Perdiendo Mi Eje

"Donde viven los monstruos", de Spike Jonze. La fantasía y las vísceras.

2009-12-17T14:20:00.006+01:00

(Carol) "Va a ser un lugar donde todas las cosas que quieras que sucedan sucederán"
(Max) "¡Podríamos construir totalmente un sitio así!"

Spike Jonze ha tardado seis años en estrenar una nueva peli tras sus dos colaboraciones con el guionista Charlie Kaufmann: "Cómo ser John Malkovich" y "Adaptation". "Donde viven los monstruos" es, por cierto, la laboriosa y ejemplar adaptación del brevísimo cuento ilustrado de Maurice Sendak, que Jonze toma solamente como punto de partida y espíritu para extenderlo hasta crear una obra completamente nueva.

"Donde viven los monstruos" es algo completamente alejado de los cánones del típico "producto-para-toda-la-familia" que se espera en estas fechas. Aunque se conciba desde la mente de un niño de 9 años, no es, ni siquiera, una peli para el público infantil porque un chaval de esa edad odiará verse reconocido en la verdad de ese personaje: preferirá proyectarse en un superhéroe, un vengador justiciero o algo así, pero nunca en sus propias contradicciones y miserias.

Jonze está insistiendo en que quería evitar la condescendencia en su retrato del pequeño Max, un niño que, al ser castigado por su madre, huye con su imaginación a una lejana isla en la que se convertirá en el rey de una isla de monstruos. El director, en alianza con Dave Eggers, ofrece interesantísimos añadidos al guión (existencia traumatizada por la ausencia de un padre y celos ante los amantes de su madre, por ejemplo) y luego se inventa toda la historia de lo que sucede en la isla, pero haciendo un retrato más de sensaciones que un recorrido narrativo, en una película visceral y muy física (está plagada de hostias y gritos) que refleja con alta lucidez muchas de las contradicciones del sentimiento humano: la soledad, la rabia, el odio, la amistad, el amor, la violencia, el júbilo, la envidia, la frustración, la tristeza, el egoísmo o el capricho están ahí, conviviendo por momentos en uno mismo sin que uno sepa muchas veces por qué surgen o cómo controlarlos.

Es importante para amplificar su encanto la escasa proliferación de efectos digitales. Los monstruos son muñecos de Jim Henson con personas dentro, y, como el mismo Jonze ha dicho, la poca digitalización utilizada ha sido para ofrecer mayor sensación de realidad. Lo consigue. Y no menos esencial es la magnífica banda sonora de Karen O & The Kids (grupo creado para la ocasión en el que figuran todos los Yeah Yeah Yeahs, Bradford Cox -de Deerhunter y Atlas Sound- y Aaron Hemphill -Liars-) y donde colisionan los espíritus de Daniel Johnston (hay, de hecho, una versión suya), Kimya Dawson y la Escuela de Summerhill.

De hecho, la peli tiene tanto de "Being John Malkovich" y de "Adaptation" como de "Jackass". Igual vuelvo a verla. ¿Quién se viene?

Canción del día: "Tonight We Fly" (The Divine Comedy)

Frase del día: "Si el clima fuese un banco ya habríamos puesto dinero para salvarlo" (Hugo Chávez)

Feliz navidad

2009-12-16T14:14:00.002+01:00

"La cerillera huerfanita contra Papá Noel" (Iván Zulueta, 1970)

Canción del día: "Losing My Edge" (LCD Soundsystem)

Frase del día: "Hay dos clases de personas, las que dividen a la gente en dos clases y las que no"

"Buscando a Eric", de Ken Loach. Capra en Old Trafford.

2009-11-30T12:33:00.002+01:00

Un poco como homenaje a aquello que dijera Eric Cantona en una rueda de prensa sobre las gaviotas que siguen al barco, comenzaré mi reseña con un chiste que leí el otro día en Twitter: "-¿Qué hace un gallego en un estadio vacío a medianoche? -Está viendo el juego de las estrellas".

Bueno, pretendía ser un chiste, pero al final a su autor le salió una figura poética increíble. A mí un estadio vacío a medianoche me recuerda inmediatamente a una secuencia mítica de "En bandeja de plata" de Billy Wilder. Y en un Old Trafford vacío, tumbado en la hierba y contemplando las estrellas del firmamento porque no tiene dinero para pagar una entrada para ver a las estrellas que nos venden los medios me imagino también al protagonista de "Buscando a Eric".

En principio, choca la reivindicación del fútbol que hace un director de militarismo tan claro en favor de la lucha de clases como es Loach. El héroe de la película Eric Cantona, es pintado como un ídolo casi sobrehumano (aunque de forma bastante jocosa, él es el primero en reírse de sí mismo en un papel a medias entre la genuflexión y la caricatura) y prácticamente como un salvador de la clase obrera cuanto todos sabemos en realidad que, en una hipotética lucha de clases, el futbolista de élite sería uno de los principales enemigos a exterminar. Aquí, sin embargo, se evita la referencia a la condición de multimillonario de Cantona y sus sucesores actuales en el Manchester United y se celebra el espectáculo deportivo como opio del pueblo y elemento de cohesión grupal en sentido positivo.

Me hacía mucha más gracia aquella escena de "Kes" donde los chavales se ponían a jugar haciendo que eran el United que esta especie de hagiografía de, vale, un personaje singular pero, finalmente, un héroe-icono con toda la presunta alienación que eso puede provocar sobre "la gente común". Vale que es sintomático que fuese el propio Cantona quien contactó con Loach para darle la idea de la peli (ya es hartamente elocuente que le llamase a él y no a, yo qué sé, Spielberg), que él fue siempre un futbolista contracorriente y que su función en la peli es más que curiosa.

Volviendo a jugar con lo de "el opio del pueblo", Eric Cantona es algo así como un recurso de autoayuda para que el Eric protagonista, un cartero aproximadamente cincuentón lleno de marrones en su vida y con la autoestima por los suelos, se encuentre a sí mismo. Entonces, cada vez que se fuma un canuto, Cantona se le aparece como Humphrey Bogart a Woody Allen en "Sueños de un seductor" (o como un amigo imaginario, tal cual Hobbes lo es para Calvin) y le da consejos filosófico-vitales bastante curiosos.

Quitando esta licencia con la que, por primera vez en su larga trayectoria, Loach suspende el realismo, al final nos encontramos con una comedia moral de buenas intenciones que no aporta nada con respecto a la historia que el británico nos lleva contando una y otra vez (aderezada con una sub-trama de amor que, bueno). Es estimable, una vez más, lo sensible que es Paul Laverty a la hora de detectar la problemática de clase y los símbolos del descontento de hoy en día (marcado aquí por cierta idea del conflicto generacional) y labra una secuencia mítica con una venganza con caretas y bates de beisbol que parece un reverso paródico del vídeo de "Come To Daddy" de Aphex Twin. No obstante, al final nos encontramos con una peli bondadosa y una moraleja clara y meridiana: solo no puedes, con amigos sí.

Canción del día: "That's When I Reach For My Revolver" (Mission Of Burma)

Frase del día: "Quiero ser entendido en Cannes, pero también por mis padres" (Fatih Akin)

Otra entrevista a The Wave Pictures

2009-11-28T19:11:00.002+01:00

Igual que hay grupos a los que tienes la oportunidad de ver dos veces en un año (o más), con algunos incluso te ofrecen entrevistarlos también dos veces en apenas seis meses y para el mismo medio. Después de la de abril, esta vez me encontré con la banda al completo en los camerinos de Expocoruña, donde tocaron a finales de septiembre en el Daisy Market. Ayer se publicó en La Luna de Metrópoli. Aquí, un extracto de algunas de las cosas que me contó David Tatterstall.

-Definitivamente, va más gente a vernos en España que en nuestro país. No sabemos por qué es así, ha sucedido de forma muy natural. La primera vez vinimos con Darren Hayman, que nos llevó de gira con él. Luego volvimos, hicimos un tour por nosotros mismos, salió nuestro disco anterior con muy buenas críticas. Parece mucho más difícil para la gente en Inglaterra que sea capaz de pensar por sí misma de ese modo, que les gustemos sin mucho hype ni nada de eso.

-Siempre es difícil saber qué cosas van a acabar siendo útiles para tu música y cuáles no, o decir cuáles de esas cosas las descubres para ti mismo y cuáles para lo que estás haciendo. Realmente me encanta la música española de guitarra, especialmente Manitas de Plata, de Andalucía, el disco de Veneno.. pero no voy a hacer algo tipo Paul Simon, de llevarnos a músicos flamencos a tocar en nuestro próximo álbum. Seguiremos haciéndolos como los estamos haciendo. Al final todo está influido por el rock and roll norteamericano e inglés, es la tradición en que nos movemos.

-Bruce Springsteen no es uno de mis artistas favoritos, aunque lo fue cuando era joven. La intención del proyecto “Bruce Springsteen Tribute” era ver si algún sello estaba preparado para hacerlo. Realmente nos gusta trabajar, grabar, tocar… en un mundo ideal podríamos hacer un disco cada mes, pero el problema es que no hay demanda del mercado. Lo de Bruce Springsteen fue simplemente una oportunidad para tocar y grabar algunas canciones que nos gustaban, fue divertido. A John Jarvis, del sello Where Its At Is Where You Are le gustó la idea de distribuir 300 copias de lo que fuera en un 7” compartido con Darren Hayman y regalar un álbum dentro. Bruce Springsteen no es un favorito absoluto, pero me gusta mucho.

-Cuando Franic y yo empezamos a tocar hacíamos muchas canciones de Jonathan Richman, pero también de Dire Straits que aprendimos en un libro de acordes de sus grandes éxitos. También los Rolling Stones. Los discos de Jonathan Richman me encorajinaron a escribir mis propias canciones y cantar.

-Me encanta tocar con Darren Hayman, ha compuesto grandes canciones, es amigo, y es un placer y un privilegio tocar con él. Lo mismo sucede con Stanley Brinks, pero no hay mucha gente así.

-Creo que empieza a hacerse necesario que hagamos un disco más similar a nuestro show en vivo. Ahora me doy cuenta de que hay una discrepancia entre ambas cosas y que los directos son más fieles a nosotros mismos que las grabaciones. (Reflexionan entre ellos) Supongo que los solos largos de guitarra y los momentos más ruidosos son más para el directo, y cuando lo grabas es normal que lo acortes.
-(Jonny Helm) Franic y David se pasan mucho tiempo pensando en la producción, pero cuando tocamos juntos ante un público excitado eso es muy divertido y te lleva a seguir tocando así, es algo muy natural. Cuando grabas no hay nadie mirándote, es una forma diferente de hacer música.

-¿Qué Jesús Llorente dice que si fuésemos bordes y nos drogásemos seríamos súper estrellas? Creo que hay un elemento de verdad en lo que dice. Hay muchos artistas que se comportan siempre en el escenario con una pose extremadamente seria y vistiendo ropa ridícula, muy pomposos, actúan literalmente delante de la gente. Nosotros no sabemos hacerlo, hemos ido a la universidad, somos un poco más listos, somos majos y agradables, que me parece algo tan importante tanto si estás en una banda como para tu vida en general. Creo que a veces el público no se toma la música tan en serio como si actuásemos como una banda de rock and roll, es el precio de no chutarnos heroína o actuar en el escenario como Iggy Pop, pero es que a mí eso no me sale: solo soy un ser humano normal (risas de los otros). A veces cuando estamos en el backstage de un festival y vemos a la gente caminando por ahí como cacatúas, con pelos ridículos y ropa con la que no podrían ir a ningún sitio que no fuera estar en una banda, nadie les daría trabajo a esta gente.

-Escribo mucho y mantengo muchas canciones pereparadas para tener un amplio repertorio de directo, es algo muy importante para mí.

-Las cosas que me inspiran, que me llevan a escribir canciones son las canciones de otra gente, además de películas, libros, más que algo que tome directamente de la vida real. Suele ser otro arte el que me incita a escribir cosas. ¿La última vez que me ha sucedido? He estado viendo varias películas de John Cassavettes, como “Shadows”. No me ha inspirado de una forma directa ni obvia, pero viéndole hablar en los extras del dvd, por ejemplo, me incitó a escribir, tampoco es que quisiera hacer algo parecido a eso, pero sí hacer algo, funciona así. Nada que ver con las historias de sus películas ni su vida. Pero en las canciones no encontrarías nada por lo que las pudieses relacionar de ningún modo con ello. Igual que hoy, íbamos escuchando a The Mountain Goats en el coche y también me ha dado ganas de componer algo: simplemente las cosas buenas te incitan a querer hacer otras cosas buenas, aunque eso no se relacione estilísticamente, igual que escuchar a Dire Straits nos incitó a tocar juntos. Cada vez que escucho una buena canción me da ganas de componer.

-Cuando nadie nos escuchaba simplemente queríamos seguir haciéndolo porque sí, porque nos gustaba y nos divertía. Es muy fácil crear cosas cuando nadie te presta atención, e incluso es probable que ese sea tu mejor material, porque lo haces por la mejor razón. Otra más sincera: antes también hacíamos otras cosas al mismo tiempo, estábamos en la universidad y hasta que terminamos no pudimos dedicarnos a la música a tiempo completo. No hemos sido unos artistas luchadores en ese sentido, sino que éramos chavales universitarios con una banda, como cientos. Ahora vivimos de la música desde hace seis meses, aunque Johnny todavía trabaja.

-Yo haré un álbum en solitario para vender en los conciertos, Franic y yo también tenemos un proyecto en solitario, nueve canciones con un violinista, mandolina y guitarra acústica, un álbum muy triste. También habrá un álbum de Wave Pictures el año que viene, diez nuevas canciones que estamos tocando en directo en estos conciertos más que las de “If You Leave It Alone”, saldrá solo en vinilo y descarga, esperamos que en marzo.

Lo mejor de la década, según Heineken.es

2009-11-28T19:02:00.002+01:00

Especial completo, aquí

Canción del día: "My Girls" (Animal Collective)

Frase del día: "¿Puede el cine cambiar el mundo? Espero que no, porque la mayor parte del que se hace es de derechas" (Ken Loach)

Last Dance

2009-11-19T14:35:00.003+01:00

"Ha sido un placer… ¡hasta siempre!

Tal y como anunció ayer FIB Heineken en comunicado de prensa, nos desvinculamos definitivamente de él. Motivo por el cual os hacemos llegar esta carta a modo de despedida.

Han sido 15 años dedicados a poner en marcha y desarrollar un proyecto que comenzó como un sueño y que poco a poco se ha ido convirtiendo en uno de los festivales de referencia dentro y fuera de nuestras fronteras, superando todas nuestras expectativas. Experiencias de todo tipo, positivas y adversas, han jalonado un camino no siempre fácil de seguir pero estimulante y lleno de nuevos retos, en el que hemos contado con la compañía adecuada: un equipo humano al que agradecemos todos sus esfuerzos en pos de los objetivos que nos hemos ido marcando.

No obstante, ha llegado el momento de comenzar una nueva etapa en la que, a buen seguro, nos involucraremos en nuevos proyectos que estarán relacionados, de una u otra forma, con la gestión cultural.

Desde aquí, queremos agradecer el apoyo prestado a todos los que nos han ayudado a hacer realidad el Festival Internacional de Benicàssim, y especialmente al Ayuntamiento de la ciudad, a la Diputación de Castellón y a la Generalitat Valenciana; a los distintos patrocinadores que han confiado en nosotros todos estos años, especialmente a Heineken; a los proveedores como Sold Out, a los medios de comunicación; y muy especialmente a los asistentes, a los grupos y a Luis Calvo y Joako Ezpeleta. Le deseamos al Festival la mejor de las suertes para las ediciones venideras”

José Luis y Miguel Morán

Canción del día: "Come Saturday" (The Pains Of Being Pure At Heart)

Frase del día: "Una de las cosas más feas de morirse es que Oliver Stone puede hacer una película sobre tu vida" (Fran Gayo)

"Celda 211", de Daniel Monzón. In the mood for hate.

2009-11-14T14:16:00.002+01:00

Peliculón, sin apenas paliativos (o si los hay, los perdono). Basándose en la novela de Francisco Pérez Gandul, Daniel Monzón y el co-guionista Jorge Guerricaechevarría han construido una tragedia carcelaria capaz de mantener en vilo al espectador y, al tiempo, incitarle a pensar. A partir de la situación de un funcionario de prisiones novato que se ve encenrrado sin querer junto a los reclusos más peligrosos en el momento en que estalla un motín, la historia se va desarrollando a ritmo de thriller sin que ésta deje de ser una mera excusa para contar otras cosas.

La más evidente es la crítica al sistema penitenciario, plasmada sin el esteticismo de las pelis carcelarias de Hollywood: la violencia que se describe es realista y visceral, una violencia real como respuesta lógica a la violencia estructural del sistema. También, el drama personal del protagonista (ayudado por una manipulación emocional extrema reflejada en el personaje de su esposa embarazada y en diversos flashbacks de su vida anterior), su historia de amistad con el recluso Malamadre (yo también opino que es la mejor interpretación del gran Luis Tosar) y, sobre todo, la transformación psicológica con la que se nos va llevando al espectador paralelamente a la de Calzones, el funcionario infiltrado a su pesar, que irá descubriendo cómo la visión de las cosas varía según la situación en que te encuentres y, bueno, otro tipo de aspectos que prefiero no desvelar.

Brillan en "Celda 211" todas las interpretaciones (además del soberbio Tosar y un contenido Antonio Resines, el convincente desconocido Alberto Ammann y secundarios de lujo como Luis Zahera, Vicente Romero o Carlos Bardem). Brilla también el trepidante ritmo narrativo, que no deja respiro. Y un comentario social que, como bien dice el director, no se define por los gestos o por los discursos sino por la propia acción de los acontecimientos. La visión de la clase política (con la hábil introducción de tres presos etarras por enmedio) es tanto o más demoledora que la de su retrato de las estructuras de poder en el mundo penal.

La peli te engancha de tal manera que incluso te lleva a perdonar algunas licencias históricas o de guión un tanto cantosas. Por ejemplo, si se ambienta en la España de Felipe González, entonces no había teléfonos móviles; y si lo es en la España actual, no estaría mal meter a algún recluso del Este de Europa. La otra, el excesivo esquematismo del personaje de Resines, cuya hijoputez es tan exageradamente grotesca que le lleva a hacer cosas tan poco creíbles como quitarse el traje y la corbata y vestirse de antidisturbios para salir a dar hostias.

Al final, ignoro si era su cometido, pero te acabas cagando tanto en todo, tanto te subleva la película, que sales a la calle con ganas de quemar contenedores.

Canción del día: "Death Bells" (Soulsavers)

Frase del día: "Nadie podría vivir con quien dijera siempre la verdad" (Mark Twain)

"El secreto de sus ojos", de Juan José Campanella. Cadenas perpetuas.

2009-11-12T14:59:00.002+01:00

En toda su filmografía argentina -incluso en obras menores como "Luna de Avellaneda"-Juan José Campanella se ha confirmado como uno de los más hábiles manipuladores de la emoción dentro del lenguaje cinematográfico. Sin que eso se deba leer como algo peyorativo; se puede manipular bien o mal, con gusto o sin él, moral o inmoralmente, y el autor de "El hijo de la novia" suele normalmente salir bien parado. Guiones que enganchan, buenos diálogos, personajes bien perfilados y Ricardo Darín como actor fetiche permanentemente solvente son los recursos que hacen tener siempre ganas de ver una peli de Campanella, garantías de que no has perdido el tiempo ni el dinero.

Pero, de todas ellas, (y eso que "El hijo de la novia" también me gustó bastante) es "El secreto de sus ojos" la que muestra mayores cotas de excelencia, la perfección de su estilo. En su narración de una obsesión que contiene otras obsesiones, contada en flashbacks y que abarca 25 años, parte de una estructura de historia de intriga aderezándola continuamente con romanticismo, humor e incluso una muy tangencial y sutil crónica política sin que nada de ello quede forzado.

Cierto es que hay algunos detalles a nivel de guión poco creíbles (ignoro si en la novela original existían también) y también algún tópico almibarado en la historia de amor (¿realmente era necesaria otra escena de chica-corriendo-detrás-de-un-tren-y-manos-que-se-tocan-tras-el-cristal?), pero todo eso se perdona al convivir tan de cerca con la extrema dureza de la historia principal: la búsqueda del violador y asesino de una joven y la relación que se entabla con un hombre destrozado, el novio de ella; todo ello en el entorno de la dictadura argentina.

Visualmente, me ha sorprendido mucho una secuencia, la que se desarrolla en el estadio de fútbol, cuyo ritmo y audacia visual se contrapone completamente al tono general de la película, filmada de modo absolutamente clásico. Y a sabiendas de que el mayor festín para los espectadores va a ser el constante intercambio de miradas, silencios y palabras que no parecen importantes pero lo son muchísimo entre Darín y Soledad Villaamil, que redefinen con una extraña naturalidad los tópicos de parejas de detectives a su pesar en una constante tensión romántica no resuelta. Nos hipnotizan y, una vez más, nos llevan a su redil por la vía de la emoción.

Gran película.

Canción del día: "All For The Best" (Thom Yorke)

Frase del día: "La fama es el castigo que Dios manda a los artistas" (Alejandro Sanz)

"El Imaginario del Doctor Parnassus", de Terry Gilliam. Recuperando la genialidad.

2009-11-10T11:34:00.002+01:00

Aunque se esté recibiendo con cierto escepticismo, la nueva película de Terry Gilliam recupera los mejores elementos del más inspirado ex Monty Python y juega con ellos para deslumbrar con un crisol de referentes que, sin ser ninguno del todo novedoso, sí te vuelven a ilusionar de nuevo.

Y el ilusionismo es, precisamente, el arte que el cineasta vuelve a practicar con la máxima pericia desde el momento en que nos muestra un carromato de atracción de feria como de hace dos siglos a la puerta de un pub londinense lleno de borrachos para invitarnos a pasar al otro lado del espejo. La reconocible exuberancia visual de Gilliam alcanza aquí nuevas cotas (los efectos digitales y los colores están tan sobrecargados que, por momentos, parece que los personajes se cuelan en una peli de animación), con incluso influencias dalinianas en muchos momentos. Mientras, en el lado "real" del espejo nos muestra los contrastes entre un Londres lleno de riqueza y modernidad y otro más lumpen.

Pese a cierta tendencia moralista (que, en realidad, lo que hace es afinar los enlaces con las tramas de las fábulas clásicas), no falta en "Doctor Parnassus" el humor negro y el punto retorcido de las mejores obras de Gilliam, que nos va conduciendo gradualmente hacia una confusa parábola sobre Tony Blair (!!?). La crítica social no se queda sólo ahí, ya que hay también un ácido comentario sobre los vínculos entre el pijerío británico y el buenrrollismo benéfico de foto de portada (siempre con niños incluidos, claro), las mafias rusas y la violencia/ control policial; todo ello siempre en un entorno esperpéntico, reutilizando el surrealismo como arma de subversión y de incitación al pensamiento.

Otro de los grandes logros del film es su hábil reescritura del guión debido al fallecimiento de Heath Ledger. El hecho de reconvertirlo en un personaje polimórfico que, sucesivamente, se convierte en Johnny Depp, Colin Farrell y Jude Law aumenta la sensación de absurdo, aunque la interpretación de Ledger (gran pérdida, porque iba camino de convertirse en un actor superlativo) es bastante superior a los cameos del trío de sustitutos. No obstante, hay otro trío que es el que ayuda a engrandecer la peli: Christopher Plummer, encarnando a Parnassus en una de las mejores interpretaciones de su larga carrera; Tom Waits, tan propio en su papel de Diablo que parece que sea el Diablo interpretando a Tom Waits; y el descubrimiento de Lily Cole como nueva musa del fantástico (será la Alicia del "Phantasmagoria" de Marilyn Manson), con esa belleza absolutamente paranormal.

En fin, una gozada completa y la mejor película de Terry Gilliam desde "El rey pescador". O sea, su feliz recuperación tras casi veinte años dando tumbos.

Canción del día: "Crystalised" (The XX)

Frase del día: "Tus piernas deberían estar colgadas en el Museo del Jamón" (Pablo Motos a Shakira)

El Patachim, según Xabier R. Blanco

2009-11-08T20:17:00.002+01:00

Artículo en Xornal de Galicia

Canción del día: "El amante de fuego" (Mecano)

Frase del día: "En España es difícil ser mujer" (Victoria Beckham)

Entrevista a Andy Fletcher (Depeche Mode)

2009-11-06T21:40:00.002+01:00

Cuatro años después de la mítica (al menos para mí) entrevista que le hiciese a Dave Gahan, he vuelto a tener otra con un miembro de Depeche Mode. Como prueba de que, paralelamente a la evolución de la crisis musical, los privilegios han bajado, ésta vez fue a su miembro menos relevante y no media hora en persona en un hotel parisino como en aquel caso, sino 15 minutos por teléfono. Hoy sale publicada íntegra en La Luna de Metrópoli. Recomendable también el "flashback" conciertil que ha escrito el compañero Lenin.

Canción del día: "Programa en espiral" (Aviador Dro)

Frase del día: "Yo no soy un hombre, soy Eric Cantona" (Eric Cantona)

Entrevista a Joe Crepúsculo

2009-11-03T13:02:00.002+01:00

Este viernes se publicó en Metrópoli la entrevista que le hice a Joe Crepúsculo a finales de septiembre, cuando estuvo en Coruña, tocando en el festival Daisy Market. El concierto fue bastante olvidable, pero guardo un buen recuerdo de esa agradable tarde junto a los ventanales del Playa en compañía de Crepus, Sergio de Thelemáticos (el co-productor del disco y su acompañante en directo) y el factótum del sello Discoteca Océano y compañero en el periodismo, Félix Ruiz. Esto fue parte de lo que deparó:

¿Por qué se titula "Chill out" el nuevo disco?
Es un título que hace referencia a su estilo, es un disco oscuro que va como por debajo de los otros en cuestión de contenidos. Quería darle un sentido como de enfriamiento, como de esas perversiones que hacen con el chill out, que es como hacer análisis de cadáveres como el que hacen con el Hotel California, como de una forma muy esperpéntica. Muy acertada o no, mi idea era darle esa intención.

¿Como de desfigurar las canciones?
Las canciones siguen siendo similares, lo que quería era deformar la forma. Supercrepus era más de cara al sol, y éste tiene más cristales y espejos.

En tu myspace te defines como trovador tecno, pero este disco es más orgánico, más complejo instrumentalmente, ¿no?
Es una evolución, querer hacer cosas diferentes e ir cambiando. La proporción de temas tecno sigue siendo parecida, hay como tres canciones de cada diez. Me apetecía grabarlo con baterías, hacer un cambio, que sonara mejor todo.

¿Cómo vais a llevarlo al directo?
Ahora Sergio y yo tenemos que ponernos las pilas, reformaremos todo el repertorio y tendremos que darnos de cabeza, porque queremos mantener el mismo formato y ver qué nos apetece tocar del nuevo y cómo.

Me sorprenden esas guitarras aflamencadas o con punto de rock urbano o que recuerdan a, no sé, Joaquín Sabina, sin complejos. Es algo que en la escena indie va a levantar sarpullidos.
Es que lo del indie, es que yo no soy indie, no tengo nada que ver, ni lo escuchaba en su momento ni ahora, así que lo que diga la gente del indie me da igual. A mí me gustan Dire Straits, Pink Floyd con David Gilmour, aunque a Sergio le dé por el culo.
(Sergio) A mí no me gusta, de hecho ese tipo de guitarras es lo que más odio del mundo, pero ahí están… están ahí, y no sé si son dolorosas para el corazón de alguien… están ahí para bien y para mal, no sé.
(Crepus) Si les duele a los indies mejor cuanto más les duela, a ver si así dejan de escuchar lo que oyen.
(Sergio)Me mola lo del rollo Sabina, esa comparación ya me parece extrema (risas)

Pero la voz sigue teniendo como ese punto amateur, descuidado, ¿no?, me recuerda a cuando pusieron a cantar al propio Sabina en plan como era él en "19 días y 500 noches"
Ah, ¿sí?, pues yo pensaba que sonaba mejor y que está mejor cantado. Creo que ahí estás equivocado. De hecho, suena mejor porque está grabado con micros mejores. Y cantado… igual está un poco más susurrado, pero al final yo creo que afino un poco mejor que los anteriores. No voy a cantar nunca como Frank Sinatra, pero dentro de mí hay cosas, no espero cantar como un ángel.

Entonces no hay un descuido premeditado.
En este disco no lo ha habido. En los otros igual por cómo sucedió, era producción mía, pero ahora queríamos sonar bien y creo que lo hemos conseguido. Otra cosa es la voz, pero es que si no canto bien..., es mi forma de cantar e intento utilizarla como una herramienta lo mejor que puedo.

¿Eres más directo ahora en lo que quieres comunicar?
Yo creo que no he cambiado demasiado. No ha pasado tanto tiempo desde el primer disco. Hay algunas canciones trascendentales, otras menos, me sigue costando hacer letras, así que más o menos estoy igual.

En tus canciones percibo una filosofía de la vida muy vitalista e inocente
Vitalista sí pero, ¿por qué inocente? Es más bien práctico, útil.

¿Te gusta que tu música tenga un alcance popular y que las canciones lleguen directas a la gente?
Sí, muchos estribillos los he hecho pensando en que los cante mucha gente en un bar como "Diridi daradá" o "Momentos bestias", que me parece también un poco desagradable ver a mucha gente cantarlas en un sitio, y por eso me gustaba, verle ese punto. Simples algunas sí, otras no tanto. "Suena brillante" no es simple porque no sé ni yo lo que quiero decir. Normalmente me gusta tenerlo claro, incluso cuando pongo espejos, diversas perspectivas, me gusta que esté todo cerrado o a punto de cerrarse, como hacía Píndaro, el poeta griego, que partía de lo concreto, luego hacía como una especie así y eso siempre funciona, que le des vueltas y acabes en otra cosa. No sé si lo he conseguido o no, pero es lo que me mola.

A "Diriri Darara" o "Ritmó mágico" les veo un aire de verbena rave, de garito playero, en plan "Ritmo de la noche"
Sí, ilusión me hace. En una verbena bailando, si atravesamos esa barrera estaríamos en un buen punto.

Otras tienen un rollo más de canción romántica intemporal, de karaoke
Ya, es que me gustan mucho los karaokes. Cuando empezamos las giras quería ir a los karaokes de todas las ciudades. Me gustaba ver qué canciones les gustaban a la gente y cuáles cantaban. Éste es un disco hecho para un karaoke, tiene esa base, es lo que más me apetecía hacer, como Julio Iglesias (Sergio habla entonces de Eros Ramazzotti y discute con Joe, dice que no se fijó en lo que dice "Si bastasen un par de canciones" hasta que lo vio en un karaoke y que la letra presupone que esa canción contiene dos buenas canciones y entonces ambos se descojonan de lo pretencioso de la idea)

Con el "Supercrepus" hablabas de que, frente a objetivización del primer disco, buscabas una temática sentimental no necesariamente autobiográfica para acercarte más al oyente. ¿Sigues con esa idea?
Ésta es la cara oscura del "Supercrepus, la del espejo convexo", la misma visión subjetiva pero puesta a la sombra, una visión oscura y esperpéntica con formas raras. “Si no te beso”, por ejemplo, habla de un amor así como un inocentón pero en realidad habla del primer amor, del tipo que está completamente zumbado y que sabe que si no ve a la chica se va a volver loco. Eso es esperpéntico, por ese desagradable de que te falta la persona y te quieres morir porque te falta todo. Luego “Noche eterna” y “Cárcel de amor” son cosas desagradables todas. Y “Ritmo mágico” también, es una despedida, porque habla muy bien del ritmo pero también de cuando no venga. La única que no es oscurilla es “Todo lo bello es gratis”, que es una punta de lanza de la tienda de campaña del chill out, porque si no se cae todo.

Después de dos discos en un año, en éste has tardado más. ¿Costaba más que salieran las ideas?
En verdad he ido lento porque me ha costado más. "Supercrepus" se hizo en un periodo de tiempo muy corto porque todas las canciones que me salían eran buenas y no quise quitar ninguna. En este sin embargo me ha costado mucho, he recortado, no lo veía tan claro, había cosas que tuve que preguntar a un consejo de sabios que me ayudó un poco. Cada vez lo vas pensando más, o no lo sé. Cuando tenía mi trabajo llegaba a casa y me ponía a hacer, ahora me cuesta más.

¿Hay conflictos con Tarántula?
Van yendo guay las cosas, cada uno va a su manera y no hay problema. ¿Te ha molado el disco?

Sí, sí. Volviendo al tuyo, ¿hay muchas referencias ocultas como aquellas de Dire Straits o San Agustín de los anteriores?
Hay algunas pero no te las voy a decir porque no quiero que me ataquen. Bueno, te lo voy a decir pero no lo pongas: -XXXXXX- está en casi todas, es secreto, que luego vienen los de las pinzas y me las ponen en el culo

¿Quién es el coro de feligreses que canta en "Momentos bestias"?
Es así, un coro que cantaban cosas en plan “señores, la verdad” y luego se volvía rumba, algo muy bestia.
(Sergio) Justo grababa el coro allí, pero no lo digas tampoco por si lo leen.
(Crepus) Estábamos mezclando pensando en un coro góspel y nos dijeron que el domingo no podía ser porque venía un coro. Yo creía que no querían decir "momentos bestias" pero se rieron, les hizo gracia. Es como si vas a la playa y te pillas a quince personas para hacer un coro. Oye, ¿y a ti qué te parece el disco? ¿Tú eres indie de la vieja escuela?

Hombre, no sé si definirme así, pero...
Hostia, perdona lo que te dije antes, ¿son dolorosas las guitarras?

Qué va, si a mí me gusta que me rompan los esquemas
La de "Didriri Darara" mola porque metes una guitarra rock haciendo el riff en medio de un tema tecno y suena muy californiano, como de heavy metal, como zz top en los 80.Esos discos son buenos, ¿eh?, el "After Burner"...

¿Cuáles son tus grupos favoritos?
A mí me mola mucho Kiko Veneno, Bob Dylan, Fleetwood Mac, Supertramp, Dire Straits… lo que no entiendo es que cuando lo decía parecía que me estaba burlando de la gente, pero a mí me molan, tienen temazos superbuenos. No entiendo ese desprecio que ha tenido según qué sectores, parece que estaba prohibido que te molara eso, sólo te podía molar Joy Division y Sonic Youth.

Tengo la teoría de que perteneces a una nueva escena barcelonesa sin complejos ni preocupación por el qué dirán, libre en cuanto a la estética, los referentes, que se autoedita…, todo eso frente a una generación de los 90 que, en efecto, parecía que no podía salirse de esos cánones de Sonic Youth y tal, y de la que David Beef se ha enganchado a vosotros...
Yo no veo ruptura porque nunca he estado en eso ni me ha gustado. Lo de Tarántula la verdad es que Dani y Eneko tuvieron una forma de ver las cosas que se anticipaba a todo lo que vendría después. No sé si eso se dice mucho, pero fueron de los primeros en hacer eso. David parece que siempre está ahí, como si fuera el espíritu de la música, además de gran colega. Hostia, David es super guapo, a mí me mola mucho.
A ver si va bien la cosa, hacemos un nuevo orden y retiramos a muchos y les damos una patada en el culo

¿Qué importancia le das al número 1 de Rockdelux en tu carrera?
Eso ha sido esencial. Yo no estaría donde estoy ni habría tocado donde toqué ni estaría viviendo de la música si no fuera por eso. A partir de ahí me pudo conocer mucha gente. Si en lugar de eso hubiese sido número 50 todos sería muy diferente ahora. Yo siempre he visto muy raro lo de lo mejor del año, eso de hacer una jerarquía es una degeneración del espíritu de ganadores, y me da un poco de miedo que la música dependa tanto de eso. Si yo ahora estoy viviendo de esto, estoy muy agradecido, pero me da un poco de cosita tener que depender de que venga un pavo y te ponga en el 83 o en el 15. También supongo que influye que Supercrepus entró en el momento adecuado, RDL llevaba tiempo dándoles el número 1 a gente clásica, e igual de sacar el disco unos meses antes o después seguro que no habría salido. Eso es lo que da miedo de la música como forma de vida. “Esto es el número 15”, es cartesianismo puro”.

Pues para terminar ese clásico, ¿proyectos más inmediatos?
No sé, yo no quiero parar de hacer cosas, y no me voy a contentar con ir tirando, quiero ir a más siempre, cambiar, evolucionar y a ver si le damos forma a este asunto. A ver.

Canción del día: "Last Dance" (The Raveonettes)

Frases del día: "No hago telebasura, sino neorrealismo televisivo"/ "Desde que me dieron el Ondas no paro de llorar" (Jorge Javier Vázquez)

Hoy toca Paula Frazer en Madrid

2009-10-23T16:29:00.005+02:00

Y es una artista muy recomendable. Será esta noche a las 21.30, en La Casa de los Jacintos, y creo que cuesta 6 euros.

Disco del mes: "La superbe", de Benjamin Biolay

2009-10-23T14:49:00.002+02:00

Y... ¿disco del año?

Canción del día: "La superbe" (Benjamin Biolay)

Frase del día: "Si me dan a escoger entre Dios y el aire acondicionado, me quedo con el aire" (Woody Allen)

La década cero

2009-10-22T19:41:00.003+02:00

Sigan algunos de los mejores momentos musicales de la década que termina, a razón de un momento por día, en La Década Cero.

"Let's Get Lost", de Bruce Weber. Persiguiendo sombras.

2009-10-22T13:14:00.002+02:00

El primer recuerdo que tengo de Chet Baker es un póster con una de aquellas célebres fotos de William Claxton. Estábamos haciendo el tonto en casa de una amiga y uno de mis colegas grababa una y otra vez improvisaciones (de monólogo de humor) diciendo "William Claxton". "Chet Baker". ¿Habría existido Chet Baker sin William Claxton? O, más aún, ¿habría existido William Claxton sin Chet Baker? ¿Habría existido Toulouse-Lautrec sin Jane Avril, y viceversa? ¿Se habría atrevido Bruce Weber a hacer "Let's Get Lost" sin la existencia previa del icono Baker creado por Claxton, el joven trompetista de jazz como símbolo de una América joven y cool, como otro James Dean que, en forma de aquellos humeantes retratos en blanco y negro, parecía permanecer tan inmarchitablemente bello como un tiempo pasado?

Bruce Weber comienza "Let's Get Lost" entrevistando precisamente a Claxton. Parte del mito de aquel joven Baker como referencia para ver con mejor perspectiva su propio retrato. Aquella belleza es posteriormente filmada por Weber en su decadencia, casi construyendo una convulsa (y también un poco perra) elegía en vida, aunque la muerte del músico está muy próxima. Como si Weber fuese consciente de que estaba captando las últimas imágenes de Baker, meses antes de que se tirase por la ventana de un hotel en Amsterdam. Envejecido y arrugado, derrotado, drogadicto y culpable, Baker se muestra como el retrato real de Dorian Gray, el rostro del cuadro, mientras que el joven que selló su pacto con el Diablo sigue correteando en las viejas imágenes, en las fotos de William Claxton, o rodeado de coches y chicas mientras disfruta el sol californiano de los inmarchitables años 60.

Como en "El perseguidor" de Julio Cortázar, en películas como "El hombre del brazo de oro", "Bird" o "Alrededor de la medianoche", la belleza y la turbiedad de la edad dorada del jazz despiertan una inevitable fascinación. Como si esa persecución casi obsesiva de lo que hay más allá de la racionalidad, esa búsqueda de la belleza absoluta, de una nota invisible que quede suspendida en el tiempo y lo colapse todo, fuese unida a la degeneración física y psicológica del individuo que efectúa esa búsqueda. Y, más aún, de todo el entorno que le rodea. Porque "Let's Get Lost", además de esas otras obras citadas, no habla de jazz, o no solamente: hablan del gran engaño que supone pensar que la obtención de las más altas cotas de belleza en el arte nos harán mejores personas, que lo sublime nos hará felices, tanto a nosotros como a la gente que queremos. Que componer o interpretar el tema más hermoso del mundo te exculpará de ser el mayor de los hijos de puta. Es como pensar que Dios y el Diablo son diferentes y contrarios, cuando esta película demuestra lo fraudulento de esa idea.

Pero al final, Chet Baker sólo es una excusa para que el también autor del videoclip de "Being Boring", de Pet Shop Boys, refleje en forma de poema visual su visión nostálgica de la juventud antes de ser perdida, de aquel tiempo en que, como dice la canción, "we were never holding back or worried that time would come to an end".

Una visión de lo perdido que se hace necesaria y complementaria del demoledor retrato de la persona/artista consumido por la vida y los errores, frágil y vulnerable en el que parece su lamento final, su epitafio, cuando Weber le filma interpretando "Almost Blue" de Elvis Costello:

"Almost blue/ Almost doing things we used to do/ There's a girl here and she' s almost you/ Almost all the things that your eyes once promised/ I see in hers too/ Now your eyes are red from crying.
Almost blue/ Flirting with this disaster became me/ It named me as the fool who only aimed to be.
Almost blue/ It's almost touching it will almost do/ There's a part of me thats always true...always/ Not all good things come to an end now it is only a chosen few/ I've seen such an unhappy couple
Almost me/ Almost you/ Almost blue".

Almost Blue

"Let's Get Lost" está todavía en algunos cines españoles, donde se ha estrenado veinte años después. El 18 de noviembre sale a la venta en DVD en edición deluxe.

Frases del día: "Sé fiel hasta la muerte" (Apocalipsis, 2, 10)/ "O Make Me A Mask" (Dylan Thomas) (utilizadas como prefacio de "El perseguidor" por Julio Cortázar)

"Moon", de Duncan Jones. ¿Estamos solos en la galaxia, o acompañados?

2009-10-21T16:19:00.002+02:00

El debut como director de Duncan Jones (que es el hijo de David Bowie, ya lo he dicho, y a partir de ahora es un dato irrelevante) recupera y actualiza el tono existencialista y filosófico que tenía el cine de ciencia ficción antes de que "La guerra de las galaxias" lo cambiara todo en 1977. Tres son las referencias más evidentes: "2001", "Solaris" y "Naves misteriosas": películas a ritmo pausado en las que no hay que matar a marcianitos y que se plantean grandes preguntas sobre la condición humana desde la óptica del aislamiento en la infinitud del espacio.

La alienación, la soledad, los problemas de identidad y la paranoia asolan a Sam Bell/ Sam Rockwell, un trabajador por cuenta ajena para una empresa minera, Lunar Industries, que busca energía limpia para la Tierra en el satélite. Allí, confinado en una base con la única compañía de un robot llamado Gerty (que es como HAL 9000 pero con emoticonos y la voz de Kevin Spacey) apura sus últimos días de contrato mientras echa de menos el contacto humano con su esposa y su hija..., hasta que algo se complica.

"Moon" juega con elementos conocidos de este tipo de cine -y no lo disimula-, pero altera ligeramente su enfoque para no caer en el cliché y mantener la opción sorpresa, en una maniobra claramente posmoderna que, además, gana peso con su abrupta combinación de drama e ironía. En este último aspecto, me resulta muy gracioso que la canción que suena cada mañana en el despertador de Sam sea "I Am The One And Only", de Chesney Hawkes. Es ingeniosa la truculencia a la hora de articular la trama, aunque quizá la mayor pega es que llega un momento, en cuanto se produce el primer quiebro y se ponen sobre la mesa las cartas de lo que está sucediendo, en que el interés y la intriga decaen. Por otro lado, el aliento trágico del desencuentro espacio-temporal de Sam y su esposa llega a emocionar por momentos, pero no toda la película alcanza el mismo nivel de conexión con los sentimientos del protagonista (o quizá es que, simplemente, yo no tenía un buen día o no lo suficientemente malo).

Pero también es especialmente reseñable el papel de la macro empresa Lunar Industries como enemigo invisible, la gran villana de la película, cuyos responsables nunca se ven pero que comete las atrocidades más impensables mientras se anuncia en tv con cara paródicamente amable. No es tampoco nada novedoso, pero adquiere una relevancia muy actual (¡y creíble!) para conectar esta distopía con los tiempos actuales. Y magnífica, por cierto, la banda sonora, ingrávida y dramática, de Clint Mansell, que es todavía superior a la que hiciese para "Requiem por un sueño", de Darren Aronofsky.

Canción del día: "You're A Target" (No Age)

Frase del día: "Las buenas cosas son las que no funcionan nunca ni tienen utilidad. El amor, por ejemplo, es completamente inútil"

¡Haçienda somos todos!

2009-10-20T14:41:00.003+02:00

Justo cuando escribía la entrada anterior me llegaba la noticia bomba del año. No es ninguna inocentada: Sónar 2010 se celebrará simultáneamente en Barcelona y A Coruña.
Razón, aquí.

Memorias de Madchester

2009-10-20T13:32:00.004+02:00

Mientras escribía este texto me volvieron irremediablemente a la cabeza bastantes recuerdos de mi paso por Manchester y The Haçienda. Fue en el ya lejano verano de 1996, aprovechando una beca para hacer un curso de inglés que me había dado la universidad. Mi mitomanía eligió Manchester como destino para ver qué había de cierto en la arquitectura y el aire que respiraban tantos ídolos musicales.

E, irremediablemente, uno de los objetivos principales fue acudir al Haçienda, aún sin saber que apenas le quedaba un año de vida antes de cerrar para siempre y ser demolido. Recuerdo perfectamente aquel edificio de ladrillo rojo en Withworth Street West y una foto que le hice a su mítica placa de FAC 51 (luego la pegaría en uno de los números de mi fanzine de entonces, "El vómito de las ninfas"). Por dentro, sin embargo, ya había sido ligeramente reformada: aunque la estructura interior debía ser la misma, ya no conservaba aquella decoración rayada inspirada por Peter Saville.

Debí ir como tres o cuatro noches, siempre solo, aunque en una de ellas acabé coincidiendo con algunos de mis compañeros de clase orientales. Aparte del aura mítica, tampoco encontré aquellas exaltadas vibraciones de las que se habla en "24 Hour Party People". Quizá no elegí las noches adecuadas o, simplemente, no era la época adecuada. El legado "Madchester" no estaba por entonces tan reivindicado como lo está siendo ahora (hace poco leí que ahora incluso el tipo de Inspiral Carpets hace de guía en una ruta para turistas por los lugares míticos de la música de la ciudad) y la escena británica, en plena eclosión de la segunda división del britpop, vivía un momento bastante aburrido.

No recuerdo a ninguna de las bandas emergentes a las que vi tocar en la segunda sala, habilitada para conciertos (The 5th Man), excepto a unos tales Solar Race que eran tipo Hole. Vi bailar a un clon de Morrissey al son de "The Last Of The Famous International Playboys" y, como momento de mayor bajonazo, que un DJ pinchara "Are You Gonna Go My Way" de Lenny Kravitz.

Como suelo decir siempre, tus deseos muchas veces se acaban cumpliendo, pero casi siempre se cumplen tarde. Llegué tarde al Haçienda, pero aún llegué a tiempo. De matar un mito (otro más) y de hacer aquella foto de un lugar que ya no existe.

Entretanto, Peter Hook a explotar su legado mientras le dure. Aquí, un extracto del libro con sus diez momentos favoritos.

Canción del día: "I Can Be A Frog" (The Flaming Lips)

Frase del día: "El punk es amor" (Nina Hagen)

"Los límites del control", de Jim Jarmusch. "Usted no habla español, ¿verdad?"

2009-10-06T12:17:00.002+02:00

"Los límites del control" es la más radical de las películas hechas por Jim Jarmusch, pero también la más cerebral y, valga la referencia a su título, controlada. Por momentos hasta un punto excesivo. El director de "Noche en la tierra", "Bajo el peso de la ley" o "Flores rotas" ya ha explicado suficientemente el método e intenciones de su film y, en ese aspecto, no hay trampa ni cartón... ni opción a la sorpresa: es exactamente lo que dice.

Jarmusch concibe "Los límites del control" como una partitura musical, con sus variaciones y cierta repetición de elementos -todo ello aderezado, por cierto, con temas de Boris y Sunn 0)))-, algo que enseguida adquiere ese punto tan secamente hilarante que caracteriza al director. Isaach de Bankolé, cuyo personaje es impasible y metódico hasta el esperpento, es como una mezcla entre Ghost Dog y "El reportero" de Antonioni en una especie de road-movie por España. Es un hombre con una misión misteriosa que, en su camino, se va encontrando con una serie de personajes extraños, salidos como de una ensoñación, con los que intercambia una caja de cerillas con un papel dentro. Cada uno de ellos le suelta un monólogo, sobre la música, el cine, la ciencia, la bohemia o las drogas (en un tono un poco Hal Hartley), antes de que él prosiga su camino. Es especialmente reseñable (aunque ni por asomo, la mejor) la aparición de una Tilda Swinton paródicamente glamurosa que, en unos pocos minutos, le suelta referencias a Hitchcock, Welles, Tarkovski y Kaurismaki y luego se va. De todos esos secundarios, probablemente el mejor sea Luis Tosar como el inquietante "hombre del violín".

Es una fórmula ingeniosa pero, para lo que suele ser habitual en Jarmusch, al final demasiado cerrada y evidente. Sus intenciones finales (hablar de una rebelión internacional de la imaginación, el arte y la libertad contra El Poder, contra aquellos que se creen en posesión del control de la racionalidad y del mundo) quedan demasiado claras. Al tiempo, siempre deja la sensación de que el estilo se impone al contenido, lo hermético de la estructura y el concepto termina por comerse completamente la magia y las emociones. Buscando una analogía con la música, ésta película sería un ejercicio de estilo intelectual y conceptual como los de estos grupos de Southern Lord (lo siento, yo los veo así), mientras que "Noche en la tierra", por ejemplo, sería una locura visceral como las de Tom Waits.

Idea también alargada en exceso (se lleva hasta el formato largo pero se podría resumir en diez minutos) y con cierto aire de divertimento turístico que no se puede disimular, es disfrutable si uno se deja llevar por el hipnotismo visual y sensorial, arma indeleble de Jarmusch que, además, por primera vez se alía con la fotografía del gran Christopher Doyle. Entre ambos, por ejemplo, consiguen que la Plaza de San Ildefonso adquiera una inquietante extrañeza y pase a la posteridad, a la iconografía cinéfila, desde el momento en que Isaach de Bankolé se sienta en una terraza y pide dos espressos en tazas separadas hasta que Tilda Swinton le suelta que las mejores películas son como sueños que nunca sabes si en realidad has tenido.

Frase del día: ésta misma que acabo de poner.

Canción del día: "Todos los días tengo un accidente" (Joaquín Pascual)

Wire interview

2009-10-03T15:19:00.003+02:00

La semana que viene, los magníficos Wire vuelven a tocar en España después de sus espectaculares conciertos de hace un lustro. Hace unos días tuve el placer de entrevistar vía email a Colin Newman y Graham Lewis. Se publicó en el Metrópoli de ayer.

A continuación, reproduzco la entrevista completa original en inglés.

How do you evaluate these two years of touring? Are the Spanish concerts the final ones? What future plans do you have after that?
C- When we decided to go on in 2006 playing live was very much part of the equation. Of course the live scene is extremely healthy right now and in many ways the live event is more central to the "industry" right now than "albums" are but this is only partly why we like to play live. Wire has developed into a really strong live band. In the 70's & 80's we had our moments on stage but performance was never as central to the band as it is now.
We were supposed to come to Spain last year but it didn't work out for various reasons. We are easing into the development of the next cycle of material so I think there will be less live shows after October but we are always open to an interesting trip :)
G - Actually it's almost exactly 18 months since we began playing the present material and developing the present "live set". There is always a certain amount of trepidation before a new phase of live performance... This time that was increased by Bruce's absence (after his 2004 resignation) and the subsequent augmentation of the group with guitarist Margaret Fiedler McGinnis.
I feel we've gone from strength to strength live...playing more shows in this period than at any other comparable one, since the late 70s. We are coming to the end of this arc of work which included the recording and releasing of "Read & Burn 03" and the full length album "Object 47" between 2007-9. We've started planning the recording of the next album with writing underway for completion and release in 2010.
As Colin said we would have certainly visited Spain before now if it had been within our power...

I think you’re playing live more than ever. ¿Has it became more important than recording for you? Is it a necessary thing to do in order to survive as professional musicians these days?
C - Very astute David! In a word yes but still we wouldn't do it unless we enjoyed it. There is a certain intensity around touring which can become nightmarish & claustrophobic if circumstances are not good. I'm obviously speaking from experience here! I think we've really grown as a band these past 2 years and have visited some fantastic places and played to an awful lot of people AND we've been f*cking great on many occasions! What's not to like?
G - I agree pretty much with what Colin says but with the addition that development in communicative technologies and home recording have made aspects of recording process more convenient, particularly, for a group such as ours whose members live in different countries.

Have the “Object 47” songs evolved very much during the tour?
G- Inevitably there is evolution. Particularly when you start with a sonic analogue of a song to start with. There are always gradual shifts in tempo as set develops and grows. However, it's older material which evolves or devolves most!
C - Wire have always excelled at seeking out the simplest and most effective way to do almost anything. Our live sets are always built around the things we can construct the most effective analogue for. So some things we play live sound quite similar to the album and others quite different. Evolution, yes towards the end of effectiveness in performance.

I’ve seen you’re playing stuff from all your career, but can we say you also try to represent now a wider scope of sounds? During the “Send” tour you seemed to focus in a kind of wild in-your-face guitar sound…
C - These sets are very different. The "Send" set was developed as a kind of "rude awakening to Wire's continued existence". We don't need to make the same point twice. Now we try to project something which has all the power but also light and shade, myriad hues. It very much about Wire, about animating the spirit of the band on stage.
G- "Send" was a set of fast tempos,little melody, no songs, no prisoners and maximum sonic assault ALL the time... it refused to acknowledge indifference! It sounded like ONE HUGE GUITAR ON STEROIDS! This present set has wider horizons and greater emotional depth plus that aggression! ;)

Why did you choose Margaret Fiedler as your touring guitar player? Did you like her work with Laika and Moonshake? How are you feeling when playing with her?
C- We thought about playing live as a 3 piece for about 3 nanoseconds but frankly Wire has always been a 4 piece on stage. I've personally known Margaret for years. Yes Malka (Spiegel, su pareja y compañera de grupo en Githead) & I got the the 1st Laika album when it came out and their cover of "German Shepherds" is one of THE best Wire covers ever. However it was the fact that she had done 18 months on the road as a guitarist with Polly Harvey that drew us to her. We needed someone who could walk the delicate line of being part of it but not in it. She does it perfectly.
G- Margaret has adapted perfectly to the Wire way of playing. I think she's done a remarkable job... although I know she experienced sheer terror when we played the first few shows!

Can you reveal why did Bruce decide to leave the band?
C- Unfortunately not. He resigned by e.mail and declined to explain anything. It was his prerogative to leave but also ours to go on without him.
G- As Colin says only Bruce, maybe, knows why exactly... there were a lot of problems around the group at that time. With that as a background and other personal matters to resolve... he resigned...

When listening to “Object 47”, sometimes reminds me more of Githead than Wire. Do you think is there an influence of your other band? What is the opinion of Graham and Robert about Githead?
C- Oops! Unintentional, the two bands are quite separate. Normally people say it's the other way round which is really infuriating for members of Githead. Nobody wants to to be in some bloke from Wire's "side project" (well nobody in Githead anyhow!). However this is an issue that is unlikely to go away and I'm very alive to that at least in recorded material. From the Githead side the natural evolution of the band has taken the new album (Landing - out November) in a direction where actually Malka does most of the vocals. the writing has always been different to Wire. For both projects I've been really pushing towards moving away from the "cut & paste" methodology and much more towards getting as much of the stylistic signatures that are unique to each band on the records. I have no idea what Rob & Graham think about Githead, you should ask them!
G- I haven't clue what Robert thinks... and I've yet to see Githead live... so reserve my judgement. .. it's a dilemma for Colin singing in both groups with such a recognizable voice and similar line-up, it used to occur when he made solo records too

Are you still trying new material in your live shows or you’re not longer doing that?
C- We don't reveal the contents of our sets in advance.. There is a basic spine but we've put various pieces in and out of the set over these last two years. It might happen over the coming months that we are trailing stuff from the next album but we aren't there yet..
G- As Colin says we're not quite yet at the point of trailing new material...

I’ve seen some comparisons between Wire and Animal Collective. In fact, they also liked to play entire concerts with in-edit stuff (it seems they’re not doing it these days). Can you see them as a kind of followers of the Wire spirit? Do you see a Wire influence over other current bands?
C - Blimey that's a pretty massive compliment! They are a "generational definer" and they built it over a long time, two reasons to admire them! I think personally that every band that gets somewhere interesting kind of plots their own path. I feel more like where Wire belong is in a "tradition" of having a longer term viewpoint, a wider cultural perspective and a less narrowly defined ideas of success (talent helps too :) In that way we kind of connect in all kinds of interesting ways. Anyone who has been "influenced by" Wire (or any other "significant" band) in the sense that they have listened to the records way too many times in order to somehow reproduce their energy or spirit can't really be taken seriously.

In the last years, a few bands from your generation (Gang Of Four, Magazine, The Slits) are coming back just to play live, sometimes to play just one album. What’s your opinion about that? Would you accept, for example, to do a “Pink Flag” show?
C - Well, we did do the "Pink Flag" thing in 2003... As for the rest, you can't totally call it nostalgia as I'm sure there are plenty of people in their audiences who won't have been born in the 70's however they also don't do anything new as far as I can see. It's an advantage we have, people like the old stuff but also the new "One Of Us" very often gets one of the biggest cheers in our current shows. It's very gratifying to be in that situation but it's not like we haven't worked for that. Very often putting ourselves in uncomfortable & difficult situations when we could have taken the easy option.
G- We played "Pink Flag" (Wire's first LP) as one half of an evening with the then "new" "Send" as the second half at the Barbican Arts Centre, in London. We collaborated with Jake and Dinos Chapman for the Pink Flag performance, they made a video stage set, and for "Send" the extraordinary e.s.Devlin designed a fantastic set. I should mention collaborator Tom Gidley, who kept the film side of both sets on course, and Letti Collins who choreographed a suitably absurd finale for "Pink Flag" which featured 8 pink clad aerobic dancers stepping... it was great fun.

Canción del día: "Surf Solar" (Fuck Buttons)

Frase del día: "La felicidad es un accidente" (Woody Allen)

"Destino: Woodstock", de Ang Lee. Reimaginando el espejismo.

2009-09-29T12:00:00.002+02:00

Mi reseña en Notodo

Canción del día: "That's When I Reach For My Revolver" (Mission Of Burma)

Frase del día: "El sentido común se ha vuelto subversivo" (Martin Amis)

Bahman Ghobadi y los gatos persas

2009-09-22T11:17:00.002+02:00

El cineasta iraní Bahman Ghobadi, autor de la impresionante "Las tortugas también vuelan", está estos días en San Sebastián presentando su nueva película, "Nadie sabe nada de gatos persas", que, leído su argumento, me recuerda un poco a "Cruzando el puente", de Fatih Akin por su intención de retratar la resistencia de la música kurda en sociedades represivas.

En El País, Gregorio Belinchon le hace hoy esta interesantísima entrevista.

Y en Público, Carlos Prieto da su visión del asunto.

Canción del día: "Music Is A Princess" (Prefab Sprout)

Frase del día: "El mismo bloqueo emocional que convierte a unas personas en yonquis, convierte en otras a terroristas" (Marianne Faithfull)

Magia, quiromancia, patafísica y mentalismo

2009-09-20T13:17:00.002+02:00

"Puedo hacer lo que quiera,/ puedo hacer una esfera/ y viajar en su interior/ y llegar a las estrellas.
Puedo hacer que te vuelvas,/ desde dentro hacia fuera/ Puedo hacer que no haya sol,/ puedo hacer que no lo veas/ y que nadie nos recuerde nunca más.
Puedo hacer una prueba,/ puedo hacer que me quieras,/ puedo andar dentro de ti,/ puedo estar en tu cabeza/ y que no mires a nadie nunca más".

("David y Claudia". Los Planetas, 1996)

"Éste es tu teléfono en mi mano, en la de él/ quiromántico,/ va la tuya, y dejará una raya, haz de las suyas,/ quiromántico,/ quiromántico,/ quiromántico,/ quiromántico.

Este es su teléfono, poco más sé leer,/ quiromántico,/ corre, ve y dile que me enseñe la cartilla y piérdete,/ quiromántico,/ quiromántico,/ quiromántico,/ quiromántico.

Muérete, la línea llega a la muñeca,/ quiromántico./ Hace frío, y con una pluma roja le sonrío,/ y te apunto desde la fila de atrás,/ (quiromántico)/ tengo goma y borra como "las manitas",/ quiromántico,/ quiromántico,/ quiromántico,/ quiromántico".

("Quiromántico. Sr. Chinarro, 1997)

"Yo sólo quiero operarte, nena,/ será coser y cantar,/ verás que pronto crece en ti el amor,/ tejido de felicidad.
Yo sólo quiero que me quieras,/ darte una oportunidad,/ tendrás el marcapasos del amor,/ transplante de felicidad.
Yo sólo creo que estás enferma,/ tendrás la Ciencia detrás,/ verás el desarrollo del amor,/ tejido de felicidad./ Tendrás el marcapasos del amor,/transplante de felicidad.
Soy médico, cirujano patafísico,/ soy cirujano patafísico,/ y creo que lo tuyo es un mal endémico/ y yo lo voy a erradicar...
Sólo quiero operarte, nena,/ yo sólo quiero que me quieras,/ yo... soy cirujano patafísico".

("Cirujano patafísico". Chucho, 1999)

"Te he estado observando/ atentamente,/ siempre estás discutiendo/ con tus pretendientes.
Y no sé si me toca a mí,/ pero en fin,/ alguien tendrá que decir/ que no tienes razón.
No pongas esa cara,/ que está muy claro./ Tanto arquear las cejas,/ te va a dar algo.
Y total,/ tanto discutir,/ al final te darás cuenta/ de que ya piensas como yo.
Riqueza mental,/ yo te voy a dar riqueza mental,/ vamos a hablar de la riqueza mental.
Riqueza mental,/ yo te voy a dar riqueza mental,/ vamos a hablar de la riqueza mental.
Lo ves como ahora todo/ tiene sentido./ Pues así va a ser siempre/ que estés conmigo.
Y mejor si aún dudas de mí,/ encantado de volverte a explicar lo mismo,/ paso a paso estos silogismos,/ vamos a perseguir la riqueza mental.
Riqueza mental,/ yo te voy a dar riqueza mental,/ vamos a hablar de la riqueza mental.
Riqueza mental,/ yo te voy a dar riqueza mental,/ vamos a hablar de la riqueza mental.
Riqueza mental ..."

("Riqueza mental". Astrud, 2001)

Magia, quiromancia, patafísica y mentalismo. Cuatro puntos cardinales en otras tantas canciones emblemáticas del indie-pop en castellano en dirección única a un mismo destino. Casualidad o no, obsesión generacional o no, sospechas de un mismo fluir de la comunicación entre los cuatro artistas, tal vez. El caso es que en estos cuatro textos se trazan unas líneas comunes, unos ingredientes que llevan a pensar en la canción pop perfecta.

J., Antonio Luque, Fernando Alfaro y Manolo Martínez se sitúan desde un mismo punto de vista: el de un personaje que, a sabiendas de que nunca podrá obtener al sujeto de su deseo por las leyes de la racionalidad y la lógica, se encomiendan a lo esotérico. Todos ellos presumen del dominio de un arte sobrenatural, son como superhéroes con sus superpoderes y saben que, de esa manera, eso no va a fallar.

Pero cada caso tiene sus peculiaridades: J. rompe algo de misterio al haber declarado que "David y Claudia" está basada en David Copperfield y Claudia Schiffer, revelación que le resta encanto a la canción por lo repelente de ambos personajes y porque eso puede evitar la identificación del oyente. Si se olvida este factor, el bombazo emocional es irrefrenable y la idea sigue estando detrás: sólo él pudo conquistarla porque es un mago.

En el caso de Sr. Chinarro, es una letra tan retorcida y críptica que no me atrevo a escribir que realmente tenga algo que ver con esta temática común, pero siempre he querido pensar que sí. En este caso, en el arte de leer el futuro en las líneas de las manos está el poder del personaje, no sólo de anticipar lo que va a pasar sino también de borrarlo.

El que más riza el rizo es Alfaro, ya que él apela a la patafísica, una ciencia inexistente ideada de forma paródica por unos artistas vinculados al surrealismo, dedicada al estudio de las soluciones imaginarias y las leyes que regulan las excepciones. Para él, pues, la forma de conseguir a la mujer amada es operándola desde la ciencia de la imaginación.

El personaje de Martínez lo hace desde el poder de su mente. Como Uri Geller doblando cucharas, una gran fuerza le llevará a doblegar la voluntad de su víctima para conseguir que esté con él.

Víctimas, efectivamente. Tras el flash enternecedor que, a primera escucha, te lleva a solidarizarte con el protagonista masculino de estas canciones, a desear abrazarle o algo así por ver su frustración ante cómo son las cosas en su vida real y querer transformarla en algo metafísico, artístico, excepcional, contrario a las leyes de este mundo para obtener la felicidad. Suena bonito, suena brillante, sí, pero rascando tras esa capa conmovedora nos encontramos una actitud de búsqueda de nuevas formas de dominio para hacerse con la presa, incluso de forma cruel.

"David y Claudia" es, en realidad, toda una celebración de ese tipo de dominio. "Puedo hacer que no haya sol, puedo hacer que no lo veas". "Puedo andar dentro de ti, puedo estar en tu cabeza y que no mires a nadie nunca más". David enamoró a Claudia, sí, pero ella es ahora una cautiva, una paloma dentro del sombrero del mago, y que -como en los otros tres temas- no tiene voz ni voluntad dentro de la canción (lo cual no quiere decir que no se le atribuya, sino que, simplemente, está en otra parte, fuera de plano, fuera de esos tres minutos y pico).

En "Quiromántico", dentro de ese cripticismo, se ven rasgos de esa superioridad ya típica de las canciones de Chinarro, cuyo personaje en ningún momento muestra síntomas de vulnerabilidad. El uso de las palabras "piérdete" y "muérete" combina el humor del fuera de tono con la violencia verbal.

"Cirujano patafísico" es la más vulnerable de las cuatro canciones. Desde mi tentación de juzgar a los personajes, creo que el de Alfaro es el que más se merece el amor de la persona deseada. Él simplemente cree que ella no le corresponde porque sufre una especie de enfermedad que él se ofrece a curar. La solución, el remedio, no se lo impone: le pide a ella que lo acepte ("yo sólo quiero operarte, nena"), poniendo de manifiesto la dificultad incluso de que ese primer paso se produzca. El poder en esta canción es de la mujer, y él, encima mediante una ciencia que no existe, no busca imponer nada, sino simplemente encontrar un plano de igualdad con ella en el que se construya un tejido de felicidad mutua.

Martínez, en cambio, no es que opine que la chica está enferma. Su problema es que es... debil mental. Y él, de nuevo desde su óptica de superioridad y con su humor característico, le dice que sólo podrá dejar de serlo cuando esté con él porque él precisamente le puede aportar todo lo que le falta a ese nivel.

En los cuatro casos acabo siempre pensando lo mismo: el personaje se quiere creer todo lo que está cantando pero, en el fondo, sabe que es imposible. Tras abandonar el plano de la abstracción mágica, una vez que la canción haya finalizado, en cuanto se baja a la vida real todo va a seguir siendo el mismo mierdoso valle de lágrimas. Y, o te lo curras ahí o te evades con la fantasía. Y en eso radica el poder de las canciones.

Canción del día: "Higher Than The Stars" (The Pains Of Being Pure At Heart)

Frase del día: "El cine digital no es más que vídeo. Eso que lo utilicen en las telenovelas" (Quentin Tarantino)

"Malditos bastardos", de Quentin Tarantino. La única solución vuelve a ser la venganza.

2009-09-15T13:30:00.002+02:00

"Inglourious Basterds" (que se debería traducir más o menos como "Malditous basterdos", y eso tiene su razón de ser) es Tarantino en estado puro, la nueva genialidad de un gran trilero que ha reutilizado magistralmente casi todos los recursos del cine de género para romper y dinamitar todos los géneros y construir un nuevo género en sí mismo.

Tienen toda la razón quienes han dicho que ésta es la película más audaz nunca hecha sobre la Segunda Guerra Mundial. Arranca como un spaguetti western, pero luego Tarantino se olvida de eso y pasa a ser una inesperada, inteligente y cachonda reflexión de metacine -por supuesto, en las antípodas de las irritantes pedantadas en que la mayoría de "autores" incurren cuando hacen metacine- y para la que se toma radicalísimas licencias de, digamos, adecuación histórica. Y no, no estamos hablando de anacronismos a lo "María Antonieta" de Sofia Coppola, sino de -espero que no os lo haya arruinado el spoiler decisivo- ALGO MUCHO MÁS RADICAL.

Pero lo mejor de la peli es que, a pesar de la ligereza de determinadas licencias, el director busca algo tan inusual para un film de Hollywood como la precisión absoluta en el uso del idioma. Hay muy pocos diálogos en inglés y bastantes en alemán, francés y alguno en italiano a cargo del reparto más internacional que ha utilizado nunca Tarantino. La función de todo esto (de los acentos, de los guiños al cambio de idioma e incluso de varios juegos de palabras difíciles de captar) es fundamental y me hace pensar en cómo cojones van a pretender doblar esta peli. Supongo que aquí doblarán al castellano las partes en inglés y el resto se subtitulará, ya que cualquier otra opción será un puto desastre. En cualquier caso, aún así se pierde la diversidad de acentos en inglés, que la hay. El viernes, que es cuando se estrena, podréis salir de dudas aunque, como siempre, recomiendo la V.O. en la medida de lo posible.

Las dos horas y media se me hicieron cortísimas, en gran medida gracias al excelso sentido de la acción y del ritmo que ya conocemos de Tarantino, y a pesar de que muchos de sus recursos sean ya famosos: esas largas secuencias de diálogo que se intuye que van a terminar en un brote de violencia pero nunca se sabe cuándo ni cómo en tensión con secuencias ultra cortas, flashbacks y elipsis inesperados, etc.

Pero, y por esto también es tan fresca y disfrutable "Malditous basterdos", Tarantino se ríe de todo sin dejar prisioneros. En esta época en que se exige tacto máximo con determinados temas, vuelve a utilizar su obsesión por la venganza haciendo que unos judíos apuesten por un atentado suicida para matar a sus opresores. Qué grande.

Y otro juego habitual en sus pelis: intentar pescar de dónde viene cada nombre, cada referencia y cada guiño de cultura popular, especialmente de cinefagia. Yo creo que sólo pillé el de Yvette Mimieux y Rod Taylor. Pistas aquí y aquí

Canción del día: "Blue Skies" (Noah And The Whale)

Frase del día: "Por mi hija mato" (Belén Esteban)