Disco del mes. "Around The Well", de Iron & Wine

El nuevo lanzamiento de Sam Beam, mi barbudo favorito del nuevo folk norteamericano, es una de esas colecciones de caras b y rarezas que, por encima del capricho o el completismo, reafirman a un artista. Recorrido alternativo y paralelo por una evolución clarísima, la comprobada a través de sus álbumes "The Creek Drank The Cradle" (2002), "Our Endless Numbered Days" (2004) y "The Shepherd's Dog" (2007), este último, entre las obras capitales de esa década del 2000 que ya va a ir tocando repasar.

El doble CD nos muestra que, entre el material descartado, la mayor parte de las canciones tienen un nivel comparable a las que seleccionó para sus álbumes, además de contagiarse de los ambientes que manejaba en cada momento. Música para acunarse e inquietarse, para escuchar con sosiego y, al tiempo, dejarse embaucar por su talento poético.

Como curiosidad -y valor- adicional, el buen gusto y la sensibilidad de Beam se plasman también en sus versiones: "Such Great Heights" (The Postal Service), "Waitin' For A Superman" (The Flaming Lips), "Love Vigilantes" (New Order) y "Peng! 33" (Stereolab).

No escribo más porque estoy vago. Nos vemos, quienes nos veamos, en el PS.

Canción del día: "Fading All Away" (Jay Reatard)

Frase del día: "Dios nos habla pero no por el móvil. ¡Apágalo!" (Párroco de Zas)

"Journal For Plague Lovers", de Manic Street Preachers. Testamento de sangre, ira, dolor y rock crudo.

El 1 de febrero de 1995, Richey Edwards, guitarrista y letrista de Manic Street Preachers, desaparecía misteriosamente sin dejar rastro. Su cuerpo nunca fue encontrado. En noviembre de 2008 se le declaró legalmente muerto. “The Holy Bible” (1994) fue el último álbum al que contribuyó, aunque cuatro textos suyos serían repescados en “Everything Must Go” (96), el álbum más exitoso del, desde entonces, trío galés.

A lo largo de esta década, la carrera de James Dean Bradfield, Nicky Wire y Sean Moore ha ido en caída libre, hasta el punto de parecer unas viejas glorias del britpop sumidas en el olvido. El golpe de mano de repescar en su noveno álbum los últimos textos inéditos escritos por Edwards y ponerles música puede parecer una medida desesperada por recuperar la relevancia perdida, un último as en la manga antes de dirigirse al cementerio de elefantes.

Tal vez sea así, pero funciona, y de qué manera: “Journal For Plague Lovers” podría ser perfectamente el álbum perdido de los Manics entre sus dos obras cumbre, algo a lo que no sólo contribuyen los textos exhumados de Edwards, tan inspirados como siempre en su visión visceral, situacionista e hipersensible de una sociedad en la que no encajaba. La banda, un tanto meliflua en sus últimos trabajos, también recupera la iconografía (repiten portada de la artista Jenny Saville, puerilmente censurada en los supermercados británicos) y el sonido crudo de “The Holy Bible”, a lo que contribuye la producción de Steve Albini. El mismo, y es algo más que una casualidad, que grabase “In Utero” de Nirvana en 1993, un álbum con muchas similitudes con el tercer cd de los galeses y que reafirma los paralelismos artísticos y biográficos entre Edwards y Kurt Cobain.

Temas como “Jackie Collins Existential Question Time”, “She Bathed Herself In A Bath Of Bleach” o “Virginia State Epileptic Colony” emocionan y sublevan engañando al tiempo, como si al fantasma del ex guitarrista aún le sangrase el brazo donde se tatuó “4 real” (De verdad) a cuchilladas.

Publicado hoy en La Luna de Metrópoli

Canción del día: "She Bathed Herself In A Bath Of Bleach" (Manic Street Preachers)

Frase del día: "Todos nos emocionamos de alguna manera con este cuento de hadas" (Anne Igartiburu informando sobre el aniversario de bodas de Letizia y Felipe)

Los dolores de ser puros de corazón (con permiso). Título alternativo: la revolución no será patrocinada.

-Llego al capítulo dedicado a los años 60 del libro "100 clásicos del cine" de la editorial Taschen, regalazo de peso por parte de un grupo de buenos amigos (y que acompañaron de una supuesta foto dedicada de Mario Vaquerizo). Me regocijo ante el epígrafe "La vieja moral es inmoral" en el texto de Jürgen Müller y Steffen Haubner. Algunos extractos:

"Los cimientos de esta nueva visión sociopolítica -en referencia al documental "Woodstock"- presentaron puntos débiles desde el principio. En un autobús de largo recorrido, Dustin Hoffman se lanza a descubrir el gran mundo en "Cowboy de medianoche", pero sólo hallará la muerte".

"En vistas de la utilización de los jóvenes por parte de la sociedad establecida, de la resistencia que plantean los reaccionarios contra la renovación y de la vieja moral, considerada profundamente inmoral, el cine plantea una contracultura a medio camino entre la autorrealización y la autodestrucción".

"Si algo pone de manifiesto este espectáculo es que los relojes no pueden atrasarse: no es posible recuperar la inocencia. En consecuencia, el tono rebelde propuesto por "Al final de la escapada" culmina en la mortal falta de compromiso de "Bonnie y Clyde"".

"Las cintas producidas durante esta década reflejaron una contradicción que nunca llegó a superarse y de la que todavía sufrimos las consecuencias. El hecho de que la búsqueda de paz interior y la libertad individual en una sociedad sin libertad desemboca finalmente en violencia y destrucción sigue estando vigente hoy".

-Me quedo pensando en esto y llego a un extraño descubrimiento: ha pasado tanto tiempo entre los años 60 y los 20 como entre los 60 y ahora. Hay tanta distancia temporal entre "El gabinete del Doctor Caligari" y "Cowboy de medianoche" como entre "Cowboy de medianoche" y "Los abrazos rotos". Por lo tanto, la idea que nos han vendido de que los tiempos avanzan que es una barbaridad sólo se puede aplicar al hecho tecnológico, y aún así con reservas: sólo hay que fijarse en la visión que del siglo XXI nos daba la ciencia-ficción y compararlo con la realidad. En el aspecto social y cultural (y hablando en plan global porque España, como sabemos, was different), sí se puede hablar de cierto inmovilismo desde entonces o, más aún, de una gradual involución. Diría, así, sin pensarlo mucho, que lo que caracterizaría a la sociedad actual en este aspecto es la violencia ejercida a través de toda la maquinaria del consumo, en la alianza globalizada de las macro empresas con gobiernos y ejércitos (que son otras macro empresas). Es una violencia real y simbólica ejercida, en primer lugar, contra los individuos de un tercer mundo desposeídos de su propio carácter de individuo y, en segundo lugar, contra los individuos de un primer mundo al que se le vende el señuelo de gozar de una libertad como la que nunca ha tenido al tiempo que sólo se le permite ser libre (y muy moderadamente) en su estatus de consumidor (estatus que, entre otros sub-estatus, engloba también el de votante).

-Este sábado me di un garbeo por el Cultura Urbana. Es uno de los escasos eventos en la Comunidad de Madrid en que se permite el acceso a menores de edad. Para los de fuera, que igual les choca esto más, simplemente señalar que los menores pueden acudir libremente a una corrida de toros o al desfile de las fuerzas armadas, pero no a la gran mayoría de conciertos de música 'popular'. En las inmediaciones de un recinto sintomáticamente denominado "Telefónica Arena", la chavalada, uniformada con gorras de medio lado, camisetas de la NBA y zapatillas deportivas de marca (cara) se toman sus cervezas y se fuman sus canutos mientras, en el escenario principal, todos a una alzan sus brazos mientras los ídolos del hip-hop lanzan consignas de afirmación individual y competición a ultranza basadas en ideales de macho depredador que debe sobrevivir en la jungla urbana. "Mi rap es más auténtico que el tuyo porque tú eres un vendido", "Te voy a hundir", "Eres un cornudo", "Ahora que soy famoso conduzco este buga y llevo un peluco de oro, y hago fiestas privadas con las pibas más cachondas, y tú que te reías de mí ahí te quedas, pringao". Jóvenes de barrio, de supuesta ideología antisistema, son utilizados por el sistema para reafirmarlo. En las escaleras, tres personas diferentes nos preguntan en el espacio de cinco minutos cuánto cuestan los bocadillos y se marchan escandalizados ante su alto precio. Por todas partes, flyers, carteles y acciones de todo tipo de marcas. Todos los escenarios patrocinados e, incluso en el cartel del festival, aparece anunciado "Common by Diesel" (un rapero y una marca). Entre la programación, diversos concursos, de breakdance o la muy sintomática Pelea de Gallos, una regueifa a la americana con cuartos de final, semifinales, final y jurado en la que lo que prima es quién rima con más gracia para quemar al otro. El discurso predominante me resulta extrañamente similar al que dos tipos de cincuenta años puedan tener, vacilándose de coña, mientras se toman el anís en cualquier tasca de cualquier barrio de España. Sólo cambia que lo hacen en verso y sobre bases lanzadas por un DJ.

-Mientras tanto, y al tiempo que en Cannes la crítica establecida vuelve a echarse las manos a la cabeza y la moderna aplaude su ansia de provocación (qué cansinamente previsible es todo, por favor), la productora de Lars Von Trier, Zentropa Entertainment, anuncia que preparará versiones amputadas de "Anticristo" según los requerimientos morales de cada mercado/ país. "Haremos una versión católica para los mercados más mojigatos que pueda cumplir los requisitos de censura. Aún no sabemos qué escenas serán eliminadas, estamos dialogando con los distribuidores para encontrar la frontera del dolor", declaró Peter Aalbæk Jensen, director de Zentropa, subvirtiendo la subversión de un modo cínico para referirse a la más que probable ablación de la cansino-previsiblemente escandalosa escena de una ablación de clítoris en primer plano. Se espera que la versión "light" sea la destinada a EE UU, Asia y, ejem, el sur de Europa. Y, por supuesto, la que sea comprada por todas las televisiones. Un agudo lector de "Público" dejaba caer el comentario de si, en España, habrá que hacer versiones diferentes según la Comunidad Autónoma donde se exhiba (que no creo, por otro lado, que vayan a ser más de tres).

-Me entero también esta misma semana, o la anterior, da igual, de que Sony-BMG ha accedido a ocultar con otra portada la portada original de "Journal For Plague Lovers" de Manic Street Preachers a requerimiento de las cuatro principales cadenas británicas de supermercados por considerarla inapropiada. "En el supermercado puedes ver armas por todas partes, en portadas de revistas, discos o dvd's, pero enseñas una obra de arte y la gente se raya", ha dicho el vocalista James Dean Bradfield. La portada es un cuadro de la artista Jenny Saville. Por cierto, en uno de los comentarios en la web oficial del grupo, una mujer escribe que tiene un hijo con una enfermedad similar a la del niño que sale en el cuadro y que ahora es ella quien se siente ofendida por que otros consideren ofensiva esa portada. La sociedad de la corrección política debería ser derrotada por sus propias paradojas: hay que ser consciente de que uno siempre se puede sentir ofendido por lo que tú te sientes ofendido. Por lo tanto, como es imposible contentar a todos, hay que asumir que el mejor punto de partida es no intentar contentar a nadie.

-Leo por ahí que el magno recopilatorio dedicado a Antonio Vega y editado tres días después de su muerte acaba de alcanzar el número 5 en la lista oficial de ventas. Teniendo en cuenta que sólo llevaba tres días en las tiendas (mientras el resto de sus contendientes llevaban 7) es de esperar que la semana que viene alcance el número 1. La (también muy previsible) noticia legitima a los carroñeros de la industria cultural: simplemente han hecho feliz al consumidor dándole lo que él quería tener. Y, al tiempo, ofrece otra revelación: si todo el mundo era tan fan y apreciaba tanto a Antonio Vega, y teniendo en cuenta que -creo- no hay material inédito en esta colección, ¿en realidad no tenían sus discos o lo quieren tanto que necesitan poseer sus canciones dos veces? En cualquier caso, nada nuevo bajo el sol. Hay por ahí una leyenda urbana que dice que, cuando palmó Kurt Cobain, pidieron a varios músicos famosos un lema para imprimir en una camiseta conmemorativa, o algo así. Al parecer, el de E (Eels) fue: "Espero que no hagáis esto conmigo cuando yo me suicide".

-Pero, al final, va a resultar que somos más libres de lo que pensamos. O, perdón, lo éramos. Me quedo a cuadros cuando oigo en el telediario que follar en la playa pasará ahora a estar prohibido bajo castigo de multa. Mi primer pensamiento es... "¿ah? ¿pero estaba permitido?", y mi pensamiento decadente me lleva a cagarme en todos esos años de juventud perdida haciendo agujeros en la arena. Y empiezo a soñar despierto con la revolución definitiva, cientos de personas follando en la playa de, pongamos, Benidorm, de todas las razas y edades, sin Spencer Tunick presente, sin cámaras de televisión apuntando, ni teléfonos móviles ni cámaras de vídeo, sin chiringuitos ni tumbonas ni sombrillas, sin ninguna marca patrocinando (ni siquiera una marca de condones aprovechándose del evento). Cientos de personas desafiando al poder en forma de un gran polvo sin que la revolución sea televisada ni quede constancia gráfica. La playa sobre el asfalto, sólo en la memoria de los presentes, que algún día podrán contar a los nietos: "Yo estuve en Benidorm en el verano del amor de 2009, no pagué la multa, me metieron en el talego, y allí conocí a tu abuela".

Canción del día: "Mind Made Up" (A Certain Ratio)

Frase del día: "Es asustante que los libros circulen libremente por la red" (Ángeles González-Sinde)

"Camera", de David Cronenberg (2000). Los niños, la imagen y la muerte.

Hace años (muchos), recuerdo un mini ciclo en el CGAI coruñés que, con el título "Los peligros de la imagen", incluía pelis como "Arrebato" o "Videodrome", donde la imagen cinematográfica o televisiva se asociaba al mal rollo. Para alguien como yo, que considero las reflexiones tan sesudas del cine sobre el cine, la imagen, la representación, etc. como una pajillera pérdida de tiempo a la que los que no somos profesionales del medio no estamos invitados, ha habido escasos momentos en que eso me haya parecido medianamente interesante.

En el año 2000, e invitado por el Festival de su Toronto natal con motivo de su 25 aniversario, David Cronenberg rodó el corto "Camera", un supuesto homenaje al cine que se convierte en algo mucho más sutil e inquietante. Les Carlson (uno de los actores de "Videodrome", y esto no es gratuito) es un actor mayor que lanza un desasosegante monólogo mientras unos niños pululan a su alrededor con una cámara de Panavision. "Cuando grabas el momento, grabas la muerte del momento. Los niños y la muerte son una mala combinación", dice. Al parecer, la idea surgió de un sueño que Cronenberg tuvo de niño: él veía una película en un cine y, a medida que ésta transcurría, él se iba haciendo viejo, como si de la película brotase una especie de enfermedad. "Camera" es la personal traslación de ese sueño tan genuinamentente cronenbergiano y, tampoco esto es gratuito, fue incluido como extra en alguna de las ediciones en DVD de "Videodrome".

Aquí lo pueden ver.

Canción del día: "Echo a correr", versión Aquí Te Pillo Aquí Te Grabo (Lidia Damunt)

Frase del día: "En el futuro, la música fluirá a nuestro alrededor como el agua corriente o la electricidad" (2 Many DJ's)

Entrevista a The Horrors

Realizada el 6 de abril a Joshua Third (guitarra) y Spider Webb (bajo y sintes) en las oficinas de Popstock! en Madrid. Parte de ella ha formado parte de un texto publicado en La Luna de Metrópoli el pasado viernes.

Hay un cambio muy radical en vuestro sonido. ¿Qué os llevó a adoptar esta nueva dirección?
Para nosotros ha sido una progresión muy natural. Cuando editamos el primer disco, hace dos años, nos fuimos de gira durante 18 meses, y al finalizar nos fuimos directamente al estudio, nos pusimos a componer material nuevo introduciendo instrumentos más electrónicos. Todo fue creciendo orgánicamente hasta llegar a esto. El primer tema que escribimos y que pensamos que sería el principio de algo nuevo fue “Three Decades”, nos dimos cuenta de que eso era lo que estábamos buscando: algo igualmente psicodélico e intenso.

Parece que estéis intentando despojaros de vuestro pasado. ¿Os sentís orgullosos de vuestro primer álbum?
No queremos olvidar nuestro pasado en absoluto. Este disco es muy diferente, uno nunca quiere hacer el mismo dos veces. La principal diferencia es que hemos crecido como banda, no es que decidiésemos que nos queríamos mover de allí. Nuestra pasión por el sonido de Joe Meek o Phil Spector, las guitarras de los Fuzztones… todos esos ingredientes siguen ahí, pero de un modo diferente.

¿Recordáis vuestro concierto en Moby Dick? ¿Qué sucedió exactamente?
(Risas pillas de ambos) Fue tanto cosa del público como nuestra. Había una unidad total en esa sala. Desde luego no teníamos intención ni una idea determinada de lo que iba a suceder en el concierto. Siempre tocamos con poder e intensidad, la música es rápida, enérgica, feroz, salvaje y esa es la forma en que nos sentimos cuando tocamos. Una cosa muy importante para nuestra banda es la comunicación, que el público se implique en lo que está oyendo al igual que nosotros. El público fue genial, y es uno de los mejores conciertos que hemos hecho porque toda la sala estaba unida, disfrutando esa noche, fue algo muy poderoso. Creo que la única cosa mala que sucedió fue que los promotores y el personal de seguridad no estaban preparados, se rayaron un poco con lo que estaba sucediendo y no supieron cómo lidiar con eso. La audiencia lo pasó tan bien como nosotros. Un par de personas resultaron heridas, pero los conocimos y nos dijeron que habían vivido una de las mejores noches de su vida, así que… Por otro lado, fue un error que nos cortaran el sonido en el escenario como forma de forzarnos a bajar. Si nos cortasen después no habría habido ningún problema.

¿Cómo concebís la nueva gira?
Los directos han cambiado con la música. Siguen siendo muy intensos, muy feroces. Todo el mundo está encapsulado y no puedes escapar de ello. El tema es que nunca sabes lo que va a suceder. No creo que las cosas vayan a cambiar dramáticamente. Tocas una música diferente, te sientes de un modo diferente, pero nunca sabes lo que sucederá en los conciertos.

La gente, hasta el momento, ha hablado más de vuestra estética que de vuestra música. En la portada difumináis vuestros rostros. ¿Es una reacción contra eso, una forma de subrayar que la música es lo que importa?
En realidad fue uno de esos accidentes afortunados. Es una foto que se hizo con una Polaroid estropeada. Estábamos en una entrevista y le dijimos a un amigo que nos la sacara, salió así y, tiempo después, vimos que se relacionaba completamente con la música que estábamos haciendo: borrosa y psicodélica. La gente que sabe lo que hacemos lo entenderá, pero puede que otra gente se confronte con algo que no entiende inmediatamente al cien por cien.

¿Hasta qué punto es la estética importante para vosotros? ¿Tenéis un código de vestimenta?
Sucede naturalmente. La gente que se interesa por un tipo determinado de música acaba vistiendo de un modo similar. Todas nuestras bandas favoritas han tenido siempre identidades muy fuertes, y su forma de vestir es un reflejo adicional de la banda y de sus personalidades.

¿Se puede decir que vuestro cambio estético con el nuevo álbum es paralelo al cambio musical?
Un poco. Definitivamente nos mostramos diferentes, pero no demasiado diferentes.

¿Cuáles han sido las contribuciones de Geoff Barrow y Chris Cunningham al sonido del disco?
Chris vino con nosotros a grabar “Three Decades” y “Primary Colours", pero luego tuvo que dejarlo porque estaba ocupado con otras cosas. Nosotros tenemos un acercamiento muy cinematográfico a lo que queremos hacer, y él nos llevó en esa dirección. La contribución de Geoff fue más extraña, porque le dimos las maquetas del disco, que habíamos producido nosotros mismos, con la intención de que lo llevase más lejos y le metiese más electrónica, pero le encantó tal como estaba y le pareció perfecto, no quiso cambiarlo. Siempre es importante la opinión de alguien a quien admiras. Todo el mundo esperaba que él hiciese un disco diferente, pero él prefirió capturar lo que estábamos haciendo. Quería que fuese nuestro disco, no el de otra persona.

¿Cómo es Chris Cunningham? ¿Está tan pirado como parece?
Creo que todos somos bastante psicópatas. Él concibe la música de un modo similar a cómo concibe sus películas, y diría que nosotros concebimos la nuestra de un modo similar a cómo el concibe sus películas, pero de un modo extraño. Él nos entiende muy bien, somos muy buenos amigos desde nuestro primer single. Él está muy interesado en derribar ideas convencionales, y es algo que siempre hemos considerado importante. Con el primer disco sucedió eso: estábamos intentando empujar las convenciones de lo que debería ser el garage punk más directo y canónico, y creo que eso es lo que sucede ahora otra vez.

¿Os hará algún video para este disco?
Estamos trabajando ahora con Douglas Hart, que tocó con The Jesus & Mary Chain, pero sí, nos encantaría que Chris hiciese alguno más, y a él también, pero él está siempre ocupado de forma enloquecedora. También tenemos una gran amistad con Douglas, que es un gran artista y un gran músico. Creo que siempre es difícil para una banda como la nuestra transmitir nuestras ideas a alguien que esté fuera de nuestro círculo y de nuestro mundo. Tenemos ideas muy fuertes y, obviamente, Douglas viene de otro lugar pero las entiende perfectamente. Cuando nos sentamos a charlar de lo que queríamos hacer él entendía perfectamente todos los puntos de referencia. Nos encantan a todos The Jesus & Mary Chain.

¿Teníais muchas referencias en mente a la hora de crear el disco, que tiene toques de krautrock, shoegazer y after-punk, o simplemente os dejasteis llevar sin pensar en nada en particular?
Hacemos los discos de una forma bastante egoísta, sin intentar hacer algo similar a lo que estemos escuchando en ese momento. Escuchamos mucha música diferente, pero cada cosa la asimilamos de diferente manera. Estamos completamente en contra de copiar algo, porque no tiene ningún sentido. Los sonidos de este disco están inspirados en todo lo que amamos, desde la psicodelia de los sesenta hasta los inicios de la electrónica experimental o la contemporánea, escuchamos muchos discos de Metroplex, techno de Detroit, Modern 500, Paul Atkins… cosas tan diferentes, así que todo viene de todas partes en realidad. Es el material que oyes en tu cabeza también cuando te encuentras en estados alterados. Mucha gente escucha el disco y nos dice: “Habéis estado escuchando esto o lo otro”, pero donde está la principal similitud es que nuestras cabezas se encontraban en un lugar muy parecido al de esa gente cuando hizo sus discos. Nos interesa mucho la psicodelia y los sonidos que expanden la mente. Todo el krautrock tiene definitivamente un ritmo interesante, experimentaba con diferentes estilos rítmicos. Llevan al oyente hacia algún lugar.

La intro del primer tema es techno ambiental, parece que te esté guiando hacia un álbum electrónico pero, de repente, ya no vuelve a haber más electrónica. ¿Os gustaba esa sensación de despiste?
Queríamos explorar cómo reacciona tu mente y se siente tu cuerpo al escuchar nuestra música, pero nunca nos interesamos en cómo hicimos eso. Creo que puedes tener la misma sensación escuchando la guitarra de Josh procediendo de una intro electrónica, pero no pensamos en “deberíamos ir ahora aquí y luego allá”, es más natural que eso.

Las letras, ¿son de Faris (Badwan)?
Sí

Noto también una interesante evolución en esto, pero no sé si vosotros podéis hablar de ello.
Bueno, él tampoco habla mucho de eso. Simplemente le gusta que las escuches. Pero cada vez asume más retos, son bastante personales y abstractas al mismo tiempo.

En mi caso, me transmiten la sensación de que, al principio, creo saber de lo que están hablando, pero siempre hay algún pequeño detalle o algo que me hace ver que no, que no sé en absoluto de qué está hablando.
Con este disco estábamos más interesados en la idea de sentirte perdido y envuelto en la música, en las palabras y en el sentimiento general del álbum, que está hecho de repente por cuatro personas que se sienten fuera de este mundo.

Las letras, de algún modo, son como un espejo roto.
Es una descripción muy maja. Gracias.

“Sea Within A Sea” es la canción más radical del álbum. ¿Por qué la elegisteis como primer single?
Fue el último tema que compusimos, y para nosotros encapsula muchas de las ideas que fueron clave durante todo el disco. También sentimos que queríamos editar algo que tuviese éxito para todo el mundo y, al mismo tiempo, introdujera lo que es la banda ahora a los oídos de la gente, y creíamos que éste era un buen punto de partida. Al mismo tiempo, es el último tema del álbum, que queríamos que tuviera un sentido de principio a fin. Del modo en que cada corte está ensamblado, es muy importante para conducir a tu mente por él. Es el final del disco pero nos gustaba como comienzo del viaje. Tanto el principio como el final tienen esta idea de continuación y movimiento, y casi de infinito, de círculo.

¿Seguís haciendo vuestro fanzine?
Lo hacíamos en Reino Unido antes de la gira para llevar a los conciertos. Lo tenemos algo abandonado pero queremos seguir con ello, porque es una buena forma de comunicarse. Para la gente que hacía fanzines en los setenta era la única forma de comunicar nueva ideas, obviamente ahora hay demasiadas vías para hacerlo. Intentamos tratar nuestra página web como si fuese un fanzine, lo actualizamos mucho, hablamos de discos que estamos escuchando o cosas que hemos leído.

Spider, ¿Me hablas de tu proyecto paralelo, Spider & The Flies?
Sí, Tom (Furse) y yo empezamos a trabajar en ello realmente porque teníamos algo de tiempo libre y queríamos empezar a explorar sintetizadores, comprar nuevos instrumentos y utilizar nuestro tiempo en hacer otra cosa. Va a continuar.

¿Qué esperáis de los festivales españoles?
Son los mejores del mundo. (Josh) El FIB es el mejor en el que he estado nunca, y el cartel de este año es estupendo. (Spider) Creo que muchas de las referencias que hemos utilizado tanto en el primer disco como en el segundo son muy importantes para los amantes de la música españoles, incluso todo lo del garage y el punk más rayado. Creo que ahora las influencias más diversas harán que se queden con más fuerza en el corazón del público. Puede que sean nuestros mejores conciertos del año.

Canción del día: "Museo de Historia Natural", versión Aquí Te Pillo Aquí Te Grabo (Lidia Damunt)

Frase del día: "Soy el mejor director del mundo. Los demás están sobrevalorados" (Lars Von Trier)

Nuevas tácticas, idénticas estrategias

Uno de aquellos días pardillos, de aquellos días de iniciación, en una tarde muerta, L. seguía en construcción, en busca del equilibrio inestable. "Fui a ver una peli que se llama "El lado oscuro del corazón". Joder, me dejó flipado. Oye, ¿has oído hablar de Mario Benedetti?". Benedetti se convirtió en un clásico en aquellos años universitarios en que la sangre bullía entre manifestaciones políticas, sociales, y manifestaciones del corazón, churrascadas en el campo y fugas a Santiago. Sí, tópico, tan tópico como el cliché de Benedetti como asidero de cierta idea de compromiso y de retomar la poesía como carta de presentación antes de que el hastío del mercado laboral te convirtiese en un muermo pragmático. "Si quieres ligar, utiliza a Benedetti. Les encanta a las jovencitas sensibles y con inquietudes" parecía ser el eslógan, con tanto margen de acierto como un anuncio de desodorante. Y, al tiempo, esa cuerda floja en la que, si se vislumbraba que ibas demasiado de guay, caerías en la pira del infierno del etiquetaje: engolado, moñas, hortera. En los tiempos del 0'7, Javier Álvarez- Pedro Guerra y los inicios del perroflautismo había que hilar muy fino.

Pocos días antes, el tipo de Ciencia Política nos preguntó si conocíamos la diferencia entre táctica y estrategia. No recuerdo cuál dijo que era, al igual que no recuerdo prácticamente nada de lo escuchado a un profesor en un aula, pero si nos fíamos de la RAE, sería ésta:

Táctica: Arte que enseña a poner en orden las cosas/ Método o sistema para ejecutar o conseguir algo/ Habilidad o tacto para aplicar este sistema/ Arte de disponer, mover y emplear la fuerza bélica para el combate.

Estrategia: Arte de dirigir las operaciones militares/ Arte, traza para dirigir un asunto/ En un proceso regulable, conjunto de las reglas que aseguran una decisión óptima en cada momento.

El diccionario no me aclara mucho aparte de que ambas cosas son un arte y se utilizan para la guerra, pero, bueno, creo que la idea se pilla mejor con el poema de Benedetti. "Benedetti tiene un poema que se llama 'Táctica y estrategia'", me dijo L. Hacía tiempo que no recordaba el título de un poema y ese es uno de los pocos que no se me han olvidado desde entonces.

En un campo de trabajo en Murcia, vi a un tipo que me caía como una patada en el culo yéndose de guay con una lurpia mientras le recitaba de memoria "Táctica y estrategia". Le funcionó, aunque quizá también le habría funcionado si le hubiese formulado la teoría de la relatividad o le hubiese leído la lista de ofertas del Carrefour. Para mí fue un momento clave: el momento a partir del cual supe que Benedetti era un autor banalizado, un cliché que se había convertido en un medio para un fin. La promesa de amor de un uruguayo. Palabras engaioladas para echar el polvo y correr. Palabrería vana. Artificio. Un fraude. Del que él no tenía la culpa. Nadie puede ser responsable de lo que hace su público.

Lo que queda de mi vida, en lo que respecta a este poeta, ha sido una constante confrontación entre ese prejuicio (o post-juicio, más bien) y la realidad de ver las sensaciones que Benedetti creaba en gente cercana. Por ello se convirtió en, por ejemplo, buen objeto de regalo para cumpleaños, al tiempo que intentaba ocultar mi lado oscuro del corazón. Al menos, el lado oscuro tal como lo retrataba la peli que, en cuanto la vi, me irritó hasta la náusea. Palabrería vana, artificio. Sensibilidad pretenciosa para echar el polvo y correr. Eso opinaba yo circa 1999. Ahora no lo sé porque no la he vuelto a ver. No he tenido ningún buen motivo para ello.

Ya en Madrid, una mañana de libranza pasé por delante de la librería Crisol. Creo que necesitaba hacer un regalo de cumpleaños o algo. Paseando por dentro, me encontré a traición a Mario Benedetti firmando libros. Pensé en mis tres compañeros de piso del momento y me pillé otros tantos libros. El escritor estaba como ocioso, aburrido. Nadie se le acercaba. Un tanto nervioso por lo inesperado del momento, me acerqué y le dije "Don Mario: bla bla bla". No recuerdo exactamente qué era, pero algo así como "¿me puede firmar esto para mis compañeros de piso y ponerles una dedicatoria bonita?". Don Mario escribió unas palabras en cada ejemplar como si fuese un funcionario que se sabía utilizado para que alguien, del modo que fuese, conquistase el corazón de otras personas. Apenas un par de minutos de contacto verbal, visual y no recuerdo si físico. No recuerdo si le di la mano.

De mis compañeros de piso circa 2000: S. está en Coruña y cuando me la encuentro nos damos un abrazo. I. está en Alemania, creo. Y el innombrable aún nos debe dinero de cuando se pagaba en pesetas. Yo me dedico, entre otras cosas, al bloguismo necrófilo.

Presiento que leer o enviar (ahora por mail o sms) o poner en el Facebook "Táctica y estrategia" sigue siendo una de las tácticas más utilizadas en esa estrategia universal que consiste en conseguir estar menos solo. En otros casos, si la vida imita a la poesía, es también una receta vital similar a las que Humphrey Bogart transmitía a Woody Allen en "Sueños de un seductor" o Elvis a Christian Slater cada vez que iba al baño en "Amor a quemarropa". Del mismo tipo que las que transmitía Pablo Neruda a su cartero y que hacían llorar en el patio de butacas a las futuras esposas de futuros empresarios explotadores. (Bueno, ese es otro tema, mejor no lo abordo que me pierdo).

Por cierto, y antes de terminar como es debido: eviten pensar en si funciona o no. La poesía, aunque no se lo crean, no va de eso. Quizás sí de conservar una inocencia contra corriente y, si es posible, resistir un día más al cinismo. Malos tiempos, sí, pero, ¿alguna vez dejaron de serlo?

"Mi táctica es mirarte/ aprender como sos/ quererte como sos.

Mi táctica es/ hablarte/ y escucharte/ construir con palabras/ un puente indestructible.

Mi táctica es/ quedarme en tu recuerdo/ no sé cómo ni sé/ con qué pretexto/ pero quedarme en vos.

Mi táctica es/ ser franco/ y saber que sos franca/ y que no nos vendamos simulacros/ para que entre los dos/ no haya telón/ ni abismos.

Mi estrategia es/ en cambio/ más profunda y más simple.

Mi estrategia es/ que un día cualquiera/ no sé cómo ni sé/ con qué pretexto/ por fin me necesites".

Canción del día: "Jackie Collins Existential Question Time" (Manic Street Preachers)

Frase del día: "A mí no me tumba ni Dios" (Soraya)

Tarkovski en Coruña

Artículo por Manuel Rivas en El País, aunque llegue algo tarde.

Web oficial de la Fundación Luis Seoane

Canción del día: "Invocation Of Almost" (Current 93)

Frase del día: "La tele me ha vuelto más introvertido" (Ángel Llacer)

Antony por el matriarcado

Antony & The Johnsons tocaron el lunes en el Palacio de Congresos de Madrid. Musicalmente fue un gran concierto (mi crónica aquí), pero lo que más llamó la atención fue el larguísimo speech que el músico lanzó, en principio como introducción al tema "Aeon", pero que, enmedio del mismo, le llevó a cambiar el guión y decidir que iba a tocar también "Hope Mountain". Pues nada, pese a que se le olvidó hablar de la ley de paridad de Zapatero (que, supongo, conocerá, y venía como anillo al dedo en aquel momento), creo que el autor de "For Today I Am A Boy" y "I Fell In Love With A Dead Boy" consiguió que buena parte de los 1.800 asistentes al concierto perdiesen su virginidad con la teoría queer.

Antony comenzó diciendo que, de algún modo, "Aeon" estaba dedicada a su padre e iba de un hombre mayor que le otorgaba el poder a un niño misterioso, pero a partir de ahí empezó a reflexionar sobre lo malo que era relacionar poder y masculinidad, y que el control del mundo, los gobiernos, empresas, etc., estaba mejor en manos de las mujeres o, si tal, de hombres con cualidades más femeninas. Al decidir tocar "Hope Mountain", y tras aclarar que él no creía en el catolicismo, que él era una bruja pero que toda su educación había sido católica, dijo que la canción era sobre Jesús, que se reencarnaba en el futuro en una chica afgana y que la gente vivía en las montañas porque el cambio climático había inundado todo, pero como ella era Jesús podía caminar sobre las aguas. Al tiempo, como era afgana, corría serio peligro con los talibanes, deseosos de aniquilar a todos los Jesucristos chicas. “Si alguno de vosotros va a tomar té con el Papa –prosiguió-, comentadle que una bruja transgénero ('transgender witch', en su inglés) os dijo que Jesús era una chica".

Luego continuaría lanzando ideas sobre Benazir Bhutto, con quien admitió estar obsesionado, y de quien, dice, se quedó con una cosa que dijo en una entrevista. Que se arrepentía de dos cosas en su vida: una, permitir que los talibanes entrasen en Afganistán y, dos, no dar más puestos de poder a mujeres. Los siguientes comentarios girarían en torno a Barack Obama, a quien consideró el más femenino de los presidentes estadounidenses debido a que, je, cuando conoció a Michelle ésta era su jefa. Justo al comenzar la interpretación de ""Hope Mountain" la paró para decir algo tipo "vale, también estaba Margaret Thatcher, pero ese ejemplo no cuenta".

Caótico Antony, sí.

Ojo con La Mala: Flow, swing y duende

Crónica del concierto de anoche en el Teatro Español de Madrid

Canción del día: "We Are Electric" (Fischerspooner)

Frase del día: "¿Qué problema he tenido yo con las drogas? ¡Si me gustan todas!" (Whitney Houston en "Celebrities")

Seguiremos esperando nada

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Martin Amis en Granada

Genio y figura.
Texto por Ángel Munárriz en Público.

Canción del día: "Build Voice" (Dan Deacon)

Frase del día: "Envidio a mi hija porque todavía puede mirar una palabra sin leerla" (Chris Ware)

Kundera y los espejismos del exilio, la literatura y la amistad

Extracto de su nuevo libro, "Un encuentro", en El Cultural

Canción del día: "Waitin' For A Superman" (The Flaming Lips)

Frase del día: "Las formas de relacionarse con el cuerpo a través del sexo es un tema que me fascina de la naturaleza humana y que los artistas explotan cada vez menos. Quizá han perdido el interés porque es muy accesible y está banalizado" (Isabel Coixet)

"Genova", de Michael Winterbottom. 20 pelis en 20 años.

Mañana se estrena la cita anual que ya tocaba con Winterbottom. Aunque no todas sus pelis se han visto aquí (creo), ya se ha convertido en una costumbre que el cineasta británico entregue una por año. Y, la gran mayoría, buenas, algunas buenísimas, y unas pocas regulares. Casi todas sorprendentes, al explorar diferentes géneros o incluso definir algunos nuevos. Mientras le doy algunas vueltas a la cabeza antes de dilucidar si me atrevo o no a escribir que Michael Winterbottom ha sido el cineasta de los 2000, informo que, siempre por delante, el hombre ya tiene previstas cuatro pelis más para la siguiente década: "La doctrina del shock" (documental basado en el libro de Naomi Klein, con la colaboración de la canadiense), "The Killer Inside Me" (sobre una novela negra de Jim Thompson), "Murder In Samarkand" (basada en las memorias de un embajador británico en Uzbekistán al que da vida Steve Coogan) y "Seven Days" (coescrita con Laurence Coriat, al igual que "Genova", y que narra la relación entre un hombre encarcelado por tráfico de drogas y su esposa, con la particularidad de que plantearon irla rodando a lo largo de cinco años). Todo esto, según IMDB.

Mientras dilucido si me atrevo o no a escribir que "Genova" podría ser perfectamente una de mis pelis favoritas del de Blackburn (justo detrás de un top 3 que formarían "24 Hour Party People", "Tristram Shandy" y "Wonderland"), intento resumir mis impresiones: la historia comienza con un accidente de coche en el que la madre de dos hijas muere. En realidad, es el antecesor de un fundido en negro a partir del cual comienza, en realidad, la historia. "Genova" trata sobre la vida después de la pérdida. En concreto, la vida del marido y sus dos hijas, cuya forma de seguir adelante después de la tragedia es irse un verano a Génova, donde él (un impecable Colin Firth) va a dar clases de inglés en la universidad.

A partir de ahí, se muestra la relación entre los tres personajes y sus pequeñas transformaciones, siempre con mesura y sensibilidad, sin incurrir nunca en el dramón fácil. Lo difícil que es ser padre, el trauma de una niña culpable quien se le aparece el fantasma de su madre y la rebeldía turgente de una adolescente son las líneas maestras que confluyen en un entorno semi misterioso: la laberíntica Génova de la película es casi como la Venecia de "Amenaza en la sombra", de Nicolas Roeg (una de mis pelis favoritas de todos los tiempos), aunque cambiando aquel ambiente gótico por una sensación de -y esto es lo más interesante de la peli- peligro e inquietud constante, como si siempre hubiese un accidente, otro accidente, a punto de suceder. Como si la gran prueba de los personajes consistiese en afrontar el fatalismo que parece que les va a perseguir a partir de aquella tragedia original.

Canción del día: "False Alarm" (The Wooden Birds)

Frase del día: "No estamos hablando de que asistimos a un concierto del FIB" (portavoz del PP en la Comunidad Valenciana opinando sobre una parlamentaria expulsada por llevar una camiseta con la foto de Francisco Camps y la inscripción "Wanted. Only alive")

20 años de desintegración

"I think it's dark and it looks like rain," you said/ "And the wind is blowing like it's the end of the world," you said/ "And it's so cold it's like the cold if you were dead", and then you smiled for a second/ "I think I'm old and I'm feeling the pain," you said/ "And it's all running out like it's the end of the world," you said/ "And it's so cold it's like the cold if you were dead", and then you smiled for a second/ Sometimes you make me feel like I'm living at the edge of the world, like I'm living at the edge of the world/ "It's just the way I smile," you said.
("Plainsong", The Cure. 1989)

La solemnidad de la intro, tan impactante como "Atmosphere" de Joy Division y "Your Silent Face" de New Order. O quizás más. Las palabras de Robert Smith, la fragilidad, el misterio y la extraña tristeza. ¿Qué era aquello? Él había ido a comprar el disco el mismo día de su salida. En la carpeta, el rostro azul de Smith escondido entre flores. Los tonos marrones, las letras en horizontal, la inscripción "play it loud" oculta al final. Volumen al máximo. Seguían sonando las canciones una por una: "Pictures Of You", "Closedown"..., largas introducciones instrumentales, los teclados de Roger O'Donnell, los bajos de Simon Gallup, las guitarras de Porl Thompson y Smith, la batería de Boris Williams... el clima de melancolía inexplicable y de introspección romántica. Aquello era la perfección hecha música. El summun. La gloria.

La primera semana de mayo de 1989 entraban leves rayos de sol por su ventana. La historia oficial hablaba de un hombre abducido por el LSD para combatir su depresión justo cuando alcanzaba la frontera de los 30. Pero la historia secreta era la de aquellos rayos de sol en la ventana de un país donde siempre llovía y donde, dicen algunos por ahí, los jóvenes morían antes de tiempo. Pero también un país individual con su interior lleno de goteras, quizá no tanto por la lluvia exterior como por las lágrimas que se seguían absorbiendo hacia dentro. En espera del Selectivo, ante la incertidumbre de un futuro que presentaba las puertas abiertas hacia el infinito pero, delante, sólo encontraba una sensación de no saber nada.

En la encrucijada de aquella fría primavera, aquel LP sonó y sonó obsesivamente. Sin "Homesick" ni "Last Dance" (sólo disponibles, je, en versión CD) pero debido a eso quedó reducido a su esencia. El miedo a dormir, porque quien sabe si te podrías despertar, de "Lullaby"; la psicodelia aplastante hacia lugares desconocidos de "Fascination Street", la tensa desesperación de "Prayers For Rain"... Tan obsesivamente, que sus venas se convirtieron en surcos de vinilo que, cada vez que eran pinchadas por la aguja, dejaban que en la sangre penetrasen y quedasen para siempre aquellas palabras, aquellos sonidos, aquella niebla.

Así siguió siendo a lo largo de los años. De vez en cuando, aún le preguntan cuál es su álbum favorito de todos los tiempos y él cambia la respuesta dependiendo del día, pero es "Disintegration" la que más suele repetir. Por momentos solía decir que "Pornography" era su disco favorito de los Cure, pero ahora sólo lo reduce a sus momentos de nihilismo que, por fortuna, son cada vez menos. "Disintegration" es más él. Él, aún en sus momentos de máxima integración, lleva dentro "Disintegration". Y, ahora, cuando escucha "Pictures Of You" se la canta a sí mismo. Al adolescente de veinte años atrás. Al amor y al odio con respecto a aquella persona tan lejana en la que a veces ni se reconoce, luchando por recomponer un espejo roto, o quizá haciéndolo más trizas.

Pero entre la noche y los charcos se reflejaban también las estrellas, y de entre ellas salió un satélite. Descubrió el single de "Lovesong" y allí encontró una de las canciones pop más bonitas jamás compuestas por los Cure, "2Late". Y también se encontró cantando "Lovesong" a otros oídos y cargándola de certeza, como si la canción poseyese a la persona, a sus ilusiones y a sus miedos. No es que la persona mintiese y la canción siguiese diciendo la verdad. Simplemente, cuando la persona cantaba esa canción, sentía con más fuerza que lo que cantaba era verdad.

"Oh if i could just once catch your eye/ invisible against the words/ that hold you down in solitude/ and never let you go/ The way that every time/ my eyes just close/ like lids of wooden men in file/ I put you under rainy day/ your hat's all off/ and i'm gone away.../ So i'll wait for you/ where i always wait/ behind the signs that sell the news/ And i'll watch for you like yesterday/ and hope for you/ one day that once/ spent out on me/ and up 'til late/ I search for you/ your hat pushed straight
away from me/ your measured step/ heads up you win/ always too late".
("2Late", The Cure. 1989)

Canción del día: "Pictures Of You" (The Cure)

Frase del día: "Es mejor permanecer callado y parecer idiota que hablar demasiado y demostrar que lo eres" (Mark Twain)

Mikel Aguirre habla sobre la nueva Buena Vida

El pasado fin de semana en el Festival do Norte y ayer y hoy en el Teatro Maravillas (teloneados por una Coralie Clement que me sorprendió haciendo una versión de esta deslumbrante canción de su hermano y su cuñada), La Buena Vida están dando sus primeros conciertos sin Irantzu Valencia, un sigue como puedas absolutamente suicida que, al menos a mí, me dejó anoche cierta sensación de extrañeza, sin saber muy bien lo que decir. Esto es lo que su actual (y muy peculiar) 'frontman', el majísimo Mikel, me contó sobre la actualidad del grupo donostiarra, que acaba de editar el EP "Viaje por países pequeños". Es una ampliación sin editar del texto publicado en el Metrópoli con subtítulo impreciso.

-"Siempre hemos sido fans de Derribos Arias. Tanto a Poch como a Alejo Alberdi les conocíamos. Yo a Poch lo conocí en sus últimos días, cuando ya estaba bastante mal el pobre. Él conservaba siempre como un punto de artista, era un gran compositor. Ahora se cumplieron diez años de su muerte y se montó aquí en San Sebastián un homenaje y otro artista, Rafa Berrio, nos comentó si queríamos participar. Yo enseguida le dije que sí, él me pasó en un mp3 toda la discografía de Poch y la verdad es que tiene canciones muy buenas. Puede que su producción no tenga nada que ver con LBV, pero tiene canciones realmente brillantes con un punto gamberrete, un poco punk, y nosotros venimos también un poco de esa época: nos formamos en el 88-89, que era el final de esa gente, y siempre ha habido un lazo de conexión. Vimos que “Viaje por países pequeños” se podía amoldar muy bien a nosotros. En el concierto nos quedamos bastante contentos con cómo funcionó y como estábamos en el estudio preparando canciones nuevas dijimos: “¿Por qué no la grabamos?”. Siempre nos ha gustado hacer versiones, aunque de un tiempo a esta parte ya no lo veníamos haciendo en directo. Cambiamos de compañía ahora y nos fiamos un poco de la intuición de ellos, les pareció que ese tema era el adecuado para el single y seguimos adelante".

-"Tenemos bastante adelantado el nuevo álbum. Sé que se ha filtrado que saldría en abril pero finalmente se pospone para el otoño. Tenemos como 10-12 temas, pero están todavía en diferentes fases. Con otros discos entramos en el estudio teniéndolo todo muy claro, pero en esta ocasión, por nuestra particular distribución geográfica y por nuestros jaleos vimos que no podíamos meternos un mes en el estudio todos a la vez, así que vamos haciendo canciones poco a poco y en lugar de darle un concepto general darle un tratamiento más de single que de álbum, que cada canción vaya por donde te lleve, tirar del hilo y cuando esté un poco planteada ir a otra canción y ver por qué derroteros te lleva. Las canciones del single son representativas de lo que se está haciendo, aunque queremos huir de que todas suenen en una dirección concreta: que uno pueda sonar acústico, otro tecno, lo que sea… Sí que hemos guerreado en guitarras, coros y cosas que quizá no le dábamos la importancia que le estamos dando ahora en otros proyectos".

-"La última actuación con Irantzu fue en diciembre, llevando al directo “Soidemersol”. Estaría mal que no lo dijera, pero su papel es insustituible. Ha estado con nosotros más de 20 años y, por circunstancias, LBV es un grupo que nunca ha sido profesional, con una repercusión profesional pero cada uno de nosotros tenemos nuestro trabajo y nuestro jaleo. Llegó un momento en que para ella era un esfuerzo muy grande porque vive en Madrid, tiene dos niños, trabajo… y de un tiempo a esta parte ya se planteó que igual lo dejaba. Es insustituible no solamente como intérprete, sino por su carisma profesional y como referencia de cara al público, pero a nivel compositivo y musical sí que es verdad que ella no aportaba a nivel de composición, sí de interpretación. El funcionamiento del grupo sigue siendo el mismo, únicamente con su ausencia. ¿Cómo lo hemos suplido? Si yo antes cantaba el 50% de las canciones o menos, ahora me tiraré a la piscina y seré el frontman. Lo que no queríamos era reproducir lo que hacíamos antes con Irantzu pero sin ella. El agravio comparativo y su ausencia se va a notar, pero sí que vamos a revisitar algunas canciones y llevarlas a mi terreno. Yo siempre he cantado desde el principio, a veces canciones compuestas por mí las cantaba Irantzu, pero eso lo voy a suplir cantándolas yo o dándoles una vueltita un poco diferente".

-"Estos conciertos, a nosotros nos hubiera gustado dedicarnos al álbum y a preparar las canciones, pero esto nos ha pillado un poco a contrapié por las historias de las compañías, les parecía un buen momento para que el grupo volviera y digamos que nos instaron a que regresáraramos para presentar el EP. Lo que vamos a hacer es repasar algunas canciones antiguas, algunas que no tocamos desde hace muchos años y los temas del EP, pero no las no publicadas, porque no nos apetece tocar temas nuevos que la gente no conozca de nada. Ya en septiembre, cuando tengamos el álbum, le daremos un buen meneo al repertorio intentando incluir el máximo de canciones nuevas. Van a ser conciertos de una hora y cuarto, hora y media".

-"Nosotros siempre hemos sido un grupo particular, una banda de amigos no profesionales, no como otros que son un compositor y una serie de músicos contratados, o mercenarios, o como los quieras llamar. Lo de poner a otra persona en lugar de Irantzu no lo veíamos, pero quizá surja en el futuro. En el EP, por ejemplo, hay coros de nuestras mujeres, Virgina Pina y Amaia Intxausti, mujeres mía y de Iñaki de Lucas. Pero sin ningún ánimo de sustituir a Irantzu, sino para apuntalar las canciones y darles un toquecito, sin idea de que vengan al directo con nosotros y porque tampoco lo vemos necesario. El grupo tiene una trayectoria y una entidad suficiente como para poder abordar el futuro de esta nueva etapa sin Irantzu, con la cabeza bien alta y sin querer engañar a nadie. Es una pena, ella es la primera que lo lamentaba, pero es así. Si colaboraremos o entrará otra persona… no te lo sé decir, pero nunca será impuesto por la compañía ni por la presión del público. Si vemos que las canciones tienen una carencia importante por ahí y encontramos una persona de nuestra órbita, cercana, con la que estemos a gusto, no lo descarto, pero te aseguro que a día de hoy no hay nada en firme".

-"Nosotros siempre hemos funcionado así: primero componíamos las canciones, nos juntábamos en el local, veíamos si le iban a Irantzu, cuáles le iban, cuáles eran más para cantar los dos a dúo… Borja Sánchez también formó parte del grupo, luego lo dejó por temas laborales, ahora ha vuelto con Ama y no fue nada traumático, sino algo natural. Quizá le sorprendió a la gente porque nosotros no lo anunciamos, pero nunca hemos sido así, ni buscamos el amarillismo, simplemente hicimos un comunicado de prensa y estoy seguro de que va a haber gente a la que no le guste la propuesta y otra a la que sí. Nosotros lo vamos a hacer con toda la honestidad y todas las ganas. Como siempre, vamos".

-"Creo que ella lo decidió en septiembre del año pasado o así. Cuando planteamos los conciertos de “Soidemersol” sabíamos que iban a ser los últimos. No nos pareció oportuno decirlo, que podía haber sido un gancho, decir “es la última actuación de Irantzu y vamos a reventar los sitios y salir en todos los periódicos”, pero no nos parecía un tema importante, porque ella nos ha dejado pero el grupo continúa".

-"La verdad es que estuvo muy bien, teníamos miedo porque llevábamos bastante tiempo sin tocar, "Soidemersol" es un disco que también está tocado por algo especial: sin comerlo ni beberlo salió así, no fue algo premeditado, y es un disco que tiene una cosilla especial. Nos daba algo de respeto tocar algunas de las canciones, las que no veníamos haciendo en directo, que eran complicadas pero dijimos: “Vamos a hacerlas intentando respetar el clima que buscábamos en su día al componerlas”, y también teníamos un poco de miedo con el acompañamiento de la orquesta en directo, un poco complicado porque no era gente que ensayase con nosotros habitualmente, sino gente que contratas para un evento concreto, que hay que prepararlo y nunca sabes cómo va a funcionar. A mí me gustó más el concierto de Madrid que el de Barcelona, primero porque la Joy Eslava, que es una especie de teatro pequeñito, se presta más, y en cambio en el Auditori del Fórum, que es genial, se quedaba más grande y difuminado".

Canción del día: "Moleskine" (Copiloto)

Frase del día: "Uno puede mentir y la canción sigue diciendo la verdad" (Andrés Calamaro)