jueves, abril 30, 2009

Comunicado de Tarántula

"Sobre los idiotas que arrastra la corriente y quedan atrapados en las redes de la humildad trascendental"

Parte del Universo Tarántula, claro está, la secta nuestra, os debe una explicación. Esa explicación os la vamos a pagar desde nuestros balcones consagrados. Esa explicación que os debemos, os la vamos a pagar, os la vamos a pagar (no por mucho repetirlo vamos a pagar más ni menos). Os debemos una gratitud emocionada por el respeto, entusiasmo y disciplina que habéis demostrado, como marines de hierro que sois. Esa explicación que os debemos, os la vamos a dar, porque os la debemos... En todo caso ¡La explicación es innecesaria, porque vosotros sois inteligentes y despejaos! ¡Sois nobles y bravos! Y ningún otro pueblo de alrededor puede arrebataros el triunfo, que os merecéis por vuestro coraje, orgullo de nuestro Universo. Nosotros que hemos estado en América y conocemos aquellas mentalidades nobles, pero infantiles, en este preciso momento, tomamos el relevo como primera potencia mundial a los USA por la gracia de Dios. Con toda la humildad trascendental.
TARÁNTULA, abril 2009.

El próximo 1º de Mayo, TARÁNTULA publicarán su segundo LP con el nombre de "Humildad Trascendental" (Producciones Doradas, 2009).
Este disco tendrá su primera versión pública para descarga gratuita online en
http://www.produccionesdoradas.com/ y http://www.tarantulismo.net/ a partir del 01/05/2009.
En aproximadamente un mes editaremos un vinilo 12" con nuevo troquel ideado por JoderArt; una portada con dos pestañas para rotar caras y platillos volantes a medio camino entre los libros de papiroflexia para niños y el "¿quién es quién?".

Primer videoclip:
"Con toda la marcha"

Canción del día:
"Is That All There Is?" (PJ Harvey & John Parish)

Frase del día:
"No pussy has nine lives" (lema de Frank Mackey, el personaje interpretado por Tom Cruise en "Magnolia")

miércoles, abril 29, 2009

"Ponyo en el acantilado", de Hayao Miyazaki. ¿Y si la infancia, en realidad, no estuviera perdida?

Casualidades de la vida hacen que vea bastantes paralelismos entre las tres últimas pelis que he comentado: "El globo rojo", "Déjame entrar" y la nueva de Miyazaki. Me alegra ver, además, que no soy yo el único (Jordi Costa también ve relación entre las dos últimas). Los tres títulos se pueden entender como reivindicaciones de la fantasía y la amistad (ya sea con un objeto -el globo-, un ser semi humano -niña vampiro- u otro ser semi humano -un pez rojo que se convierte en niña) como formas de encontrarse a sí mismo y combatir a la crueldad depredadora de la vida. En el primer caso, es un grupo de niños que quiere robarle el globo. En el segundo, los abusones del colegio. En el tercero, un humano que renegó de su situación por el poco respeto que ellos le tienen a la naturaleza.

Pero, si "El globo rojo" y "Déjame entrar" plasman de diferentes maneras el fin de la infancia (o, más bien, la amenaza de ese fin, ya que también se puede entender que terminan por preservarla hasta la eternidad), el sexagenario Miyazaki hace directamente una película infantil que, si es vista por el público adulto, su mensaje no es otro que el de recuperar aquella inocencia infantil, ver las cosas con ojos de niño desde su perspectiva más pura. En su salvaje reivindicación de la imaginación y su perspectiva moral se rescata el espíritu de los viejos cuentos, aquellos que los abuelos y los padres contaban a los hijos para transmitirles qué es lo más importante y enfrentarse a los peligros y tragedias del mundo. "Si no tenemos imaginación -dice el japonés-, capacidad para imaginar realidades fantásticas, estaremos más a merced de una realidad demasiado cruel. Creo que hay que hacer sitio a las verdades del corazón, a lo que pensamos y a lo que imaginamos. Sin duda alguna, todo esto contribuye a tener un apoyo para enfrentarnos a la vida".

No soy un experto en Miyazaki. No he visto "Porco Rosso" ni "Mi vecino Totoro" ni nada de lo que hizo anteriormente a "La princesa Mononoke". Sí me encanta "El viaje de Chihiro" y
no le pillé el rollo a "El castillo ambulante", pero hay algo en "Ponyo" que me hizo mantener una sonrisa tonta todo el rato. Como si fuese una traslación japonesa (siempre pensé que la fauna marina de ese país ya es, de por sí, pura fantasía) de leyendas como la irlandesa de "El secreto de la isla de las focas" (la mejor película de John Sayles), pero también confesamente basado en "La sirenita" de Andersen, Miyazaki utiliza la historia de amor/ amistad entre un niño y un pez rojo que quiere ser niña para incitarnos a reaprender a mirar de nuevo, recordar cómo comenzamos a descubrir las pequeñas cosas de la vida: el sabor de una cucharada de miel, la modorra de quedarse dormido en un sofá..., pero también de las grandes, tan bien ejemplificado (y esto me recuerda tanto a un sueño que me contó una amiga una vez) en el momento en que Ponyo convierte un barco de juguete en un barco de verdad para navegar con el niño Sosuke, a salvo de una repentina inundación.

Pero, y además de toda la ternura y la inocencia reflejadas, "Ponyo" transmite una curiosa reflexión sobre el hombre y la naturaleza. Frente a los alegatos ecológicos más o menos previsibles y simplistas que, nunca mejor dicho, inundan la cultura actual, la película rompe una lanza en favor de la humanidad frente al poder destructor de la naturaleza, vengativa en el caso del tsunami que lo arrasará todo si el pez se convierte en humano, tan absurdamente cruel como en uno de los momentos más plagados de melancolía y belleza poética, cuando el buque del padre de Sosuke (personaje al que, en la soledad de la noche y en la inmensidad del mar, imagino como al poeta gallego Manoel Antonio) es llevado hacia la línea del horizonte, donde se encuentra el cementerio de los barcos. En realidad, asumir y celebrar la belleza que también subyace en el poder destructor del mundo.

Ya puestos a buscar paralelismos marinos Japón-Galicia, esta película es la antítesis positiva de la fallida e irritante "De profundis", de Miguelanxo Prado. "Ponyo" te ayuda a querer creer, respira verdad y te lleva de la mano por todo su metraje, además de volver a ahondar en esa técnica que hace parecer tan fácil lo difícil. Siempre aislado de las tendencias industriales de moda (hace dos días era la animación digital, ahora es el 3D, pasado mañana será otro camelo), él sigue fiel a las técnicas artesanales, a esos personajes de ojos grandes y bien abiertos que se siguen pareciendo, y siguen siendo tan expresivos, como Heidi y Marco, y a esas maravillosas criaturas antropomorfas, fantasmas, dioses y elementos de la naturaleza, inventadas por una imaginación privilegiada.

Y qué regocijo, por cierto, cuando sonó la canción final (valga como canción del día) en los títulos de crédito.
"Ponyo, Ponyo, Ponyo es una niña".

Aunque todo esto lo explica mucho mejor
el reportaje de Alejo Moreno en Días de cine.

Frase del día: "El alcohol es la respuesta. ¿Cuál era la pregunta?" (Mike Skinner)

lunes, abril 27, 2009

Disco del mes. "Primary Colours", de The Horrors.

"Some say we walk alone/ barefoot on wicked stone, no light/ And sanctuary found/ never waits around awhile
Marching to the sea/ Their dreams stay in the shadows/ Their dreams stay firmly rooted in the shallows
See the scraping sky/ See my destination/ See my destination there tonight/ So say I walk alone/ barefoot on wicked stone tonight
Will you leap to follow/ Will you turn and go/ Will your dreams stay rooted in the shallows
See the scraping sky/ Far beyond the shallows/ Far beyond the reaches of the shallows
Though youth may fade/ with boyhood's cares/ new fear will catch us unawares/ I know it will
So you might say/ The path we share/is one of danger and of fear/ Until the end"
("Sea Within A Sea")

Cinco rostros distorsionados presentan en la funda la que es ya la mayor sorpresa del año, una verdadera obra maestra de rock oscuro y desafiante que retoma la herencia del mejor after-punk, el shoegazer, el krautrock y la electrónica y lo desfigura como si se reflejase en un espejo roto. Desconcierto, misticismo, amenaza y romanticismo desasosegado se cruzan confusamente en temazos como "Three Decades", "New Ice Age" (hola de nuevo, Joy Division), "Scarlet Fields" o "Primary Colours". Ya hay quien dice que éste es el mejor segundo álbum ofrecido por una banda británica desde "The Bends" de Radiohead.

Aunque esto tiene, en efecto, trampa, considerando que el primero, "Strange House", no era más que un sucedáneo de tantos grupos de garage-punk, con estética entre el rollo Edward Gorey y una fiesta de Halloween, un hit demoledor: "Sheena Is A Parasite" y, en fin, algo que no se preveía que pasase de fugaz fenómeno de temporada.


Ahora, The Horrors adquieren una pose más hierática y retoman el legado de algunos de los mejores grupos de la historia: los citados Joy Division, The Cure, Bauhaus, The Jesus & Mary Chain, Suicide, My Bloody Valentine..., con una actitud creativa que les sitúa unos cuantos pisos por encima de todos los seguidores de este género que han surgido en la última década (Interpol, Editors, White Lies, etc) y con, considero, una personalidad que se impone a la ¿anécdota? de quién ha producido el disco: Geoff Barrow (Portishead) y el famoso director de videoclips Chris Cunningham. Curiosamente, sus dos clips de este álbum han sido dirigidos por Douglas Hart, bajista de The Jesus & Mary Chain en su mejor época y autor de videos míticos para MBV o The Stone Roses.

Si, hasta ahora, por lo más que se había hablado de The Horrors era
por esto, ya hay que empezar a tomárselos más en serio. "Primary Colours" es, de momento, y con permiso del "Merriweather Post Pavilion" de Animal Collective, mi más firme aspirante a disco del año. "Aunque la juventud se pueda desvanecer con cuidados de la muchachez, el nuevo miedo nos cogerá desprevenidos. Sé que será así, así que podrías decir que el nuevo sendero que compartimos es el del miedo y el peligro, hasta el fin".

Canción del día:
"Who Can Say" (The Horrors)

Frase del día: "No puede ser que salgan tipos vestidos de Keith Richards cantando cosas propias de Pimpinela" (Loquillo)

domingo, abril 26, 2009

The Wave Pictures interview

How is your new tour going? How are the new songs being received?
The UK tour has been great fun. We have been rowing on a lake in Cardiff in Wales, played a great car quiz game while we are driving around, and had loads of fun playing music. People appear to really like the new songs.

You recorded the new album in Berlin. Why? Is it true it’s more acoustic? You recorded it quickly and inmediate, without producer, without overdubs? What else can you tell me?
The "If You Leave It Alone" album was recorded in the spare time we had in Berlin, after recording an album as the backing band for Stanley Brinks. Dave had some new songs which we recorded without thinking about making an album. Just Dave playing acoustic guitar, with bass and drums, all recorded live. After we went home we received a package from Stanley Brinks and Clemence Freschard who recorded the album. They had added horns, and a little guitar and backing vocals, sequenced and mastered the songs, and made a cover. We liked it so much and so did Moshi Moshi that we decided to release it.

How is your relation with Spain, and with the audience?
We love coming to Spain! The audiences are always really enthusiastic, and because of that the shows are great fun. We’ve played a lot of good shows in Spain.

Your songs I found them very British (I don’t know if you agree), do you feel surprised when they succeed in other countries and with people that don’t speak English as their first language?
Dave’s songs refer to a lot of different subjects, and not only ones that are British. Lots about love, heart ache, and lots of awkward situations, that I think lots of people can understand. Usually people come up with all sorts of ideas about what the lyrics mean to themselves, and it doesn’t seem to matter if English is their first language or not.

You’re good friends and you usually play with Darren Hayman. Do you like and agree with the comparisons with his music? What about Jonathan Richman?
Dave and myself listened to Hefner a lot when we were growing up. I think Dave heard them first on John Peel’s radio show. We were definitely influenced by Hefner, but I don’t think we sound greatly like them. You would never confuse us with Hefner if you heard both of our music. We have been compared with so many people that I don’t like or haven’t heard off, I suppose to be compared with Darren isn’t too bad, but maybe people could be disappointed if they saw us after being told we sound Darren. We have more guitar solos.
I feel the same way about Jonathan Richman, maybe people would get the wrong idea. He was a great influence on Dave writing songs, but if you now heard Jonathan Richman and The Wave Pictures you wouldn’t get confused which was which. We did learn to play music together by covering lots of his songs. We all love Jonathan Richman.

Do you still listen to the CD-R you recorded before “Sophie”? What do you think about them now?
I think some of our earlier recordings have a really good sound, especially "Catching Light" which is an album of us covering songs by Andre Herman Dune. I like the playing and the arrangements on a lot of those recordings, which mostly came about because of the restrictions of recording onto a four track or two track tape machine, or only being able to work with one microphone. Maybe the "If You Leave It Alone" album is more like some of our earlier recordings in this way. It’s all acoustic because we didn’t want to disturb the neighbours.
We still do a lot of recording at home using a two track tape deck in Dave’s bedroom. The last album we made this way was the Jonny “Huddersfield” Helm solo album. It has a great band featuring Dave Beauchamp from The Jeff lewis band on drums, Dan Mayfield on violin, Hugh J. Noble on guitar, Fletcher Boot on vocals, and well as Dave, Jonny and myself. Because the tape machine only allows you to record live using two microphones, we all crammed into the bedroom, each stepping nearer or further from the microphones until the levels were right. It was great fun to record, and one of my favourite sounding recordings we have made.

Can you make your living doing music, in this moment?
Not at the moment, but hopefully we will be able to soon.

What’s the more strange thing somebody told you about your music?
Nothing springs to mind at the moment. Sorry!

You’re very fond of cover versions? What are you searching for when you play a song from somebody else? Do you plan to play many covers in this tour? What can we expect?
I don’t really know why it’s so fun to play cover versions. But it is! We haven’t planned to play any this tour, but we never plan what we are going to play in advance anyway.

Resumen en cristiano,
aquí.

Y, desmintiendo lo que dice Franic Rozycki en la última pregunta, hay
un concierto de versiones preparado -el 20 de mayo en Madrid- como estrambote a su triunfal gira española. Lo de ayer en el Neu! fue espectacular.

Canción del día:
"Strange Fruit For David" (The Wave Pictures)

Frase del día: "Grabar un disco es una cosa bastante bonita de hacer si eres malo en los deportes, te asustan las drogas duras y eres inútil con las mujeres" (David Tatterstall
)

viernes, abril 24, 2009

"El vuelo del globo rojo", de Hou Hsiao-Hsien. Representaciones, intelectualizaciones, metáforas, distancia.

Reseña en Notodo

Canción del día:
"Keep The Streets Empty For Me" (Fever Ray)

Frase del día: "Estoy en la mejor etapa" (Rosana)

jueves, abril 23, 2009

Vampirizando referencias

Al hilo de la entrada anterior:

"Nosferatu", de F.W. Murnau
Vampyr, de Carl Theodor Dreyer
"Drácula", de Tod Browning
"Drácula", de Terence Fisher
"Drácula", de Francis Ford Coppola
"Blácula", de William Crain
"Vampyros Lesbos", de Jess Franco
"El baile de los vampiros", de Roman Polanski
"El ansia", de Tony Scott
"Entrevista con el vampiro", de Neil Jordan
"Bela Lugosi's Dead", de Bauhaus
"Crepúsculo", de Catherine Hardwicke
"Martin", de George A. Romero
"The Addiction", de Abel Ferrara
"Let The Right One Slip In", de Morrissey (Canción del día)
"La noche del cazador", de Charles Laughton
"La piel que brilla", de Philip Ridley
"The Butcher Boy", de Neil Jordan
Y, por supuesto, la conferencia de Luis Liñares, "Mito y realidad de los vampiros", en el I Simposio de Anomalías (A Coruña, 1995)

Frase del día: "La verdadera revolución consiste en follar en el metro a las 6 de la tarde" (Bertrand Blier)

miércoles, abril 22, 2009

"Déjame entrar", de Tomas Alfredson. Alegorías y espejismos de otra infancia perdida.

Desde antecedentes tan lejanos como "Nosferatu" de Murnau o "Vampyr" de Dreyer, las obligatorias paradas por los "Drácula" de Browning, la saga de la Hammer y también el de Coppola, las diferentes relecturas para adaptarse a modas sociales, estéticas o culturales (de "Blácula" a "Vampiros Lesbos" o "Vampiros en La Habana"), y con una perspectiva paródica en muchos casos ("El baile de los vampiros", de Polanski), el mito del vampirismo ha sido siempre un gran recurso para reflexionar sobre los dramas de nuestra existencia: el tormento de tener que matar para no morir, la pesadilla romántica de la vida eterna, el ser maligno que necesita constantemente de la sangre de sus víctimas... son buenos puntos de partida para subrayar nuestra fragilidad, el instinto de depredación o dominación, la desconfianza con respecto al otro, el lado oscuro de cada personalidad, la enfermedad y la dependencia, el determinismo o, por qué no, lo difícil que es ser feliz.

En la era post-postmoderna del consumo en masa avanzado, las relecturas del mito vampírico rara vez han llegado todo lo lejos que podían haberlo hecho. Tanto en "El Ansia" de Tony Scott como en "Entrevista con el vampiro" de Neil Jordan (sobre el best-seller de Anne Rice), hay intentos de aportar algo más que un cierto esteticismo, casi diría que nostálgico (¿no hay algo de ello en la aparición de Bauhaus cantando "Bela Lugosi's Dead" en el primero de los dos títulos?). Pero, al menos, mantienen una dignidad que amenazaba con hacer trizas, banalizando definitivamente el género de cara a las (valga la expresión) nuevas generaciones, la saga "Crepúsculo". Hay dos películas casi secretas, en cambio, que creo que son las que mejor han tratado el vampirismo en los últimos años, en ambos casos desde una óptica de realismo sucio. Una de ellas es "Martin", de George A. Romero (1977), sobre un chaval de 17 años que dice ser un vampiro y se comporta como tal. La otra es "The Addiction", de Abel Ferrara (1995), donde una estudiante de Antropología en Nueva York es mordida por una vampira y afronta su nueva situación como si fuese una yonqui que hará cualquier cosa por su próxima dosis. A estas dos películas es a las que más me recuerda, y además supera, la soberbia, apabullante, brutal, "Déjame entrar".

El primer logro de la novela original y de la película es situar la historia a treinta grados bajo cero, para que la sangre se funda con la nieve como un arroz a la cubana, en la Suecia socialdemócrata del bienestar de los primeros ochenta. La realidad que retrata es ya casi un infierno: el de un suburbio triste, apagado, desesperanzado, aburrido, cruel. El niño protagonista (que, en efecto, y los homenajes lo dejan claro, podría ser el personaje de una canción de Morrissey) encarna muchas de las pesadillas y traumas de la infancia -o de la preadolescencia, tiene 12 años- de un modo que nunca ha sido tan bien contado en el cine. A la soledad sólo podrá escapar con el amor/ amistad, al miedo sólo podrá escapar con la venganza; y ambas cosas llegarán cogidas de la mano.

En realidad, la trama vampírica es más o menos secundaria ante el montón de cosas que se cuentan: una turbadora y muy inteligente reflexión sobre la violencia, de una desasosegante complejidad moral. La pareja protagonista, forzada a amarse por sus diferentes formas de inadaptación, encarna de forma más visceral que nunca el mito de "tú y yo contra el mundo", llevándolo a sus máximas consecuencias. La angustia existencial se alía con un romanticismo sórdido y la necesidad de supervivencia y afecto a toda costa. Alrededor, los personajes secundarios muestran un alto pesimismo con respecto a la condición humana. O son infantes crueles y despiadados o adultos insulsos y lejanos. Como si no importara que murieran. Como si, en realidad, lo merecieran. Por eso cualquier tratamiento de intriga (aunque haya sustos y momentos gore) es absurdo porque, como espectador, a ti también te da igual, o casi lo deseas. Por eso, lo importante son otras cosas.

Alfredson encaja tan bien lo sobrenatural en lo real, le da tal sensación de verosimilitud, que la película a veces parece estar más cerca del cinema verité que del cine fantástico, y ese es otro de sus grandes logros, reforzado por lo arrebatador del fuera de campo (como dice el director, puede tener más fuerza lo que imagine el espectador que lo que se le muestre en pantalla) y unos planos, TODOS, hermosamente compuestos en su combinación entre belleza y frialdad, en ese ritmo casi de slowcore. Nada sobra en esta obra maestra. Nunca se reflejó de forma tan convulsa y hermosa el fin de la infancia. O al menos puede ser comparable, en este aspecto, a "La noche del cazador", "La piel que brilla" y "The Butcher Boy". Desde ya, un clásico del cine contemporáneo.

Canción del día:
"One Day" (The Juan Maclean)

Frase del día: "Una enfermedad que afecta al cerebro, el corazón y los testículos... ¿No será un poema de Byron?" (House)

martes, abril 21, 2009

"El globo rojo", de Albert Lamorisse. Espejismos y alegorías de una infancia perdida.

En 1956, Albert Lamorisse filmó a su hijo Pascal correteando junto a un globo rojo por las calles de París. El mediometraje, de poco más de media hora, obtuvo la Palma de Oro en Cannes y, un año después, el Oscar al mejor guión original. La revista "Empire" la incluyó entre las 300 mejores películas de la Historia, y en el último número de "Cahiers du cinema", Ángel Quintana afirma que "posee un gran valor como ejercicio de topografía urbana sobre el París de los años 50 y como una encantadora fábula sobre la amistad y la fuerza de la imaginación".

Aprovechando el homenaje que le presta ahora "El vuelo del globo rojo", del taiwanés Hou Hsiao-hsien, los cines Verdi de Barcelona y Madrid, acaban de reestrenarla como complemento a ese film en varias de sus sesiones.

Y, de paso, la curiosidad me ha llevado a descubrirlo, llegando tarde, como siempre.
Hace un año, David Cantero
ya hablaba de él en su blog.

Aquí podéis verla en versión Youtube.
Primera parte
Segunda parte
Tercera parte
Cuarta parte

Un abrazo.

Canción del día:
"Stay Golden" (Au Revoir Simone)

Frase del día: "Nunca llueve en los centros comerciales" (Mike Skinner)

lunes, abril 20, 2009

Perdiendo mi Eje, en Ondas del Espacio Exterior

Los amigos del programa de Radio Vallekas Ondas del Espacio Exterior me han invitado a compartir con ellos su programa de mañana martes. Será de 22.30 a 23.30 en el 107.5de la FM (audible en la zona sur-este de Madrid). También se podrá escuchar en directo aquí o en diferido aquí.

La dama y el vagabundo

(Basado en hechos reales)

Exterior/ día. Plaza madrileña con iglesia. Un indigente de aspecto 'clochard' clásico (melena y barba con algo de canas, desarrapado)se acerca a señora mayor con la mano extendida.

Señora: "¿Qué tienes? ¿Hambre?"
Indigente: "¿Hambre de qué?"
Señora: "De comer"
Indigente: "Sed, tengo sed de justicia"

Canción del día:
"Help I'm Alive" (Metric)

Frase del día: "Los críticos deben leer mi trabajo para hacer el suyo, pero yo no debo leer el suyo para hacer el mío" (Haruki Murakami)

jueves, abril 16, 2009

Always look at the bright side of life

Ahora empieza lo bueno

Canción del día:
"Now We Can See" (The Thermals)

Frase del día: "El halago debilita" (José María García)

miércoles, abril 08, 2009

Aguas mil

"April, how could i not have seen/ April, you coming/ April, how could i have worn inappropriate clothing?/ April, all that careful stepping rounding of my soul and now your rain

April, I feel you leaving/I don't know what silence means/It could mean anything

April, won't you answer me?/These days just seem to crush me/ Hatching, collapsing, tumbling down/ April, what if i drown

I don't know what silence means/ It could mean anything, won't you answer me?/ I dreamed, April, that I'm walking/ That I'm watching, April, your rain, it overcomes me"

("April". PJ Harvey & John Parish. 2009)

Frase del día: "Las prostitutas van al cielo, son sus clientes quienes van al infierno" (David LaChapelle)

martes, abril 07, 2009

La grúa

"En todas las ciudades hay grúas, esas jirafas metálicas que mueven las cabezas entre los edificios más altos. Pero en aquella ciudad no había ninguna, y como la ciudad crecía sin parar y la mercancía se agolpaba en la estación, el alcalde y los doce concejales decidieron construir una grúa de carga en las afueras de la ciudad. Un día un hombre trepó a lo más alto de la grúa y no quiso bajar. Era tan maravilloso ser el conductor de aquella máquina, oír zumbar el motor y chirriar las poleas... Desde allí arriba podía ver las estrellas por las noches; y por el día, los ríos, los barcos y toda la ciudad. Por eso, el hombre de la grúa no quería bajar..."

Así presenta la web de la editorial
Kalandraka su reciente edición de "La grúa", de Reiner Zimnik, de la que me acabo de enterar por un artículo en El Cultural.El shock de la memoria, cuando me encontré eso mientras hojeaba el suplemento en el metro, fue mayúsculo. Recuerdo leer aquel libro a una edad incierta de la pre-adolescencia, uno de esos libros que te obligan en el colegio y creo que, de todos los concebidos como de género infantil-juvenil, el único que realmente me impactó en aquellos años.

Polaco afincado en Alemania, ilustrador de sus propias obras, Zimnik expresaba en esta obra de 1956, tal como escribe Carmen Blázquez en El Cultural, "una parábola rica en facetas que se expresa con sencillez, se sitúa en la orilla atemporal donde uno se detiene a preguntarse acerca de sí mismo y del mundo que le rodea. Al compás de lo que acontece, la gracia irónica de las primeras ilustraciones del relato, el juego de picados y contrapicados que propicia la verticalidad de la grúa, se transforma en los pasajes dramáticos y de acción en bocetos elementales deformados por la urgencia. El hombre de la grúa ve como va transformándose el mundo a sus pies, desde su atalaya disfruta de la compañía del amigo y de los tiempos de bonanza, y afronta la tragedia de la guerra y la soledad, que da paso a la renovación. Cuando baja a tierra, anciano y cansado, parece haber aprendido algo. Y quien lo ha leído también".

"La grúa era un gigante con un brazo de hierro y el hombre era su corazón". Y, una vez más, cantó la canción de Lorelei.

Canción del día:
"Sea Within A Sea" (The Horrors)

Frase del día: "Si no te gusta el tiempo, espera cinco minutos que será peor" (Dicho popular islandés)

domingo, abril 05, 2009

Entrevista a Manos De Topo

Éste es el texto que salió este viernes en el Metrópoli

Y ésta la transcripción completa de la entrevista:

¿El primero era mejor?
Puees.. esto es como cuando tienes ocho años y le preguntas a tu madre: “Mamá, ¿a quién quieres más, a tu hermana o a mí?”, pero sencillamente se llama así porque había un momento que nos íbamos a poner a grabar, hicimos un disco que de repente tuvo cierto éxito y teníamos ese miedo de hacer esa segunda obra, hasta que dijimos que a tomar por saco. Si se nos critica diciendo que el primero era mejor, que es lo que habitualmente pasa... también se podía haber titulado “El primero era más fresco” y poner en la portada a una tía que echa de menos a una nevera. No sé, pero era una forma de quitarnos esa especie de miedo que tuvimos en un momento. A partir de ahí ya hicimos lo que nos dio la gana. Es un disco que nos encanta, y nos parece igual o mejor que el anterior.

¿Os ha abrumado mucho ese éxito tan súbito, teniendo en cuenta que surgisteis de un modo muy desenfadado y sin ninguna pretensión?
Nosotros hicimos el disco, de repente nos vino la gente de Sones y nos dijo: “Oye, que os queremos grabar” y nosotros en plan: “¡Hostia!, ¿hablarán de coña o qué?”. Grabamos, y de puta madre, y sin ningún tipo de preocupaciones de qué dirán o si le gustará a la gente. Tuvimos la oportunidad, la aprovechamos, y esto sigue así. No nos lo esperábamos, venir a una sala en Madrid o al FIB y ver que un montón de gente sabía las canciones, nos parecía increíble, además con una propuesta tan extraña. Nos dio mucha alegría, claro que sí.

¿Quiénes son gallegos en el grupo?
Pues por desgracia tenemos dos: el teclista, el Marzoa, y el batería, el Rafa. El Pau, que es el que sabe de música, es mallorquín, y yo soy de la gran Sabadell.

¿Realmente despertáis amores y odios tan extremos?
Pues sí, realmente hay mucha gente que nos odia. Si ves las críticas de los foros de la gente de a pie, nos odia realmente con todo su corazón, escriben cosas en plan: “Gracias por estropearme algo tan bonito como es la música”. Después hay mucha gente que nos quiere como demasiado. Después de los conciertos hay personas que nos vienen en plan: “Oooooh... en la frase tal de la canción cual decís una cosa que yo la siento y no se qué”, y nosotros pensamos: “¿Qué frase es esta?”. A nosotros nos gustan las cosas bonitas pero también disfrutamos mucho de esos odios. Mientras despertemos algo en la gente es lo importante. Nosotros leemos todas las críticas negativas y nos echamos muchas risas, ¿eh?

¿No hay ninguna que os haya llegado a doler?
De verdad que las críticas malas, te lo digo en serio, ¿eh? No nos ha dolido ninguna, qué va. Hay muchas buenas que realmente sí que vemos, sobre todo con el segundo disco, que han entendido que se trata de una evolución y de alguna forma no es más de lo mismo. Hay una de un tipo que se llama Señor Blas que tiene un foro y es seguidor nuestro y vemos que ha acertado y habla de esto, de que no podemos decir si es mejor ni peor, sino que han dado un paso adelante y, bueno.

¿Las letras pueden sostenerse por sí mismas?
Sí, yo creo que sí. Desde el principio teníamos muy claro que queríamos hablar de algo. Esto cuando empezó yo tocaba dos acordes y lo importante eran las letras, y creo que se sustentan bien por sí solas. Luego llegaron Pau y Rafa y dijeron: “Vamos a dar un empaque a esto y que se vuelvan canciones bonitas y las melodías suenen bien”.

Este segundo álbum es como conceptual, ¿no? Todas las canciones parecen reproches a malas mujeres y podrían provenir del mismo personaje. ¿Es así?
Bueno, a la primera impresión sí que puede parecer que todas las canciones hablan de amor y tal, pero hay más cosas debajo, lo que pasa es que nos sentimos cómodos utilizando la metáfora de las relaciones para hablar de otras cosas. En el disco se habla, por ejemplo, de la muerte, pero, bueno, en este aspecto somos como Camela: parece que todas sus canciones hablen del amor, el desamor, la infidelidad, pero nos gusta así, siempre quisimos hacer canción romántica. Ahora, por ejemplo, estoy escuchando mucho a Nino Bravo y de repente me siento como reflejado. De hecho, en todas sus canciones aparece la palabra “amor” o dentro o en el título.

¿Os veis como un grupo que se va a especializar en esta especie de género que habéis creado vosotros mismos, como de tragicomedia sentimental, o todo puede cambiar en cualquier momento?
Sí, todo puede cambiar, pero de momento estamos muy a gusto utilizando esto que te digo. También es que somos románticos, o pedantes, no sé lo que seremos, pero la verdad es que el amor nos encanta, creemos que es lo más importante, sea a los amigos, a la familia, a una chica... Estar enamorado o que te rompan el corazón es una de las cosas más fuertes que existen.

En los conciertos soléis versionar “Bailar pegados” de Sergio Dalma. ¿Alguna nueva para esta gira?
Pues sí, actualmente estamos preparando, es una exclusiva que te voy a dar, una de Camela, “Cuando zarpa el amor”. Lo que pasa con Camela es que la gente al ser tan petardillos musicalmente y al tener esta idea de piano y cabra se les toma de coña, pero justamente esta canción si la escuchas habla de cosas como superduras y además creo que es de las mejores, porque está la metáfora de la marea y el barco cuando zarpa. Vamos a intentar llevarla, con el xilófono, a un terreno más íntimo, no tan de chumpa-chumpa.

Hay quien os ha acusado de misóginos, pero también tenéis un público femenino bastante amplio. ¿A qué crees que se debe esta paradoja?
Pues sí que nos sorprendió porque, por ejemplo en el nuevo disco hay frases en plan “eres malvada” y una serie de reproches increíbles, pero creo que las chicas se sienten identificadas en que de repente el macho éste, la estrella del rock que está encima del escenario, baja el nivel éste emocional y desaparece lo de “soy un tipo duro, nena, te voy a subir a la colina con mi Cadillac y te voy a hacer el amor”, hay otros cantantes, no solo nosotros, sino gente como Joe Crepúsculo o La Estrella de David, que cantan cosas en plan “te quiero y quiero levantarme contigo cada mañana”, y el hecho de que las chicas de repente tengan la sartén por el mango e incluso puedan hacer daño, que lleven ellas la relación, yo creo que es lo que les gusta, la desaparición del macho dominante. Todo esto está cambiando un poco en el panorama indie, de repente nos estamos atreviendo a cantar en castellano y a abrirnos un poco a todo este sentimiento. Nosotros, además, lo hacemos siempre con el humor, hablando de cosas muy duras pero siempre con el cachondeo. Es como darle la vuelta a la épica romántica. Es como lo que hacíamos con “Bailar pegados”, que es una canción como de súper amor ahí increíble, y nosotros nos reímos un poco del rollo.

¿Alguna novia o amiga os ha dicho alguna vez: “Oye, en esta letra os habéis pasado”?
De hecho, ayer estábamos cantando en Alicante y volvía a pensar en que lo de “eres malvada” es, hostia, como muy cruel, ¿no?, pero no, las chicas no tienen ningún problema, qué va, nunca nos han dicho nada de esto. Creo que tienen más problema los chicos, que dicen: “Tío, eres un calzonazos, para ya de llorar y sé un hombre, ¿no?”, pero nosotros defendemos al calzonazos porque creo que ésta es la generación del calzonazos. Yo a mí alrededor sólo tengo amigos que de repente se han ido a vivir con la novia y han cambiado y hay quien dice: “Hostia, ¿qué le pasa?”. Pues claro que sí, joder, es normal.

¿Cómo vislumbráis este año para Manos de Topo?
Vamos a probar a ver cómo funciona este disco, a ver si a la gente le gusta, seguir haciendo conciertos en ciudades donde no hayamos tocado y después, está por ver pero nos gustaría hacer una gira de teatros en un formato más tranquilito, incluso con contrabajo, se está estudiando, y probar como funciona. Ya tocamos en el Auditori en junio y nos haría ilusión llevar las canciones a este tipo de escenario.

Canción del día:
"Where Did You Sleep Last Night?" (Nirvana)

Frase del día: "En los últimos tiempos, los españoles han logrado realizar una transformación que realmente ha llevado a su país a convertirse en una nación poética" (Bono)

jueves, abril 02, 2009

Nazismo, Biblia, inocentadas e imitadores

Mi amigo Mourullo, colaborador habitual de la interesante web gallega Chuza, me informó ayer de que un juez la había cerrado acusándola de defensa del nazismo.
Esto es lo que se ve si intentas entrar en ella.

Pero la realidad volvió a estropear un gran titular: era una inocentada según la tradición anglosajona (El April Fool's Day, 1 de abril). Parece que, como en el Halloween, seguimos haciendo que las costumbres de yanquilandia y satélites colonicen las nuestras. ¿Cuándo celebrará Chuza el día de acción de gracias?

Pues en eso andaba yo rajando hasta que el propio Mourullo, poniendo, como siempre el dedo en la llaga, me advirtió jocosamente de que, una vez más, había perdido mi eje. El 1 de abril es conocido en Galicia como "día das mentiras" y cayó en desuso precisamente cuando se impuso la colonización española del día de los inocentes el 28 de diciembre. El 1 de abril (cando van os burros onde non deben ir) es muy celebrado tradicionalmente en Portugal, Francia y Baleares. Así que Perdiendo Mi Eje debe agachar la cabeza y presumir de burro y apaleado por partida doble.

Lo que aún no ha sido secuestrado, porque todavía no se ha editado, es la esperadísima visión del Génesis de Robert Crumb. Pena que no esté para semana santa.

Pero sí está claro es que lo del 1 de abril es una tradición que en el mundillo pop siempre crea cosas descacharrantes. Hace unos años, Robert Smith filtró la broma de que había demandado a Anton Corbijn y Depeche Mode porque, en la portada de "Playing The Angel", el muñequito era un plagio de la silueta de "Boys Don't Cry". La mayoría de los medios lo publicaron como si fuera cierto.
Aquí van algunas de las mejores inocentadas pop de 2009. Aparentemente, algún medio también se ha creído que Björk iba a ser la nueva cantante de Led Zeppelin.

Lo más guasón que me sucedió a mí fue asistir a un acto de presentación de una cosa que va a lanzar una empresa de telefonía móvil y encontrarme con que, entre los invitados, se encontraban Amy Winehouse, Madonna, Marilyn Manson y Shakira. Al primer vistazo se detectaba que, en realidad, eran dobles contratados por la empresa y que su única función era conseguir que el resto de asistentes se hiciesen fotos con ellos. Debían pagarles al peso, de hecho, porque su insistencia llegaba a hacerse cansina. La más profesional y la mejor (en parecido y en currárselo) era, de largo, Madonna, porque nos venía hablando en inglés o en espanglish con acento en inglés y nos decía cosas en plan "won't you come to my show in Barcelona?". Me quedé con las ganas de preguntarles si vivían de eso todo el año.

Canción del día:
"High Action" (Action Beat)

Frase del día: "Lo único que me ha enseñado la experiencia es que, cuando me sucede algo que me ha ocurrido anteriormente, la experiencia me dice que ya me ha ocurrido anteriormente" (Rafael Azcona)