" (Matt Pond PA)

Frase del día: "Mejor ser fascista que maricón" (Alessandra Mussolini, eurodiputada italiana)

Famosos avistados: Montxo Armendáriz (Tudescos), Esperanza Aguirre (Calle Pez), Moncho Alpuente (Calle Pez)

sábado, marzo 11, 2006

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Sonó el teléfono muy, muy temprano. Era mi hermana. Me preguntaba si estaba bien. Que había habido un atentado en Atocha (de ETA, se suponía) y había muchos, muchos muertos. No daba crédito. Encendí la tele, la locura. Me conecté al messenger y fui esperando poco a poco hasta saber que toda la gente que podía haber sido susceptible de pasar cerca de allí a aquella hora estuviera bien. Recuerdo todo aquel día como una espiral de llamadas y nerviosismo. Por la tarde (era mi plan, ya de antemano, no lo cambié) fui a entregar mi voto a la oficina de correos.
Belle & Sebastian no suspendieron su concierto. Mucha gente en la puerta intentaba vender su entrada: no querían ir. Arriba, en una esquina de Aqualung estábamos casi toda la gente que me importaba en aquel momento, en aquel lugar. Demasiados mensajes tipo eclesiástico de Stuart Murdoch: un concierto de mierda, pero con "Sleep The Clock Around" nos pusimos a bailar como poseídos, con los ojos cerrados y una extraña sonrisa.. Sólo recuerdo esa canción y "Fox In The Snow". Me alejé ligeramente del grupo, me quedé solo junto a una barandilla. Me derrumbé por tres minutos..
Los siguientes días fueron los más raros que he vivido en Madrid. Indignación ante las noticias, caras tristes en la gente, ambiente extraño..., de repente, todas aquellas fotos y mensajes en la Puerta del Sol, me recordaban la realidad cada vez que regresaba a Lavapiés tras una noche de marcha.Salía con una bandera de "Nunca Máis". La dejé allí. Al día siguiente, ya no estaba. Hacía frío, casi tanto como ahora.
Por otro lado, sentía una especie de alegría de estar vivo, valoraba más todo lo que tenía alrededor, y creo que con toda la gente que me rodeaba había ese mutuo aprecio, la valoración de que estábamos ahí, juntos, ilesos, todavía con futuro. Un sábado terminamos en el Coppelia, nos tomamos unas pilis y nos dimos besos en los morros. Conocí a mi crítico de cine favorito y me deshice en elogios hacia él. Fueron noches diferentes con, siempre, el mismo final: dormir solo en mi zulo de Lavapiés. Un día me pudo la debilidad y decidí hacerlo en la Alameda de Osuna.
Todo se olvida muy, muy rápido.

Canción del día: "Faith" (The Cure)

jueves, marzo 09, 2006

La despedida triunfal de Pacorro

Hoy en el diario "La Opinión" (www.laopinioncoruna.com)

Francisco Vázquez puso ayer banda sonora a su despedida de la Alcaldía que ha presidido los últimos 23 años. En su último acto oficial antes de la recepción institucional en la que certificó su dimisión, Vázquez se rindió homenaje a sí mismo haciendo que la Banda Municipal de Música interpretase el La, la, la de Massiel en plena plaza de María Pita.

La elección del regidor poco tuvo que ver con sus gustos musicales. Ayer, la melodía de Massiel era lo de menos. Lo importante era el mensaje, el la, la, la repetido como defensa más que evidente de su La Coruña, un mensaje más dirigido a sus críticos que a sus compañeros de filas en la guerra del topónimo.

Después de pasar revista a una formación de las Milicias Honrada y Urbana, y de depositar un ramo de flores al pie de la estatua de María Pita, Francisco Vázquez se plantó bajo el balcón del Palacio Municipal y esperó. Pocos sabían que la Banda Municipal de Música se iba a arrancar con el La, la, la de Massiel y, después, con el pasodoble Suspiros de España.

Vázquez seleccionó estas dos piezas en honor a sí mismo. La primera, como referencia a que para él, y en contra de las sentencias judiciales, la ciudad se llama La Coruña. La segunda, como guiño a su traslado a la embajada de España en el Vaticano y a los "suspiros" que asegura haber soltado desde que anunció su marcha.

En la plaza de María, sin embargo, no sólo sonó la Banda Municipal. También retumbaron los pitidos y los cánticos de una treintena de sindicalistas que se concentró ante el Palacio Municipal en demanda de la revisión de las condiciones laborales de los funcionarios municipales.

Por un momento, y con la banda de por medio, las gargantas de los concejales del PSOE compitieron con las de los sindicalistas ante medio centenar de personas. Unos, con el alcalde al frente y secundados por líderes vecinales como José Antonio Folgueira y Rosa Barreiro, entonaron el estribillo de Massiel y dieron palmas; los otros, con silbatos, proclamas y canciones, contrarrestaron el La, la, la con el Vivir na Coruña que bonito es / andar de parranda e durmir de pé...

Canción del día: "Take Ecstasy With Me" (The Magnetic Fields)

Frase del día: "Canto así porque creo que a las chicas les gusta. Estoy seguro de que se masturban escuchándome" (Adam Green)

miércoles, marzo 08, 2006

Anton Corbijn, "The Work Of Director"

El videoclip moderno comienza con Anton Corbijn. Este holandés rural, hijo de un pastor protestante, comenzó a finales de los 70 haciendo fotos para el New Musical Express y otras revistas musicales británicas. Su estilo, rápidamente inconfundible, lo aplicaría al video a partir de 1983, cuando le encargaron el clip de "Hockey", de Palais Schaumburg. Ahora es más o menos habitual pensar en artistas como Chris Cunningham, en los que predomina un estilo de autor sobre la imagen del grupo, pero en los 80 era algo bastante inusual.

Siempre se asociará a Corbijn con ese blanco y negro de grano gordo ("el grano es la vida", dice él) y temáticas extrañas, oscuras y algo surreales, pero a menudo se desestima su sentido del humor. Sólo alguien como él ha tenido el atrevimiento de construir la imagen más siniestra de Depeche Mode (antes de sus clips para "Music For The Masses" era un grupo multicolor para adolescentes) y, a continuación, destruirla con videos como el de "It's No Good", donde los pone a tocar en un prostíbulo. Nadie se atrevió, tampoco, a reirse de Echo & The Bunnymen como él en su video de "Seven Seas", donde los ponía en un teatro lleno de colores chillones, los disfrazaba de cosas estrafalarias e incluso travestía a Ian McCulloch. Años después, haría lo propio (sin quebrar un ambiente de desconcertante solemnidad) con U2.

Fuertemente influido por el expresionismo alemán y la pintura de El Bosco, dice que su gran biblia son las que llama "las dos T del cine europeo: Tati y Tarkovski". Pocos han pensado en el director francés como inspirador de Corbijn, pero se deja entrever en su humor contracorriente y sus personajes 'mudos' (pocas veces utiliza el play-back) a los que pone a hacer cosas extrañas. No muchos realizadores de clips han sabido, del mismo modo, explotar las posibilidades como actores de los músicos a los que filmaba.

Diría que "Heart Shaped Box" de Nirvana (1993) es su último gran vídeo: en los 90 Corbijn intentó probar otras cosas (no demasiadas) y, en una mezcla entre eso y un exceso de acomodamiento, ha sido superado por la nueva generación de directores de clips. No obstante, su DVD para la serie "The Work Of Director", con unos impecables 199 minutos de duración que se quedan cortos, es, junto con el de Michel Gondry, el mejor de toda la serie.

A continuación, algunas anécdotas relatadas de algún modo en el DVD:

-Propaganda: "Dr. Mabuse" (1984). Con ese título, Corbijn no podía hacer otra cosa que inventarse una historia de terror expresionista. Uno de los villanos que aparecen, estrafalariamente caracterizado, es Fad Gadget, pionero del tecnopop oscuro, que grababa para el sello Mute. Depeche Mode debutaron como teloneros suyos y él hizo su última gira, antes de fallecer, como telonero de Depeche Mode y escenografía de Corbijn. A eso se le llama cerrar el círculo.

-Echo & The Bunnymen: "Seven Seas" (1984). Era "Ocean Rain", el álbum magno de la banda, y los directivos de la compañía Warner se sintieron horrorizados: nadie se podía reír así de los Bunnymen en un vídeo. Le dijeron a Corbijn que no pagarían eso. La banda se ofreció a pagarlo ellos.

-Joy Division: "Atmosphere" (1988). Tony Wilson encargó a Corbijn este clip para promocionar el recopilatorio "Substance". Él siempre trabajaba con grupos 'vivos', pero en este caso no podía. Wilson le propuso utilizar fotos de la banda, pero él no quería hacer nada con el trabajo de fotógrafos que no fuesen él, así que al final recurrió a sus propias instantáneas (tenía un amplio archivo desde que aterrizó en Londres en la época de "Unknown Pleasures"). Hizo ampliaciones de varias fotos, pero no tan descomunales como se supone: los encapuchados que las portan en el clip son niños, con lo cual parece que las fotos son más grandes de lo que son en realidad. Quienes lo hayáis visto lo recordaréis, un grupo de encapuchados vestidos de blanco o negro van portando grandes retratos de Ian Curtis mientras caminan por una playa, en lo que parecen unos costaleros de la Semana Santa con la imagen de las vírgenes y los mártires (no, no creo que sea una referencia gratuita). También aparece un misterioso objeto con una función quizás similar al monolito de "2001".
La impresión final es de acongojante solemnidad y profunda emoción, imposible de ocultar en un artista cuya primera ilusión fue la de conocer a y trabajar con Joy Division. Por eso, tambien, Tony Wilson le ofreció debutar en el largo con "Control", la película que está realizando sobre el grupo. Este clip, por cierto, fue filmado en algún sitio de Andalucía, así que si un día os viene un gaditano de 30 años diciendo "yo salgo en un video de Joy Division" podéis creéroslo. Por cierto, según cuentan los actuales New Order en el DVD, las ampliaciones de las fotos las llevó Tony Wilson a las oficinas de Factory para tenerlas a buen recaudo.Al poco tiempo, fueron robadas. Así que si un día os viene un tío de Manchester a venderos las fotos del vídeo de "Atmosphere" podéis creéroslo también.

-Depeche Mode: "Enjoy The Silence" (1990). Uno de mis tres vídeos favoritos de Corbijn. Para la 'boutade' de pasear a Gahan vestido de rey con una silla de playa rodaron en Escocia, Portugal y Suiza. En el DVD se incluyen 5 vídeos de Depeche (los siguientes artistas representados tienen 2, que son varios), pero se quedan fuera otros igualmente excelentes, como los de "Strangelove", "Never Let Me Down Again" o "Personal Jesus".

-U2: "One" (1992). Se rodó en Berlín durante la grabación de "Achtung Baby", disco para el que Corbijn también realizó las fotos y diseñó la portada.El hombre misterioso que aparece en el vídeo es el padre de Bono. No cobró nada porque Bono no quiso. Es altamente simbólico y difícil de explicar, pero las imágenes de los cuatro U2 travestidos están llenas de fuerza y no provocan risa (que sería lo más fácil). Por desgracia, acabaron dedicando el single a un artista que había fallecido por sida, con lo cual, etiquetar la enfermedad con un vídeo en el que salían vestidos de mujer no era la mejor idea. Lo cambiaron por otro y éste se quedó en un "director's cut".

-Nirvana: "Heart Shaped Box" (1993). El storyboard es de Kurt Cobain. Corbijn sólo plasmó en imágenes las paranoias que el músico tenía en su cabeza, aunque añadió detalles como la aparición de una mujer gruesa en carne viva. El vídeo es un puto delirio proveniente de la unión de dos genios. Cobain quería rodarlo en technicolor pero les salía muy caro, así que se filmó en blanco y negro y luego se fue coloreando varias veces fotograma a fotograma para acrecentar el impacto visual.

-Mercury Rev: "Goddess On A Hiway" (1999). La fascinación de Corbijn por la América profunda (véase el de "Personal Jesus") llega aquí a su máxima expresión. Disfraza a Grashopper de policía tarugo (hasta le hace comer donuts) que persigue por caminos forestales a un coche cuyo capó lleva pegadas un montón de estatuas de la libertad en pequeñito. Corbijn tuvo que trabajar con un grupo estadounidense para mostrar su opinión sobre EE UU, como no podía ser de otra manera.

-U2: "Electrical Storm" (2002). Se filmó en una playa justo delante de la casa que tiene Bono en el Sur de Francia. Por primera vez en los videos de Corbijn y por primera vez en un clip de U2, el protagonista no es el cantante sino el batería, Larry Mullen. Bono también quería que su compañera fuese una actriz y no una modelo porque la historia "exigía interpretación", y al final sugirió a Samantha Morton, que acababa de rodar "En América" con su amigo Jim Sheridan. El resultado es lo más erótico que ha hecho nunca U2, y el vídeo, con mucho, supera en fuerza a la canción. Samantha Morton hará de Deborah Curtis en la película "Control".

Canción del día:"Without MSG I Am Nothing" (McLusky)

Frase del día: "Kim Novak estaba preciosa, pero no valía ni para tomar por culo de lo mala actriz que era" (un sexagenario hablando con otro en la puerta de la Filmoteca)



martes, marzo 07, 2006

"El castillo ambulante", de Hayao Miyazaki. Las edades.

Hace poco hablaba con un par de amigos sobre la última vez que lloramos en el cine, o algo así. El caso es que me acordé que, en mi caso, había sido reciente. En pleno pase matinal de "El castillo ambulante", en una de sus primeras escenas, la protagonista (una tierna joven de 18 años) es sometida a un maleficio por una bruja y, de repente, aparece transformada en una anciana, desvalida, lenta de movimientos, encorvada sobre un bastón. Me parece uno de los momentos más demoledores que he visto en una pantalla. De repente, a una persona en la flor de la vida se le arrebata todo: la juventud, la madurez, la posibilidad de haber vivido tantas cosas, y la convierte en un ser desvalido y sin pasado ni experiencia. Vale, es fantasía, es magia, pero ahí está el poder del cine de poder conmocionarte con una invención, o incluso de derrumbarte. Sin entrar en más obsesiones de índole personal, que cada uno tiene las suyas.

No estamos, no obstante, ante una gran película (las cinco estrellas, por ejemplo, de Quim Casas en "El Periódico de Catalunya" me parecen un exceso). Pese a partir de premisas similares a su obra anterior, "El viaje de Chihiro", y a no traicionar las obsesiones creativas de Miyazaki (la aventura en base a un recorrido geográfico y vital, el barroquismo, la transformación...), naufraga yo creo que por partir de una historia ajena, escrita por la británica Diana Wynne Jones en 1986. La sensibilidad del genio japonés no es suficiente como para levantar el relato original, demasiado deudor de la tradición británica (de "El señor de los anillos" a "Harry Potter"), y se hace previsible y con poca enjundia pese a unos cuantos personajes interesantes. Tampoco voy a meterme en teorías como que desde oriente no se puede adaptar la cultura occidental ("Heidi" y "Marco", sin ir más lejos, son los mejores ejemplos de lo contrario), pero el caso es que la peli no me llenó como se esperaba.
Y, evidentemente, no os descubro nada si os digo que, al final, Sophie regresa a los 18 años y come perdices.

Canción del día: "No estaría mal no tener que saber qué es lo que va a pasar" (Astrud)

Frase del día: "Que se miren las hemerotecas" (José María Aznar)

lunes, marzo 06, 2006

Los gallegos más influyentes de 2006

Un año más, el diario El Correo Gallego acaba de publicar la lista de los 500 gallegos más influyentes del momento. La clasificación se ha confeccionado según las votaciones de 531 'notables' ("hombres y mujeres de distintos sectores de la sociedad gallega") o, lo que es lo mismo, un listado de 'grandes homes' según la opinión de los 'grandes homes' para que no se pervierta la endogamia de la popularidad. Como podréis comprobar, el poder político y económico sigue copando aplastantemente los puestos altos, aunque este año ha habido un vuelco asociado al cambio de gobierno. Podéis consultar la lista entera en http://www.elcorreogallego.es/canales/125/index.htm
Estos son los diez primeros. Entre paréntesis, el puesto que ocupaban el año anterior:
1. Emilio Pérez Touriño (10)
2. Amancio Ortega (3)
3. Mariano Rajoy (2)
4. José Luis Méndez (4)
5. Anxo Quintana (15)
6. Manuel Fraga (1)
7. Alberto Núñez Feijoo (7)
8.Julio Fernández Gayoso (5)
9. Francisco Vázquez (6)
10. Pepe Blanco (9)

Curiosidades: Rouco Varela cae del puesto 8 al 14. La primera mujer en aparecer es Rosalía Mera (16). La nueva entrada más alta es Dolores Villarino (19), y el periodista mejor situado es un escritor, Manuel Rivas (18). El siguiente ya es Fernando Ónega en el 41. Otros influyentes: Luis Tosar (20), Xose Luis Méndez Ferrín (42), Augusto César Lendoiro (46), Carlos Núñez (48), Xose Ramón Barreiron (52), Suso de Toro (58), Jesús Vázquez (66), Fernando Vázquez (72), Michel Salgado (74), Luz Casal (103), Toñi Vicente (104), Marcos Serrano (106), Miguelanxo Prado (108), Paula Vázquez (116), Arsenio Iglesias (117), Xosé Ramón Gayoso (129), Silvia Jato (136), Xurxo Souto (177), Cristina Pato (178), Yolanda Castaño (186), Antón Reixa (196), Javier Veiga (212), Nancho Novo (225), Mercedes Peón (226), Ignacio Ramonet (229), Amancio Amaro (274), Miguel Anxo Fernández (278), Manuel Manquiña (285), Manu Chao (367), Juan Rivas (380), Xoel López (409), Antón Losada (444).

Canción del día:"Live With Me" (Massive Attack)

Frase del día: "Un hombre que no se quiera acostar conmigo no me interesa" (Marguerite Duras)

domingo, marzo 05, 2006

La demencia senil de Marguerite Duras

Duras: «Me gusta América y soy de Reagan»

- Un libro rescata las cinco entrevistas que la escritora mantuvo con François Mitterrand - Los textos se recopilan justo cuando se cumple el décimo aniversario de la muerte de ambos y con el título de «La oficina de correos de la calle Dupin»

Javier Gómez

París- Ella, escritora, quería hablar de política. Él, político, prefería divagar sobre literatura. Cinco veces intentaron enhebrar sus soliloquios, cruzar sus afilados floretes de esgrima dialéctica; explosiva y naïve, la de Marguerite Duras; meditada y áspera, la de François Mitterrand. Cinco intentos fallidos por conversar. Cinco monólogos dictados que, sin embargo, dejan hoy, cuando se cumplen 10 años de la muerte de ambos, una obra original, «Le bureau de poste de la rue Dupin». Un caótico concierto con dos partituras sonando a la vez.
La lucha de egos tuvo un primer encuentro en julio de 1985, en la casa de la escritora en el centro de París, y prosiguió en el Palacio del Elíseo, donde Mitterrand había llevado a la izquierda en 1981, por primera vez en medio siglo. Fue el editor de la revista «L’Autre Journal», Michel Butel, quien tuvo la idea de proponer a Marguerite Duras, ya entonces consagrada y reciente vencedora del premio Goncourt con «El amante» (1984), que entrevistara al presidente de la República. Pero dejemos sonar ambas partituras...
Preludio. Mitterrand y Duras reanudan, con estas entrevistas, una amistad que nació 40 años antes a la sombra del peligro nazi. Fue en el piso del presidente socialista en la calle Dupin donde la Sicherheitsdienst, servicio de espionaje nazi, detuvo en 1943 la red de resistencia organizada por Mitterrand. Él se salvó por sólo unas horas, pero en aquella operación cayeron dos amigos. Uno no volvería nunca del campo de concentración. El otro se llamaba Robert Antelme, marido de Duras. A quien el propio Mitterrand ayudó a encontrar en el campo de concentración de Dachau en 1945. Una carta escrita por el político a ambos amigos en 1946, para comentarles su visión de la Liberación, contrasta con el tono más distanciado que guiará sus encuentros: «Lo aburrido es que todo el mundo baila sin cesar [...] el placer termina por agotarse. Espero que Robert siga engordando y retome sus hechuras de benedictino que conoce el pecado».
El libro no es sino una fuga de dos voces, que se dan replica en tonos diferentes. «Me gusta América y soy de Reagan. Su lenguaje es claro como el campo. Representa un poder primario», le espetó la escritora. Mitterrand, apenas disimulando su disgusto, replicó: «La idea imperial es un mal que corroe» y «Reagan no es Estados Unidos».
Uno es contrapunto del otro. Duras se había convertido en una ardiente defensora del idealismo anticomunista del conservadurismo norteamericano. «La actitud de Gadafi es una mentira [...] y una llamada al asesinato. Él es el responsable del bombardeo norteamericano en Libia». La flema de Mitterrand no podía aceptarlo: «Hay que destruir al terrorismo, pero ni por instinto ni por razón amo las represalias colectivas que golpean a gente sin culpa».
Encuentro imposible. Los textos son imprescindibles para entender la pugna ideológica entre ambos. Duras encarnaba a la izquierda que combatió a la Francia colaboracionista, fue expulsada del Partido Comunista, se ilusionó con mayo del 68, idealizó a Mitterrand y terminó desencantada en medio de un pastiche ideológico próximo a la derecha pero que seguía reivindicándose progresista. Mitterrand era el arte de lo posible, la contradicción, el cinismo del poder. También hubo momentos distendidos. Mitterrand descuelga el teléfono en presencia de Duras. «No, señora, su falda plisada no estará lista para el lunes». Ante las cejas arqueadas de su interlocutora, la sonrisa del jefe de Estado: «Es que mi número directo difiere sólo de una cifra con el de una tintorería de la calle Faubourg Saint-Honoré».
Conclusiones: «¡Usted siempre se niega a hablar del poder político!», llegó a encresparse Duras, quien decía de sí misma que era «sólo una escritora. Nada más que valga la pena recordar». Probablemente, Mitterrand también; y su mejor y único personaje, él mismo. Quizá por eso, cuando Duras quería hablar de política, desvestir sus contra dicciones y recordarle un idealismo que él también compartió, Mitterrand resoplaba. Él prefería divagar sobre literatura.

Jeanne Moreau, embajadora de la autora en españa
Pocas semanas antes de que estallara la Primera Guerra Mundial, el 4 de abril de 1914,
una pareja de franceses daba a luz en Gia Dinh, cerca de Saigón, a Marguerite Donnadieu. El 4 de abril de 1914, París lloraba la muerte de la misma Marguerite que había abrazado el apellido Duras en homenaje al pueblo donde pasó los veranos de su niñez, tras haber dado su primeros pasos en Vietnan. Un decenio después de su muerte, el Instituto Francés de Madrid rememora a aquella escritora, directora, guionista y crítica con un ambicioso ciclo tan multidisciplinar como su carrera. Jeanne Moreau abrirá mañana la puerta al homenaje con la presentación del largometraje «Cet amour-lá», de Josée Dayan (2001). La actriz francesa participará también en la mesa redonda «Donnadieu, Duras, Andesmas», junto a Laure Adler, Adolfo Arrieta, Josée Dayan y Vicente Molina Foix. Hasta el 30 de marzo podrán verse en la sala de proyecciones todas sus películas como directora -«Nathalie Granger» (1972), «India song» (1975), «Le camion» (1977)- y guionista -«Hiroshima mon amour» (1959), de Alain Resnais, «L´amant» (1991), de Jean Jacques Annaud-, así como diversos documentales que giran en torno a su figura:- «J´ai vu tuer Ben Barka» (2005), de Serge Le Péron-, entre otras. Grandes nombres de las letras y las cinematografías españolas y francesas aportarán su visión sobre el «universo Duras». Edgar Morin, Juan Goytisolo, Soledad Puértolas, Claude Regy y Benoit Jacquot, entre muchos otros, profundizarán en la importancia de oriente en la obra de Duras, así como la relación que mantuvo con distintos directores, sus creaciones para la escena y aportaciones como crítica. Por último, los archivos conservados en el Institut Mémoires de l´edition contemporaine y las fotografías de Jean Mascolo permitirán realizar, a través de una exposición, su recorrido vital y profesional, desde la infancia en Indochina hasta los platós de cine.

(Publicado hoy en La Razón)

Canción del día:"Invierno #3" (Nadadora)

Frase del día: "En España se propicia una revolución nihilista y laicista" (Antonio Cañizares, Primado de España y cardenal)