Perdiendo Mi Eje

Entrevista a Jim Kerr (Simple Minds)

2012-02-11T18:22:00.003+01:00

La semana que viene vuelve a tocar en España Simple Minds, en esta ocasión con una gira diferente, titulada "5x5", y en la que sólo interpretarán temas de sus cinco primeros álbumes, es decir, los que grabaron entre 1979 y 1982. Son, sin duda, sus discos más dignos y los que mejor aguantan el paso del tiempo (aunque yo incluiría el inmediatamente posterior y el que sigue siendo mi favorito, "Sparkle In The Rain"), justo un paso antes de abonarse al rock épico, que fue lo que realmente les dio la fama. Justo estos días, además, se reeditan los cinco álbumes y volver a escucharlos es una experiencia mucho más recomendable de lo que parece: krautrock, electrónica europea, post-punk..., especialmente glorioso en "Empires And Dance", "Real To Real Cacophony" y "New Gold Dream". Otros temas, como "Theme For Great Cities", creo que en realidad no sólo nunca han pasado de moda, sino que incluso han ido adquiriendo relevancia con el tiempo (hagan una prueba: escúchenlo seguido de "Where I End And You Begin" de Radiohead y "Red Lights" de Holy Fuck). Aunque en su tiempo, confesar que te gustaba Simple Minds era algo incluso peor que un placer culpable, todo indica que quizás ya no lo sea tanto. A continuación, la transcripción completa de mi entrevista telefónica con Jim Kerr, cuya versión periodística salió ayer en La Luna de Metrópoli. "Thank you for your intelligent questions" fueron las últimas palabras que dejó en mi grabadora el hombre al que nunca entendí por qué Patsy Kensit le cambió por Liam Gallagher.

Está de moda que muchos grupos recuperen álbumes enteros en directo, pero no picando de varios, como van a hacer ustedes. ¿Cómo surgió la idea?
Empezamos a tocar las viejas canciones en pruebas de sonido y realmente nos gustó y lo disfrutamos. No estábamos seguros de cuándo podríamos tener la oportunidad de volver atrás. El año pasado, cuando EMI nos dijo que tenía la intención de remasterizar ese catálogo pensamos que la cosa adquiría sentido. Creo que nuestra carrera es muy particular, porque tuvimos ese increíble estallido de energía: en los tres primeros años grabamos esos cinco álbumes. Luego ya llegó la fase MTV y los grandes discos, pero los primeros tienen una línea muy peculiar y queríamos abrazar este concepto.

Van a tocar cinco canciones de cada álbum. ¿Las mismas cada noche o van a cambiar?
Creo que 17 ó 18 van a ser fijas, y las otras 6 ó 7 estarán abiertas a cambios.

¿Cómo se sintieron al ensayar esos temas de nuevo?
Con emociones muy mezcladas. La primera sensación era de que esto era algo extraño: no parecían canciones viejas, sino muy contemporáneas. No era como volverte a poner una chaqueta antigua de la que te sientes avergonzado. Tienen una energía, una tensión… el ADN sigue siendo muy potente. Obviamente, por otro lado hay una evidente mentalidad nostálgica.

La música de esa era trataba de imaginar el futuro. Ahora es como si ustedes re-imaginasen la forma en que miraban el futuro desde el pasado. Algo así, ¿no?
Sí, es algo irónico. Además ahora estamos llevando una doble vida, porque al tiempo que preparamos la gira, por las noches estamos trabajando en nuevas canciones cuya sensibilidad está siendo muy influida por las antiguas.

¿Reconoce la influencia de Simple Minds sobre bandas jóvenes como The Horrors o M83?
Eso está diciendo la gente. Es agradable. Nosotros todavía estamos influidos por la Velvet Underground, Roxy Music, David Bowie, The Doors, Magazine, Ultravox… Aún escuchamos esa música y nos inspira, así que si Simple Minds inspira a otra gente es agradable ser parte de esa línea, de esa tradición.

Sólo quedan usted y el guitarra Charlie Burchill de la formación que grabó aquellos álbumes. ¿No echan de menos a los tres miembros restantes?
Es imposible no alabar la contribución que Mick McNeil o Derek Forbes hicieron a esos discos. Ellos aportaron tanto a la fiesta que siempre les respetaremos infinitamente. Éramos como una familia, como hermanos, estábamos realmente unidos y de vez en cuando todavía nos vemos en bodas o funerales. Pero también hubo pequeñas guerras entre nosotros. Ojalá algún día vuelvan a tocar con la banda, nada es imposible.

Justo después de editar estos cinco álbumes dieron el salto y se convirtieron en una de las bandas con más éxito del mundo, de impacto comparable al de U2, pero luego su popularidad cayó en picado, y la crítica también les vapuleó. ¿Cómo lleva eso?
Bueno, John Lennon también cayó en desgracia en algún momento. Neil Young, Lou Reed, David Bowie fueron destruidos por la crítica… así que estoy en buena compañía (risas). No, en serio, es muy cierto lo que me dice y, obviamente, no me gusta, mentiría si le dijera lo contrario. Lo que menos me gusta es la implicación de pensar: “Podías haber hecho esto o esto otro”. No lo hicimos mal, hemos vendido 50 millones de discos. Después de tantos años seguimos aquí grabando y girando, hemos visto a sellos discográficos aparecer y desaparecer, lo mismo que la MTV, cadenas de radio, revistas de música… pero nosotros seguimos aquí. Es una vida estupenda, con sus subidas y bajadas, sus éxitos y fracasos. El fracaso es importante también, se puede aprender de él. En cuanto a lo de compararnos con U2… Sólo hay unos U2, igual que sólo hay unos Echo & The Bunnymen y unos Cure. Cada banda tiene una historia diferente. Esto no es como el fútbol, cuando trabajas en la música hay tantas variables…, antes hablabas de cuál sería la formación ideal, y podemos seguir lamentándonos de por qué Mick McNeil se marchó. Hay gente a la que le gustaría estar toda la vida de gira y otras personas sólo quieren hacerlo cinco años, pero así es la vida.

¿Alguna vez cayó en el desánimo? ¿Pensó en disolver la banda?
Bueno, hace un par de años inicié un proyecto en solitario llamado Lostboy en el que volvía a mis raíces aprovechando que Charlie Burchill tenía que centrarse en unos asuntos familiares. Hice un álbum y me gustaría retomarlo en el futuro. En cuanto a lo de disolver Simple Minds, sí, lo pensé, pero sólo durante una semana.

¿Qué bandas de su generación cree que han sobrevivido mejor?
Es una pregunta difícil. ¿Ha sobrevivido bien Paul McCartney, por ejemplo? Depeche Mode, obviamente, siguen tocando y teniendo mucho éxito. Que sean mejores ya no lo sé. Es muy difícil mantener aquella energía inicial. Pero, mire, vi a Prince el año pasado, ya no saca discos como los de antes, pero en directo creo que es mejor. Sí.

¿Mantiene contacto con la escena joven de Glasgow? ¿Escucha nuevas bandas?
Sí. Tristemente, mi madre murió el año pasado, pero durante su enfermedad pasé mucho tiempo en Glasgow. Trabajé allí e iba a unos locales de ensayo donde tocaban muchos chavales. Ha sido estupendo ver como en la última década se ha continuado haciendo una música excelente allí. Bandas como Franz Ferdinand, Glasvegas..., siempre están saliendo cosas y eso es bueno, porque, honestamente, cuando nosotros salimos no había nada allí. De hecho, fuimos afortunados por ello, porque tuvimos que hacerlo todo nosotros mismos. Glasgow sigue en mi corazón. En cuanto a nuevos grupos, me compré el disco de Anna Calvi, la vi en televisión y me pareció magnífica. También, aunque no he escuchado el álbum, me gusta la canción “Video Games” de Lana Del Rey, me parece fantástica. Siempre hay cosas.

¿Recuerda sus primeros conciertos en España?
Nunca los olvido. Tocamos en Madrid en el Rock-Ola un domingo por la noche y estaba nevando. Por culpa de ello llegamos tarde y tuvimos que correr un montón. El concierto fue un poco caos, pero fue un gran placer. Luego volvimos mucho, guardo grandes recuerdos de Valencia.

¿Es cierto que al principio salían al escenario completamente maquillados?
Sí. Probablemente en el Rock-Ola saliésemos así. Podríamos volver a hacerlo (risas).

¿Conoce el motivo de por qué el single “Lovesong” fue tan popular en España en los 80?
Sí, era la sintonía de un programa televisivo de… ¿deportes?

Sí, era deportivo pero de radio, “Supergarcía en la hora cero”. Mucha gente conoció a Simple Minds gracias a ello.
Oh, muchas gracias a ellos.

Aquellos álbumes tenían un sentimiento muy de la Europa continental. ¿Querían reaccionar contra lo británico o era el reflejo de la música que escuchaban en aquel momento?
Cuando teníamos 16 años, Burchill y yo viajamos por Europa en autoestop y, de hecho, fue así como empezamos la banda. Recorrimos Alemania, Austria, Italia… Aquello fue como nuestro camino de Jack Kerouac. Al mismo tiempo nos influía mucho el cine europeo y la literatura, desde Cervantes hasta Gunter Grass, Albert Camus… Nos encantaba todo eso y, en particular, la música electrónica que venía de Alemania. Recordamos nuestras primeras giras allí, en Holanda, en Escandinavia, tocando cada noche en locales pequeños y aprendiendo nuestro trabajo. De algún modo, estábamos viviendo en la Europa continental, éramos de allí.

Vamos, que se puede decir que “Trans-Europe Express” de Kraftwerk era el “En el camino” de su generación.
¡Sí! “Trans-Europe Express” fue muy grande, definitivamente.

2011-12-31T17:23:00.003+01:00

1. FUCKED UP: David Comes To Life
Aunque parezcan términos contradictorios, la ópera punk es un género bastante practicado en los últimos tiempos. “American Idiot” de Green Day (2004) ha sido la más popular, aunque también ha habido trabajos similares por parte de grupos del underground norteamericano como Titus Andronicus y no se debe olvidar una una lejana piedra fundacional, “Zen Arcade”, de Hüsker Dü (1984). El sexteto de Toronto Fucked Up nunca ha sido un grupo convencional. Desde su creación en 2002 han editado más de una cincuentena de singles, pero no grabaron un álbum hasta 2006 con “Hidden World”. Dos años después, “The Chemistry Of Common Life” les vio salir de la escena más subterránea del hardcore-punk hacia las ligas mayores: les valió el Premio Polaris al mejor disco canadiense del año. Un hecho elocuente: si en aquel momento, en España vinieron a tocar para cien personas, en su siguiente visita lo hacían ante pabellones repletos como teloneros de Arcade Fire. Muchos no lo entendieron, pero la conexión con los autores de “The Suburbs” era cada vez más evidente. “David Comes To Life” cuenta una historia en cuatro actos y protagonizada por cinco personajes cuyas voces se intercambian. Son 18 temas en 77 minutos en los que, por encima de la pretenciosidad o de la grandilocuencia, predominan el desgarro y la emoción épica. Todas las canciones suenan en lo más alto comandadas por la voz rota (un poco a lo Lemmy de Motörhead) del carismático Damian “Pink Eyes” Abrahams, con algunas contribuciones vocales femeninas (maravillosa Madeline Follin, del grupo Cults, en el hit “Queen Of Hearts”) y apoyados por una artillería sonora en la que sobresalen sus tres guitarristas, cada vez más alejada de la crudeza de sus inicios y ahora abonada a un rock indie de puño en alto, con sutiles fugas hacia otros géneros (la guitarra de “Under My Nose”, sin ir más lejos, recuerda a los U2 de “The Unforgettable Fire”). La trama es compleja, situada en un lugar imaginario de la Inglaterra de finales de los 70, con textos verborreicos que van narrando la caída y redención del personaje central, David, con un enamoramiento, una muerte violenta y misteriosa, un narrador cuya función es confusa, un segundo amor y bastantes paranoias metafísicas y existenciales. Lo que no funcionaría en manos de otros, aquí sí lo hace gracias a la fuerza, la pasión, el vitalismo furioso con que Fucked Up defienden cada canción. La hora y cuarto se pasa como una exhalación y la escucha es una completa gozada.

2. DARREN HAYMAN: January Songs
3. ARCTIC MONKEYS: Suck It And See
4. CLAP YOUR HANDS SAY YEAH: Hysterical
5. LANTERNS ON THE LAKE: Gracious Tide, Take Me Home
6. PJ HARVEY: Let England Shake
7. ATLAS SOUND: Parallax
8. THE WAVE PICTURES: Beer In The Breakers
9. THE JOY FORMIDABLE: The Big Roar
10. EMA: Past Life Martyr
11. I BREAK HORSES: Hearts
12. ATARI TEENAGE RIOT: Is This Hyperreal?
13. THE WALKABOUTS: Travels In The Dustland
14. WIRE: Red Barked Tree
15. DESTROYER: Kaputt
16. WILD FLAG: Wild Flag
17. JOHN MAUS: We Must Become The Pitiless Censors Of Ourselves
18. ALGODÓN EGIPCIO: La lucha constante
19. STEPHEN MALKMUS & THE JICKS: Mirror Traffic
20. WIDOWSPEAK: Widowspeak
21. THE WAR ON DRUGS: Slave Ambient
22. JUNE TABOR: Ashore
23. THURSTON MOORE: Demolished Thoughts
24. HANDSOME FURS: Sound Kapital
25. THE DODOS: No Color
26. LOW: C’Mon!
27. EMMY THE GREAT: Virtue
28. NOAH & THE WHALE: Last Night On Earth
29. PS I LOVE YOU: Meet Me At The Muster Station
30. ESBEN AND THE WITCH: Violet Cries
31. STRANGE BOYS: Live Music
32. RICHMOND FONTAINE: The High Country
33. BJÖRK: Biophilia
34. JEREMY JAY: Dream Diary
35. THE MOUNTAIN GOATS: All Eternals Deck
36. AUSTRA: Feel It Break
37. KURT VILE: Smoke Ring For My Halo
38. THE VACCINES: What Did You Expect From…?
39. TIM HECKER: Ravedeath, 1972
40. ICEAGE: New Brigade
41. LUCINDA WILLIAMS: Blessed
42. IS TROPICAL: Native To
43. DEATH IN VEGAS: Trans-Love Energies
44. COMET GAIN: Howl Of The Lonely Crowd
45. GROUPER: A I A
46. MASTODON: The Hunter
47. DAS RACIST: Relax
48. ZOMBY: Dedication
49. SNOOP DOGG: Doggumentary
50. DANNY BROWN: XXX

2001. BJÖRK: Vespertine
2002. LOW: Trust
2003. BENJAMIN BIOLAY: Negátif
2004. NICK CAVE & THE BAD SEEDS: Abbatoir Blues/ The Lyre Of Orpheus
2005. LOW: The Great Destroyer
2006. ROBERT POLLARD: From A Compound Eye
2007. PJ HARVEY: White Chalk
2008. DEERHUNTER: Microcastle/ Weird Era Cont.
2009. BENJAMIN BIOLAY: La superbe
2010. ARCADE FIRE: The Suburbs

Álbumes nacionales favoritos 2011

2011-12-29T17:32:00.003+01:00

1. LISABÖ: Animalia lotsatuen putzua
“Yo no espero la pureza del alma, por eso he de derretirte contra el sol/ Yo no espero la sublimidad, por eso me veo obligado a arrastrar mi sonrisa/ y oler, tragar, comerme la tierra”. Son las primeras palabras –en realidad, gritos desesperados- lanzados en ‘Animalia lotsatuen putzua’ (El pozo de los animales avergonzados), cuarto álbum de Lisabö, el primero tras cuatro años de silencio y un trabajo que se sitúa en los límites de la intensidad: 6 temas en 45 minutos cuya violencia física y existencial, su rabia encendida, adquiere unas connotaciones catárticas que superan las ya conseguidas en sus obras anteriores hasta dejarte completamente demolido, extenuado.
Como forma de compromiso estético y vital, el quinteto afincado en Irún se toma su tiempo para hacer las cosas, pero siempre pone toda la carne y el espíritu en el asador aún a riesgo de quedarse calcinados. Dicen que éste ha sido su trabajo más urgente, el menos cerebral, y quizá ahí radique la extrema brutalidad post-core que desprende. Pero a las voces y guitarras gemelas de sus dos cabecillas, Karlos Osinaga yJavier Manterola, las dos baterías también gemelas de Ivan Zabalegi y Eneko Aranzasti, los bajos oscuros y contundentes de Xabier Zabala, hay que añadir siempre la decisiva importancia de su sexto miembro, el escritor Martxel Mariskal –aquí voz también en el tema ‘Ez zaitut somatu iristen’ -y cuyas imágenes poéticas, como de costumbre, dotan de contenido y sentido al álbum. Si en ‘Ezlekuak’ (Bide Huts, 2007), situaba su angustia existencial sobre el concepto de no-lugares, ahora Mariskal llega mucho más lejos en su visceralidad, ardiendo y vibrando, arrancando sus metáforas a dentelladas como un depredador que no puede renegar de su condición y, sin embargo, se sabe desvalido. Como en una pelea o en un coito salvaje, las palabras brotan confusas mezcladas con sangre y trozos de carne, sudor y tierra: la animalidad, la violencia, la inocencia perdida, la desprotección, el deseo, la naturaleza o la necesidad del abrazo del otro se entremezclan sin tregua ni descanso, en un estado de combustión vital al borde de lo demente.
Y la banda crea el perfecto reflejo para esos textos con un sonido que, no obstante, juega con las tensiones y las dinámicas, acolcha los momentos de mayor fruición eléctrica con algunos pequeños respiros en los que se queda una voz sola o una batería hasta que el estruendo vuelve a noquear. La pérdida de la chelista Maite Arroitajauregi (Mursego) se traduce en una mayor crudeza sonora, con percusiones más secas y brutales, guitarras como alaridos y un bajo que, por momentos (‘Gordintasunaren otordu luzea’), parecen robárselo a los Massive Attack de ‘Mezzanine’ y golpearlo repetidamente y con virulencia contra una pared. Brotando de entre tantas palabras como hostias, entre lo que puede parecer un nihilismo desaforado (“Al espectáculo de hoy le gotea sangre de los ojos”, gritan en ‘Ezereza mugak’), pequeños relámpagos líricos que iluminan y revitalizan: “La vida es tan hermosa como amarga”. “Quien está vivo nunca se curará”. “Echémonos en la pista de aterrizaje del aeropuerto, desnudos, sin intención alguna”. “Habrá que reinventar el amor”. “Comienza, levántate, y crea”. Por todo ello, estamos ante un álbum deslumbrante, liberador y absolutamente necesario en los tiempos que corren: una impactante obra maestra a nivel internacional.

2. MANOS DE TOPO: Escapar con el anticiclón
En ‘Ortopedias bonitas’ (Sones, 2007) y ‘El primero era mejor’ (Sones, 2009), Manos de Topo no sólo crearon un universo estético propio y reconocible: también captaron, a base de llevar hacia el extremo más deformado y tragicómico la locura pasional de nuestra canción romántica, el espíritu sentimental de una generación… o, al menos, de parte de ella. Frente a la pervivencia dentro de la cultura rock de cierto tipo de autoafirmación masculina castigadora, Miguel Ángel Blanca y sus compañeros de grupo no tuvieron ningún reparo en ridiculizarse y posicionarse como calzonazos hipersensibles y lloricas, víctimas casi voluntarias de mujeres que siempre poseían el poder. La hilaridad provocada por muchas de sus exageradas metáforas hacía pensar que todo se trataba de un chiste, pero detrás del mismo siempre se percibía el poso amargo de la realidad. Su gran valor fue que, frente a la solemnidad cortavenas de toda la tradición de llorones confesionales tan venerada por el folk y el indie, ellos invitaban a reírse de todo, empezando por uno mismo, y siempre de modo ingenioso.
Los Manos de Topo de ‘Escapar con el anticiclón’ siguen pisando el mismo terreno y manteniendo la misma estructura de canción: siempre son cosas que el protagonista le está cantando a una mujer (mayormente reproches), encadenando imágenes insólitas, de violencia rompedora y tronchante, evitando los estribillos fáciles y las repeticiones. Pero en el contenido de fondo notamos que algo ha cambiado evolucionado. Para empezar, el sonido. La producción de Ramón Rodríguez (The New Raemon) -cuyo toque ya fue anticipado en los dos temas que grabaron en su split junto a Tarántula , ‘Momento único’ (Sones- Producciones Doradas, 2011)- le da una mayor solidez y profundidad a su sonido. Por el camino se pierde el Casio PT1 que caracterizaba al grupo, atenúa la presencia del xilófono y, a cambio, dota de mayor contundencia a la sección rítmica, electrifica las guitarras y aporta unos teclados atmosféricos que, en conjunción con el violín de Sara Fontán , les lleva por una senda de calado oscuro con mucho aroma after punk. Inteligente es también el uso de los coros, donde, además del propio Raemon, aparece por ahí María Rodés en varios temas.
Se nota en los textos un crecimiento generacional –ojo, que no madurez-, como si sus personajes ya hubiesen dejado atrás aquella obsesión adolescente del tipo “¿por qué eres tan cruel que no me quieres?”, y ahora abordan el mundo de las relaciones con una mayor complejidad. Es difícil decir exactamente de qué trata exactamente cada canción, pero el caso es que impactan de otra manera y dejan mayor poso. Blanca, además, rebaja el histrionismo en su manera de cantar y, con esa (relativa) contención, transmite con otra intensidad el odio, la furia o la desesperación. Las canciones ganan en poder evocador, vapulean con violencia ( ‘Pinzas en los ojos’ es, posiblemente, lo más duro que han compuesto nunca) e incluso llegan a descolocar y conmover aunque estén diciendo cosas que, sobre el papel, puedan resultan tan ridículas como “Bailaste la lambada y te quedaste embarazada”, “Quizá alguien encienda una luz dentro de tu piel”, “Los gatos quieren escapar de tu casa”, “Despedida de soltera en Fukushima” o “El invierno no fue negociable y ahora estás helada”. Al final, incluso, entregan la única canción optimista de su carrera ( ‘En sintonía’ ) en toda una declaración de principios que cuestiona todo su discurso anterior y parece abrirse a un futuro diferente. La música se para y el disco finaliza con los componentes cantando acapella cual coro de borrachos: “El querer a sangre fría/ no asegura compañía/ Alergia y geometría/ Tú y yo en sintonía”.
Blanca, Alejandro Marzoa y Rafael de los Arcos (el bajista Pau Juliá grabó el disco pero ha abandonado para ponerles los cuernos con Tarántula), se reafirman así como un grupo para tomar muy en serio: absolutamente únicos y personales, de una inteligencia desarmante, perfectos actualizadores tanto de nuestro esperpento como de esa belleza convulsa de la que hablaba André Breton , son ya uno de los más extraños capítulos ocultos que ha dado nunca el pop español.

3. REMATE: Superluv. Por lo que tiene de romántico
Desde que debutara en 2003, El madrileño Fernando Martínez ha construido una de las carreras más personales, inquietas e insólitas en nuestro pop. Seis álbumes y un estilo que, al tiempo que afianzaba sus señas de identidad, mutaba en cada nuevo paso, avalan una trayectoria impecable y ascendente que da con este trabajo un paso de “Gigante” (valga la referencia al single de adelanto, lo más cercano a un hit que ha entregado nunca). Definitivamente quedan apartadas las vinculaciones con el freak-folk de sus inicios, y con lo que ahora nos encontramos es con un francotirador del pop más ensoñador e inquietante, avalado por músicos neoyorquinos de pedigrí. Allí grabó con LD Beghtol (The Magnetic Fields, LD & The New Criticism), productor y multiinstrumentista, con un cameo del mismísimo Stephin Merritt y el concurso de la chelista Julia Kent (Antony & The Johnsons), además de su acompañante habitual Carlos Toronado (Pal), cuyo concurso en el disco es más que decisivo. Remate lo construyó a partir de un punto de partida casi Austeriano: tras el descubrimiento casual de varias actrices porno norteamericanas que se hacían apellidar Luv pero no se conocían entre sí, crea un argumento conceptual sobre amores con erratas para repensar la idea de salvar el mundo a través de estas diosas del sexo que parecen personajes mitológicos sacados de la Factory de Andy Warhol. El rock sucio, el pop juguetón enrarecido, algún spoken word e incluso un homenaje a su admirado Daniel Johnston se suceden alternando castellano e inglés en un trabajo que se debate entre lo desesperado, lo lúcido, lo vicioso y lo tierno para encumbrarle como uno de los grandes de la música nacional… e internacional.

4. JOSELE SANTIAGO: Lecciones de vértigo
Han cambiado muchas cosas para el que fuera líder de Los Enemigos, ahora casado y abonado a la vida sana en Cataluña. Su cuarto cd en solitario le muestra pletórico: ha recuperado la guitarra eléctrica, canta sin riendas y ha afinado su lírica. Sus dotes de observación y sus reflexiones sobre la vida alcanzan altos niveles poéticos mezclando humor (hay que ver cómo narra el gatillazo de un ligón ibérico en “Canción de próstata”), lucidez y emoción agridulce: versiona a la rana Gustavo en “Ser verde”, y en “Pae” noquea cantando sobre la muerte de su padre, hospitalizado en pleno carnaval de Cádiz.

5. FRANC3S: Franc3s
6. JUANITA Y LOS FEOS: Pesadilla adulta
7. PARADE: Materia oscura
8. LA CASA AZUL: La Polinesia Meridional
9. DOLORES: Disco póstumo
10. RAUELSSON: Réplica
11. NACHO VEGAS: La zona sucia
12. CHRISTINA ROSENVINGE: La joven Dolores
13. DISCO LAS PALMERAS!: Nihil Obstat
14. SR CHINARRO: Presidente
15. LAS BUENAS NOCHES: Un mal día (lo tiene cualquiera)
16. PELEA: ¡Qué éxito! ¡Qué felicidad!
17. BOAT BEAM: Reincarnation
18. VETUSTA MORLA: Mapas
19. ANTONNA: Grandes males, remedios regulares
20. LAGARTIJA NICK: Zona de conflicto
21. LITORAL: Incidents melòdics del món irracional
22. MURSEGO: Bi (2)
23. CARRERO BIANCO: Oferta de lanzamiento
24. LOS LAGOS DE HINAULT: Vidas ejemplares
25. MAGA: Satie contra Godzilla
26. DOS GAJOS: Dos Gajos
27. OLIVA TRENCADA: Perleta negra
28. NACH: Mejor que el silencio
29. SHO-HAI: Doble vida
30. FERNANDO ALFARO: La vida es extraña y rara

2001. CHUCHO: Los diarios de petróleo
2002. NOSOTRÄSH: Popemas
2003. NACHO VEGAS: Cajas de música difíciles de parar
2004. TACHENKO: Nieves y rescates
2005. ANARI: Zebra
2006. SIBYL VANE: Turismo de interior
2007. LISABÖ: Ezlekuak
2008. JOE CREPÚSCULO: Supercrepus
2009. ANARI: Irla izan
2010. TRIÁNGULO DE AMOR BIZARRO: Año Santo.

Películas favoritas 2011

2011-12-28T20:24:00.002+01:00

1. MELANCOLÍA (Lars Von Trier)
2. CARLOS (Olivier Assayas)
3. ANOTHER YEAR (Mike Leigh)
4. CISNE NEGRO (Darren Aronofsky)
5. INCENDIES (Denis Villeneuve)
6. TOKIO BLUES (Tran Anh Hung)
7. EL ÁRBOL DE LA VIDA (Terrence Malick)
8. UN DIOS SALVAJE (Roman Polanski)
9. NADER Y SIMIN: UNA SEPARACIÓN (Asghar Farhadi)
10. ANIMAL KINGDOM (David Michôd)
11. EN UN MUNDO MEJOR (Susanne Bier)
12. EL TOPO (Tomas Alfredson)
13. UNA MUJER, UNA PISTOLA Y UNA TIENDA DE FIDEOS CHINA (Zhang Yimou)
14. MIDNIGHT IN PARIS (Woody Allen)
15. MICMACS (Jean-Pierre Jeunet)
16. FOUR LIONS (Chris Morris)
17. CÓDIGO FUENTE (Duncan Jones)
18. CUANDO UN HOMBRE VUELVE A CASA (Thomas Vinterberg)
19. WINTER’S BONE (Debra Granik)
20. EL DEMONIO BAJO LA PIEL (Michael Winterbottom)
21. MARGIN CALL (J.C. Chambon)
22. VALOR DE LEY (Joel y Ethan Coen)
23. TOURNÉE (Mathieu Amalric)
24. EL ÚLTIMO VERANO (Jacques Rivette)
25. NO HABRÁ PAZ PARA LOS MALVADOS (Enrique Urbizu)
26. RESTLESS (Gus Van Sant)
27. GEORGE HARRISON: LIVING IN THE MATERIAL WORLD (Martin Scorsese)
28. UNA MUJER EN ÁFRICA (Claire Denis)
29. GUEST (José Luis Guerin)
30. EL HOMBRE DE AL LADO (Mariano Cohn y Gastón Duprat)

2001. AMELIE (Jean-Pierre Jeunet)
2002. MULHOLLAND DRIVE (David Lynch)
2003. DOLLS (Takeshi Kitano)
2004. LOST IN TRANSLATION (Sofia Coppola)
2005. AMERICAN SPLENDOR (Shari Springer Berman/ Robert Pulcini)
2006. CACHÉ (Michael Haneke)
2007. PERSÉPOLIS (Marjane Satrapi/ Vincent Paronnaud)
2008. NO ES PAÍS PARA VIEJOS/ QUEMAR DESPUÉS DE LEER (Joel y Ethan Coen)
2009. DÉJAME ENTRAR (Tomas Alfredson)
2010. LA CINTA BLANCA (Michael Haneke)

Directos internacionales favoritos 2011

2011-12-27T17:33:00.003+01:00

1. SWANS (Primavera Sound)
2. EINSTURZENDE NEUBAUTEN (Primavera Sound)
3. CRYSTAL CASTLES (Low Cost)
4. DEERHUNTER (Primavera Sound, La Riviera)
5. EMA (CBA/Primavera Club)
6. JOANNA NEWSOM (Teatro Lara)
7. PJ HARVEY (Primavera Sound)
8. THE WAVE PICTURES (Nasti)
9. OF MONTREAL (Primavera Sound)
10. LES SAVY FAV (Rock Kitchen)
11. PULP (Primavera Sound)
12. GRINDERMAN (Primavera Sound)
13. NO AGE (Heineken, Castillo de Aínsa)
14. CUT COPY (Heineken, Sónar Galicia, Low Cost)
15. JEFFREY LEWIS & THE JUNKYARD (Neu! Club)
16. DAN DEACON (La Casa Encendida/Electrónica en Abril)
17. SHOUT OUT LOUDS (Low Cost, Sonorama)
18. MONOTONIX (Moby Dick)
19. HANDSOME FURS (Siroco/Primavera Club)
20. M.I.A. (Sónar Galicia)
21. DARREN HAYMAN & THE SECONDARY MODERN (Nasti)
22. ART BRUT (Castillo de Aínsa)
23. RED HOT CHILI PEPPERS + FOALS (Palacio de los Deportes de la CAM)
24. THE TING TINGS (DCode)
25. ELBOW (San Miguel)
26. BILL CALLAHAN (Heineken)
27. BONNIE ‘PRINCE’ BILLY (Joy Eslava)
28. ANIKA (La Casa Encendida/Electrónica en Abril)
29. DELORENTOS (El Sol)
30. LOW (Primavera Sound)
31. WIRE (Moby Dick)
32. ROGER WATERS (Palacio de los Deportes de la CAM)
33. SILVER APPLES (La Boite)
34. THE HORRORS (Rock Kitchen)
35. CONGOTRONICS VS ROCKERS (Parque Tierno Galván)
36. LOUIS PHILIPPE (Nasti)
37. THE HIVES (DCode)
38. MARK OLSON (Charada)
39. THROWING MUSES (Shoko)
40. OMD (Heineken)

2oo1. BJÖRK
2002. RADIOHEAD
2003. R.E.M.
2004. THE CURE
2005. THE WEDDING PRESENT
2006. BAUHAUS
2007. BRUCE SPRINGSTEEN & THE E STREET BAND
2008. LES SAVY FAV
2009. FRANZ FERDINAND
2010. ARCADE FIRE

Directos nacionales favoritos 2011

2011-12-26T17:18:00.003+01:00

1. EL GUINCHO (Primavera Sound)
2. CHRISTINA ROSENVINGE (Neu! Club, Siroco)
3. STANDSTILL (Círculo de BB AA)
4. NOSOTRÄSH (Primavera Sound)
5. LOS PLANETAS (Veranos de la Villa)
6. SINGLE (Museo Cerralbo)
7. EL COLUMPIO ASESINO (Sonorama)
8. TRIÁNGULO DE AMOR BIZARRO (Primavera Sound, Rock Kitchen, MTV Day)
9. DELOREAN (Joy Eslava)
10. PARADE (Neu! Club)
11. LÜGER (Low Cost)
12. SEX MUSEUM (Low Cost, Sonorama)
13. NACHO VEGAS (Joy Eslava, Sonorama, La Riviera)
14. JOSELE SANTIAGO (Joy Eslava)
15. LAGARTIJA NICK (Caracol, El Sol)
16. TARÁNTULA + ORNAMENTO Y DELITO (Neu! Club)
17. LA ESTRELLA DE DAVID (La Riviera)
18. BETUNIZER (La Faena II)
19. SRASRSRA + MANO DE OBRA (Le Club A Coruña)
20. FANGORIA (Low Cost)
21. CORCOBADO (Auditorio Conde Duque)
22. MARCUS DOO & THE SECRET FAMILY (Castillo de Aínsa, El Juglar)
23. NADADORA (Sonorama)
24. ABRAHAM BOBA (El Sol)
25. NUDOZURDO (Caracol, Castillo de Aínsa)
26. FURGUSON (Primavera Club)
27. CÁPSULA (Low Cost, Castillo de Aínsa)
28. RUSSIAN RED (Joy Eslava)
29. THE MARZIPAN MAN (Centro Conde Duque)
30. LORI MEYERS (DCode, Low Cost)

2001. CHUCHO
2002. ASTRUD
2003. BUNBURY
2004. ILEGALES
2005. IT'S NOT NOT
2006. SURFIN' BICHOS
2007. REMATE Y LA LOCO BAND
2008. STANDSTILL
2009. NACHO VEGAS
2010. ANARI + MURSEGO

Canciones internacionales favoritas 2011

2011-12-25T19:50:00.002+01:00

1. JOHN MAUS: Believer
2. ARCTIC MONKEYS: Love Is A Laserquest
3. PJ HARVEY: Hanging In The Wire
4. ATARI TEENAGE RIOT: Blood In My Eyes
5. FUCKED UP: Queen Of Hearts
6. EMA: California
7. I BREAK HORSES: Winter Beats
8. THE VACCINES: Post Break-Up Sex
9. RIHANNA: We Found Love
10. WILCO: Born Alone
11. CLAP YOUR HANDS SAY YEAH: Idiot
12. LANTERNS ON THE LAKE: Tricks
13. STEPHEN MALKMUS & THE JICKS: Stick Figures In Love
14. WILD FLAG: Romance
15. THE WALKABOUTS: My Diviner
16. HANDSOME FURS: When I Get Back
17. LOW: Try To Sleep
18. AUSTRA: Beat And The Pulse
19. THURSTON MOORE: Blood Never Lies
20. COMET GAIN: Clang Of The Concrete Swans
21. NOAH & THE WHALE: Wild Thing
22. BRITNEY SPEARS: Till The World Ends
23. ALELA DIANE & WILD DIVINE: Elijah
24. THE PAINS OF BEING PURE AT HEART: My Terrible Friend
25. ARNAUD-FLEURENT DIDIER: Reproductions

2001. LEONARD COHEN: A Thousand Kisses Deep
2002. THE DELGADOS: Coming In From The Cold
2003. THE FAINT: Agenda Suicide
2004. COURTNEY LOVE: Mono
2005. M.I.A: Galang
2006. CLAP YOUR HANDS SAY YEAH: In This Home On Ice
2007. PJ HARVEY: When Under Ether
2008. CRYSTAL CASTLES vs. HEALTH: Crimewave
2009. THE PAINS OF BEING PURE AT HEART: Young Adult Friction
2010. ARCADE FIRE: Sprawl II (Mountains Beyond Mountains)

2011-12-24T19:49:00.002+01:00

1. NACHO VEGAS: La Gran Broma Final
2. LA CASA AZUL: ¿Qué se siente al ser tan joven?
3. JOSELE SANTIAGO: Fractales
4. CHRISTINA ROSENVINGE: Jorge y yo
5. ANTONNA: Arruino todo lo que encuentro
6. FERNANDO ALFARO: Extintor de infiernos
7. LISABÖ: Oinazearen intimatatea
8. NACHO VEGAS: Marquesita
9. JUANITA Y LOS FEOS: Sigue vivo
10. PELEA!: Tirando bombas sin parar de bailar
11. LITORAL: La chanson du matin
12. CARRERO BIANCO: Gafas de sol
13. LA ESTRELLA DE DAVID: Un último esfuerzo
14. MANEL: Boomerang
15. ORNAMENTO Y DELITO: El futuro
16. VELOCISTA: Escándalos domésticos
17. MARONDA: Los novios de Bélmez
18. NUDOZURDO: Prueba/ Error
19. LIMOUSINE: Dressing Sun
20. EL COLUMPIO ASESINO: Perlas

2001. CHUCHO: Ricardo ardiendo
2002. MUS: Al oeste de la divisoria
2003. NACHO VEGAS: El salitre
2004. IS: Pimpinela punk
2005. SR. CHINARRO: El peor poema
2006. SIBYL VANE: Madre soltera
2007. LOS PLANETAS Y ENRIQUE MORENTE: Tendrá que haber un camino
2008. LOS PUNSETES: Dos policías
2009. ANARI: Isla
2010. TRIÁNGULO DE AMOR BIZARRO: De la monarquía a la criptocracia

EP's internacionales favoritos 2011

2011-12-22T22:16:00.003+01:00

1. ALEX TURNER: Submarine
2. ZOMBY: Nothing
3. ESBEN AND THE WITCH: Hexagons
4. THANK YOU: Golden Worry
5. KURT VILE: So Outta Reach
6. SALEM: I’m Still In The Night
7. THE FLAMING LIPS & PREFUSE 73: Split
8. OF MONTREAL: The Controllersphere
9. SIR STEPHEN: By Design
10. THE FLAMING LIPS: Gummy Skull
11. ESBEN AND THE WITCH: Marching Song
12. THE DECEMBERISTS: Long Live The King
13. BOK BOK: Southside
14. THE FLAMING LIPS & NEON INDIAN: Split
15. PS I LOVE YOU: Leftovers
16. THE VACCINES: If You Wanna
17. BONNIE ‘PRINCE’ BILLY: There Is No God/ God Is Love
18. SHACKLETON: Deadman
19. DEERHUNTER: Memory Boy
20. THE VACCINES: Post Break-Up Sex

2006. ARCTIC MONKEYS: Who The Fuck Are Arctic Monkeys
2007. ART BRUT: Nag Nag Nag Nag
2008. THE TWILIGHT SAD: Here It Never Snowed, Afterwards It Did
2009. ANIMAL COLLECTIVE: Fall Be Kind
2010. A SUNNY DAY IN GLASGOW: Nitetime Rainbows

EP's nacionales favoritos 2011

2011-12-21T16:59:00.003+01:00

1. NACHO VEGAS: Cómo hacer crac
2. RAÚL QUERIDO + OK LA HO MA: Split EP
3. HOLA A TODO EL MUNDO: Estela castiza
4. PRISMA EN LLAMAS: Aeropuerto extrañamente blanco
5. FURGUSON/ ALIMENT: Split
6. RAÚL QUERIDO: 6 timos
7. LUIS BREA: De lo dicho nada
8. SRASRSRA: Baboom
9. MANO DE OBRA: Imperio Cobra
10. TUYA: Own
11. RAÚL QUERIDO: Masturbación
12. MANOS DE TOPO/ TARÁNTULA: Momento único
13. I AM DIVE: Fall
14. LITORAL: #1
15. CHICO Y CHICA: La joven investigadora
16. TRIÁNGULO DE AMOR BIZARRO: Amigos del género humano
17. FRANC3S: Aislamiento
18. UKE: Los olvidados
19. MAGA: Silencio
20. SUNDAE: Sundae EP
21. I AM DIVE: Constellation
22. RAÚL QUERIDO: Chulos y porras
23. CALIMÄ: Calimä
24. RAÚL QUERIDO: …Papa puesto
25. RAÚL QUERIDO: Dobleces
26. ALTA CABEZA: Alta Cabeza
27. MALCORTADO: Villa María
28. TACHENKO: Apúntame a mí primero
29. EMILIO JOSÉ: A amizade
30. KLAUS & KINSKI: El amor

2002. CHUCHO: Los diarios de Petróleo. Último volumen
2003. NACHO VEGAS: Canciones desde palacio
2004. CHUCHO: La mente del monstruo
2005. EL COLUMPIO ASESINO: ¡Ahah...!
2006. TRESESTRELLAS: 5
2007. NACHO VEGAS Y CHRISTINA ROSENVINGE: Verano fatal
2008. WILD HONEY: Wild Honey
2009. FRANC3S: La exhibición de atrocidades
2010. MONTAÑAS: 10"

Recopilatorios favoritos 2011

2011-12-20T10:51:00.002+01:00

1. R.E.M: Part Lies, Part Heart, Part Truth, Part Garbage. 1982-2011.
2. THROWING MUSES: Anthology
3. LADYTRON: Best Of 00-10
4. ESPANTO: Ísimos + Érrimos + Errísimos
5. THE RADIO DEPT.: Passive Aggressive. Singles 2002-2010
6. DRIVE-BY TRUCKERS: Ugly Buildings, Whores And Politicians (Greatest Hits 1998-2009)
7. VARIOS ARTISTAS: Tradi-Mods Vs. Rockers
8. THE BLOODY BEETROOTS: Best Of… Remixes
9. RADIOHEAD: TKOL Remixes
10.DISCO INFERNO: The 5 EPS

2001. VARIOS ARTISTAS: Festival del Cante de las Minas
2002. BJÖRK: Greatest Hits & Family Tree
2003. BJÖRK: Live Box
2004. NIRVANA: With The Lights Out
2005. COCTEAU TWINS: Lullabies To Violaine
2006. THE DELGADOS: The Complete BBC Sessions
2007. VARIOS ARTISTAS: Mute Audio Documents 1978-1984
2008. THE SMITHS: The Sound Of The Smiths
2009. HELLO CUCA: Esplendor en la arena
2010. CARLOS BERLANGA: Reproches y vehemencias

Discos gallegos favoritos 2011

2011-12-19T16:06:00.006+01:00

1. FRANC3S: Franc3s
2. DISCO LAS PALMERAS!: Nihil Obstat
3. CARRERO BIANCO: Oferta de lanzamiento
4. VARIOS ARTISTAS: Galician Bizarre
5. COMBO DINAMO: Quieto, muere, resucita!!!
6. ABRAHAM BOBA: Los días desierto
7. NOVEDADES CARMINHA: Jódete y baila
8. METRALLETAS LECHERAS: Melodías para romanos
9. MARYLAND: Get Cold Feet
10. ELADIO Y LOS SERES QUERIDOS: Están ustedes unidos

2001. DAR FUL FUL: El artista adolescente
2002. APEIRON: Todo sigue intacto
2003. APENINO: En la hora azul
2004. APENINO: Bumerán, bumerán
2005. NADADORA: Todo el frío del mundo
2006. SEVIGNY: Melalcoholic
2007. TRIÁNGULO DE AMOR BIZARRO: Triángulo de Amor Bizarro
2008. NOUVELLE CUISINE: De memoria
2009. ABRAHAM BOBA: La educación
2010. TRIÁNGULO DE AMOR BIZARRO: Año Santo

Jeffrey Lewis interview

2011-10-15T15:37:00.003+02:00

Esta noche, Jeffrey Lewis toca en el Neu! Club. A continuación, la transcripción completa en inglés de la entrevista que le hice para la pieza publicada ayer en La Luna de Metrópoli.

Which musicians are coming with you in this tour? Is it gonna be very different from the other shows you’ve done before?

It will be myself plus my usual band of Dave on drums and my brother Jack on bass, but we'll also have Nan Turner of the band Schwervon on keyboards. We have had women in the band before, my ex-girlfriend Helen in 2007, Dave's ex-girlfriend Fletcher in 2008, but now I want a 4th person in the band who won't get broken up with! I really like having the extra sounds and extra voices involved with the songs.

What do you remember of your previous Spanish shows?

We've had a lot of great shows in Spain, doing the Primavera festival a few times in the winter and in the spring, and also some other shows in Spain, like a tour we did in Spain with Adam Green a few years ago. But usually our tours in Spain are only in three or four cities, so this new trip in October will be visiting a lot of areas that are new to me. I mostly have fond memories of Barcelona because I was there in 1999 before I was playing music, I was just living on the street and doing drawings for people... I did a drawing of a restaurant called Las Palmas or something like that and they gave me amazing dinner for a couple of nights, and when I was playing a concert in Barcelona a couple years ago I actually found the restaurant again and they still had my drawing on the wall, ten years later! That was really great to see. But nobody there remembered me.

Do you consider your lyrics, your way of talking about life in your songs, is more lucid now, or not necessarily so?

I think when I was first starting to make songs, the lyrics were more about me because I didn't know what else I could write about. Now I feel like I've expanded a certain amount, there are so many topics in the world other than oneself, the only limit is your imagination and how much you are willing to push your emotions. So now I have a lot of songs about other subjects, like the history of Communism, or about killing mosquitos, or about outer space, and so on. I do still write about my own experiences a lot, but not as much as I used to.

Most of your songs are very narrative. Do you conceive them as if you were writing a comic script? I mean, do you visualize the situation? Or is it a very different process?

I think you can get taken along in a story, if the flow is compelling, whether you are writing a movie, a song, a comic book, a novel... If a situation grabs you, sometimes you have to follow the thread of your own thoughts and see how much you can surprise yourself and delight yourself with this thing that is flowing out of you. It is the same for me with making a song or making a comic book, even though not all of my songs are narratives with a beginning, middle and end, there's still the feeling that you need to follow the inspiration to its end. The thing that is very different with a song is the flow of the words and rhythms and rhymes can have a power that is more than the story you are telling, so sometimes you can be very excited just about the form of your writing instead of the content. I think this is what happens to a lot of rappers, they get very into the ways they can be impressive with their words and leave out the notion that there should also be something impressive about the content, a new perspective, a new philosophy, a new story, a new kind of character.

You introduce a rap track (although it’s a hidden track) in your new album? You do it really well. Why haven’t you done it before? Do you see the possibility of doing more rap in the future?

Ah, I was just talking about rap, so now we're in a rap conversation! I've always had rap in my brain from being a young child in New York City in the 80's, when you really had rap filling the streets from people's giant street radios, and to my young ears it was definitely the best music I ever heard, there were stories and jokes and surprises, it was a million times better than the 80's pop songs that were also on the radio at that time. In fact it was almost like music made for children, so it was perfect, the beats were so simple, and the stories at that time were simple too. In fact my uncle, my father's brother, has been a rapper since the 80's, he lives in Brooklyn and he's called Professor Louie (his real name is Victor Lewis). He's always been a hero of mine, and he continues to be a fantastic writer and performer, he's got about four albums of his rap material and it's all very political, very powerful. He has no interest in being part of the music business, he usually only performs if it is for a cause, like a union rally or a benefit for a food co-op or to help people to have better housing, or something like that. So he has always been an inspiration, and I have always dabbled with rap a little bit through my life. It's hard to be a white jewish rapper and not be taken as a joke, as a parody of rap, and it's even hard to find your own style in rap that is your true personal style and not a parody or a copy of an existing rap style. But it's an amazing form, and I've always listened to a lot of rap albums old and new, the magic of words is incredible, and the music is incredible too. The history of it in New York is an interesting part of our city's heritage as well.

You still make reference to the open mic nights in one song. How is the Antifolk scene nowadays? Is it still vivid or is it in decadence?

The open mic scene is still going, I try to go maybe once or twice a year just to stay in touch with seeing who the new people are and seeing some old friends. Also it's always a challenge, there are few other situations where you can perform to a room of 80 people and every person there is a performer too, that's a lot of pressure, so an open mic can sometimes make you concentrate more on your work than other performance situations. I think the Antifolk scene has changed in some of the ways that the general indie-rock scene has changed, because in the 80's and 90's if you were an independent artist the cheapest way you could record and distribute your music was on cassettes and 4-track tape recordings, so there was a pride in the home-made sound quality, it was part of your identity as being outside of the mainstream culture. Now the cheapest way to record and distribute is digitally, so every independent artist at home can have the same digital quality as the mainstream productions, and there's no more sense of pride in sounding rough. In the 80's and 90's you had rough-sounding artists like Sebadoh, Daniel Johnston, early Pavement, early Sonic Youth, Beat Happening, early Mountain Goats, early Will Oldham, early Smog, these were heroes of a rough sound. The young bands these days all have modern clean-sounding indie bands like Vampire Weekend or Beirut as their heroes, so the new Antifolk and the new indie-rock in general has a very different sound. Not better or worse, just different; I think music culture always changes with changes in technology.

I love some of your low-budget videos or some of the songs you make like “The History of Punk In NY” or The Fall. Do you like to transmit that sort of music pedagogy to the people or is it simply a tribute to the music you like?

I went through a small phase when I was making these music history songs, I also did ones about the history of the Rough Trade Records label and the history of the K Records label, but then I changed my mind and I thought it was too much "music about music." I started doing songs to teach topics that have a wider importance to the world and to social history, so now I have pieces on Sitting Bull, Marco Polo, the Soviet Union, North Korea, things like that. I do think that music and art have a tremendous power to change reality, people get their notions of reality from the culture that is around them, but most culture has very little real information, very little real emotions, and real explanations of situations and consequences. In America you will see a big movie about aliens attacking the earth and the American military being the heroes who fight the aliens, but you will never see a big movie about the real life heroes who fought to make the 8-hour work day instead of the 12-hour work day. Culture is entertainment, but culture reenforces an idea of reality, so the people who make culture have a responsibility to be entertaining AND to help people to understand their world, to give some tools to hopefully lessen human suffering. If our top priority here on earth is not to help ease the burden of suffering, then what is our top priority? It's difficult being a human, we can all help each other through it, and culture can be a big help.

Do you know if Will Oldham has listened your song "Williamsburg Will Oldham Horror"? If so, what was his reaction?

I never talked to him about it, but people have told me that he likes it.

What moved you to make a complete album of Crass covers, ("12 Crass Songs")? Do you think their message is still valid?

I think Crass is a great band, and a band with a powerful message, but they spoke in the language of hardcore punk. I wanted to be a translator, to take their songs from the language of hardcore punk and translate them into other musical languages to allow other ears to have more access to them.

Jarvis Cocker said you were the best American lyricist of today. How did you feel about that?

It was very nice of him to say but I don't think it's true, Kimya Dawson writes better lyrics than me, Eminem writes better lyrics than me, Lou Reed writes better lyrics than me, lots of Americans write better lyrics than I do! But I don't want to tell Jarvis about those people!

Entrevista a Fernando Alfaro

2011-09-10T15:19:00.003+02:00

Este jueves, Fernando Alfaro vuelve a tocar en Madrid. Será en el Neu! Club, teloneado por Sector de Agitadas. Aquí va la transcripción completa de la entrevista que salió ayer en La Luna de Metrópoli.

¿Qué tal los conciertos hasta el momento?

Los conciertos están siendo muy diferentes en cuanto a formato. He hecho algunos solo con guitarra, a pelo, sin amplificación ni nada, con Raül Fernández.., ahora en la Feria de Albacete voy a ir con batería y guitarra eléctrica, que es un formato que ensayé antes de grabar el disco hasta que rompí el brazo y se truncó. Aquellos conciertos al final los hice con el brazo escayolado y con Joaquín Pascual tocando la guitarra. El formato estándar es con banda al completo, Xabi Molero a la batería, el bajo lo toca Alfonso Alcalá y luego está Marcel Cavallé a la guitarra y teclados.

El repertorio que soléis hacer es el álbum actual al completo y, al final, temas de Chucho y Surfin' Bichos. ¿Es así?

Antes de sacar el disco tocábamos mucho material antiguo, pero ahora es el momento de este disco, y creo que es lo que la gente va a escuchar cuando va a verte. Además funciona muy bien en directo, que es algo que no pensaba, no sé si porque muchas canciones ya las tocaba antes de grabar, sino porque funcionan en todos los formatos. Supongo que reservaremos canciones más antiguas para el final. No sé si en Madrid será un problema porque ya tocamos en El Sol con un repertorio similar, pero es que, si soy sincero, tampoco hemos tenido tiempo de ensayar otras cosas. Además habrá gente que no nos vio e irá ahora. Aparte, cada concierto es distinto, no necesitas tocar todo diferente… No sé si me estoy convenciendo (risas).

¿Se te hace raro ver tus discos y conciertos anunciados con tu nombre y no al frente de una banda?

Ya me he acostumbrado. En la etapa de Los Alienistas fue como una fase intermedia, una especie de despojamiento. Igual que me he acostumbrado a tocar yo solo con una guitarra acústica. Yo me acuerdo, cuando empecé con Surfin’ Bichos, cuando veía a algún artista que iba a un programa de radio y sacaba la guitarra acústica para tocar un tema, pensaba que yo no podría jamás hacer eso, y además era una cosa que entonces se valoraba mucho. Ahora mismo es todo lo contrario, todo el mundo te pide que lo hagas y a mí ya no me cuesta. De hecho, el acústico ya se está devaluando. En un documental en el que voy a aparecer ya me han dicho que en acústico no, que es lo que todo el mundo hace.

Tu música siempre ha sido muy confesional, aunque muy metafórica también. ¿Negocias mucho contigo mismo hasta qué punto quieres sobreexponerte en las canciones?

Sí. Es muy complicado, porque hay otras personas implicadas. Supongo que los novelistas tienen dilemas de este tipo también. Cuando lo que creas es narrativo te basas no siempre en lo real. Y también contigo mismo. De todas formas, normalmente cuando eres sincero no te pones cortapisas. Pero ese es un planteamiento que te haces, aunque al final casi nunca lo cumples, porque si te autocensuraras no valdría la pena. Finalmente terminas soltando todo lo que hay que soltar y ya está.

¿Es cierto que estás pensando en escribir una novela?

Sí, pero está todavía en estado de monstruo prenatal. No podría ni explicar de qué va.

Has dicho que las películas y los libros a veces se sienten más intensamente que las propias vivencias de uno. ¿Has llegado a sentir que tu vida se convirtiese en esclava de tus propias canciones?

No sé si de las canciones, pero un riesgo muy evidente para los que nos dedicamos a esto es volverte un esclavo de tu personaje. Eso es muy peligroso, es algo con lo que he tenido que lidiar y a veces me ha cogido el toro. No se sabe muy bien si tú creas un personaje, o la gente, o lo creas tú en el imaginario de la gente y se convierte en una especie de excusa para según qué comportamientos. No sé si es eso o si todo forma parte del mismo juego, y creo que es más bien esto último. Construyes canciones y te construyes a ti mismo.

Una imagen muy comentada de "La vida es extraña y rara" es cuando dices “Fin de semana como el fin del mundo” (en "Camisa hawaiana de fuerza"). En el arte actual parece haber una obsesión muy grande con la idea del apocalipsis, bastante películas de este año tienen que ver con el fin del mundo. ¿Compartes tú esa obsesión?

Yo creo que es un poco consustancial. Ya en el año 1000 hubo todas aquellas profecías, hay una larga tradición de catastrofismo que se exacerba un poco en épocas de crisis. También en los años 50 y 60, sobre todo en EE UU, la paranoia nuclear que había. Hay que tomárselo con calma y con sentido del humor.

Hablando de crisis, el tema de Chucho “La mente del monstruo” se revaloriza ahora como canción indignada…

Sí, porque además no es una canción política sino de rabia, digamos, de rabia socioeconómica o incluso humanística. Rabia o incluso perplejidad, de ver gente que… no sé si es un talento o… yo creo que sí, hay gente con talento para ganar dinero a costa de quien sea como si fueran helicópteros o pájaros sobrevolando a un nivel en el que no me interesa estar nunca. Esa es su mentalidad, a mí me asusta un poco o incluso me sorprende que uno se pueda ganar la vida con eso. Sobre todo cuando tiene consecuencias sobre la vida de la gente, porque la riqueza es algo finito: el que la tiene es a costa de quien no.

Hace años un estudiante de teología hizo una tesis sobre las letras de Surfin’ Bichos. ¿Te descubrió muchas cosas sobre tus canciones?

Sí, sobre todo el hecho de haber tenido una educación católica y haber estado asimilando todos esos mensajes bíblicos sin que yo lo supiera en realidad. Es como si estuviese grabado en mi mente infantil como si fuera una cinta virgen, y a la hora de expresar todas las cosas que yo sentía entonces, no de forma automática pero casi, me salían frases, historias e imágenes con mucho de aquella educación. En aquel momento, mucha de la música que escuchaba era blues, góspel, country… y en toda la música norteamericana, donde la religión está tan introducida, hay una cercanía, las drogas también, entre la creación musical y las músicas de raíz. Todo eso era una especie de caldo de cultivo del que salían disparadas las canciones mías de entonces.

¿Existe un sonido Albacete?

Pues…. Creo que no. Vamos a ver, lo que hay es una serie de grupos y artistas que hemos salido de una especie de punto común, que fue Surfin’ Bichos y algunos grupos amigos nuestros de entonces, que compartíamos algunas referencias musicales y eso sí que ha generado una especie de comunión o algo así, incluso de sonido y de concepto en cuanto a letras. Supongo que también determinados climas o paisajes pueden conducir a ello, que te condicionen, pero luego hay grupos que no tienen nada que ver con lo que hacemos ahora. Hay muchos grupos en Albacete.

"Cuento de verano", de Eric Rohmer. Seguimos aprendiendo a vivir.

2011-08-26T13:20:00.003+02:00

Ya es un clásico de "Perdiendo mi eje" hacer referencia a los veranos de Eric Rohmer. Si en entradas anteriores divagué sobre "El rayo verde" o "Pauline en la playa", ahora voy a hacer lo mismo con "Cuento de verano" (1996) intentando no repetir lo mismo que ya digo siempre.

El tercero -y mi indiscutible favorito- de los Cuentos de las Cuatro Estaciones no lo vi en el momento de su estreno, sino en uno de mis dos primeros veranos en Madrid (no recuerdo si el del 99 o el 2000) y me quedé fascinado no sólo con lo bien articulado de la trama y el retrato psicológico de los personajes, sino, sobre todo, con las escenas de los paseos de los dos protagonistas principales, Gaspard (Melvil Poupaud) y Margot (Amanda Langlet) y sus conversaciones asociadas.

Once o doce años después, al revisarla, la peli me ha ganado más todavía. Al asociarme inevitablemente con personajes y situaciones, lo que percibía aquella primera vez lo percibo ahora de forma diferente. Por un lado, si antes me veía más cerca de aquella juventud, ahora noto cierta nostalgia de los veintitantos, las vacaciones de estudiante, etc., aunque, en realidad, no tantos cambios a nivel de metalidad. Por enmedio, lo más potente: cómo todo lo que se ve y se cuenta es transformado por las vivencias que he tenido a lo largo de esta década larga, cómo intento relacionarlo con ellas y, atención, qué es lo que puedo aprender (cosas diferentes a la primera vez) de lo que me está contando. Las relaciones entre vida, experiencia, anhelos y aprendizaje mediatizadas de singular manera por el arte. Maestro Rohmer.

Cinematográficamente, es también una de mis pelis favoritas del francés porque, frente a otras más estáticas o rodadas en interiores, ésta se desarrolla en constante movimiento y en diferentes localizaciones de la Bretaña francesa (incluidas varias escenas en coche y un par de ellas en barco, como esa maravillosa en la que van cantando una canción de marineros). El movimiento de los personajes va asociado al de sus pensamientos, sensaciones y vivencias, todo ello encadenado en torno a un concepto de azar muy asociado al momento: el azar a mediados de los 90 era, todavía, otro muy diferente al actual, al no estar generalizado por entonces el uso de los teléfonos móviles e internet. Algún otro día escribiré una entrada sobre cómo era la vida antes de los móviles. E, incluso, como cambia todo a la hora de construir un argumento y una narrativa.

Una sinopsis perezosa hablaría de "Cuento de verano" como la historia de un chico que se va de vacaciones a la Bretaña y tiene affaires con tres chicas diferentes, viéndose sumido en la duda de con cuál de ellas quedarse. Visto así, daría más pereza todavía. La peli no va de eso. La peli es un retrato de Gaspard, personaje dubitativo y en transición, que va conociéndose a sí mismo y descubriendo sus diferentes personalidades a través de la mirada de esas tres chicas. Especialmente lúcido es el que le hace Margot cerca del final, cuando analiza todas las diferentes facetas de él (solitario, tímido, torpe, pillo, galán, indeciso) que ha observado. La propia, Margot, también sujeta a contradicciones, es el personaje femenino más rico de la película, aunque las otras dos no son tampoco precisamente arquetipos ni clichés, sino mujeres con una compleja personalidad, tal y como siempre nos acostumbró Rohmer a ver.

Pero, sobre todo, "Cuento de verano", que, en realidad es una comedia de enredo en las antípodas de la comedia romántica tal como se conoce comunmente, es una de las películas que más lúcidamente ha reflexionado sobre la siempre sutil y tensa dicotomía amor/amistad y sobre las convulsiones internas generadas por la amistad entre hombres y mujeres.

Sin ninguna duda, yo me habría quedado con la siempre encantadora Margot/ Amanda Langlet. Pero no sé si como novia o como amiga.

El ex fabuloso mundo del circo

2011-08-20T20:22:00.004+02:00

Paseando esta tarde por Coruña he visto carteles de un circo, y me pareció automáticamente un anacronismo considerablemente mayor que el de los carteles de las corridas de toros (espectacularmente de moda por obra y gracia del neo-rancismo hegemónico en la España actual, Galicia incluida). Nunca sospeché que el circo podría sobrevivir en 2011, aunque, si lo ha hecho, parece que ha sido a base de modernizarse en la medida de lo posible. Se trata del circo Richards Bros, anuncia como principal atracción al Hombre Araña y tiene una página web. Supongo que la idea que se tiene del circo moderno debe ser algo similar a esas pijadas como el Cirque du Soleil (que siempre he visto como algo análogo a la cerámica de Lladró o las fotos de Anne Geddes, visión reforzada por los monólogos del gran comediante estadounidense Patton Oswalt)) o a reubicaciones multiusos como el nuevo Teatro Circo Price de Madrid. Otro márketing, otras funciones, otros modos de captar al público... ¿O realmente siguen perviviendo características del circo que conocí?

El circo que conocí. Me encantaba. De hecho entre los 0 y los, pongamos, 7 años, era lo que más me gustaba del mundo hasta que el cine y los tebeos entraron en mi vida. No recuerdo muy bien cómo pillé la afición. Supongo que en aquella Coruña deprimida de los primeros setenta no habría muchas más oportunidades de ocio para un niño. Las maquinitas de marcianitos más rudimentarias aún estaban lejos de llegar, por ejemplo. El caso es que mi padre me informaba de cada vez que venía un circo y me llevaba. A todos. En esa nebulosa incierta de la memoria los recuerdo situados en paisajes que ya no existen: en la plaza luego ocupada por El Corte Inglés o en la vieja Plaza de la Palloza. Durante muchos años, para mí la Plaza de la Palloza era el lugar mágico donde venían los circos. Para mí había algo como de entrar en otro mundo, en un mundo mejor, maravilloso, cuando estaba dentro de la carpa, en aquellos bancos corridos, entrando en una de ellas por la gigantesca boca de un payaso. Todo eso, por supuesto, con la ingenuidad normal de esos años, todavía muy ajeno a las vidas sórdidas que se podían encontrar detrás, al mal rollo consustancial al clown, al maltrato animal o la explotación.

El desencanto fue, supongo, que paulatino y paralelo precisamente al crecer en edad e ir perdiendo la inocencia. A finales de los 70, o quizás primeros 80, recuerdo haber ido al Circo Ruso de Ángel Cristo y Bárbara Rey, glamour cutre y couché. Visibilizo el recuerdo nebuloso como de unas piernas gigantes de mujer y que pasabas por debajo para entrar (o algo similar a eso). Supongo que, dentro de la evolución del circo, aquello tenía algo que ver con la irrupción del Destape en la transición. Aunque, en realidad, la evolución que más recuerdo, y la primera fuente de desencanto, fue el de, para no perder comba con los tiempos, tener que adaptarse al boom de la televisión de aquellos años. Entonces cada personaje de moda de la tele salía como principal reclamo del circo: que si el circo de Orzowei, que si el circo de Mazinger Z, que si el de Vacaciones en el Mar, la abeja Maya, Los Pitufos o el de Curro Jiménez... (bueno, esto último no sé si existiría, pero me gusta pensarlo). Gradualmente fui notando el fraude ya no sólo porque era un poco mayor para aquello sino porque, además, no se lo curraban nada. Recuerdo decir "hasta aquí hemos llegado" cuando encadené dos momentos lamentables: un Supermán que lanzaban de un cañón cutre cual hombre bala y aterrizaba en una tinaja que parecía una de esas piscinitas portátiles que tiene la gente en sus jardines, y un Spiderman gordo y con un disfraz cutrísimo sospechosamente parecido al que actualmente asusta a los niños en la Plaza Mayor de Madrid. A partir de ahí, mi padre decidió llevarme al hockey sobre patines todos los domingos.

Otro momento clave en mi divorcio con el circo fue ver en el periódico la noticia de que en uno de ellos que acababa de venir había nacido una leona y le habían puesto de nombre Coruña. Luego se había filtrado (no era difícil), que al llegar a, pongamos, Ponferrada, dijeron que había nacido otra leona y que la habían llamado Ponferrada. Para más morro, unos tres años después llegó otro circo, nació otra leona y la llamaron Coruña. Fatal. Ya no iba al circo en aquella época pero se me quitaron las ganas de volver si algún día me venía la tentación.

Pese a todo, sigo viéndole cierto encanto a mi idea del viejo circo, aunque ya con una mezcla de amor por el romanticismo de lo obsoleto, de idealización y de atracción por esa convivencia entre la ilusión y la sordidez. Ahora pienso en el circo de películas como "Trapecio" o "Freaks", también en el de "El cielo sobre Berlín" (para el que quedará siempre en el recuerdo la imagen como trapecista de la bella y tristemente malograda Solveig Dommartin). O incluso en películas más recientes. En un circo de los de antes, símbolo de peligro y también lugar en el que todo es posible, se ambienta una de las películas más bonitas y más silenciadas de este año: "El último verano", cinta con aroma crepuscular y reflexivo, auténtica lección de vida, dirigida por el gran Jacques Rivette e interpretada por unos excelentes Jane Birkin y Sergio Castellito. Con esta recomendación me despido.

Y con otro momento de belleza máxima ambientado en una carpa de circo, aunque se tratase de otra cosa. Something Better.

"It's All True", de Junior Boys. Pop negro de bata blanca.

2011-08-08T18:09:00.002+02:00

Decía hace poco James Murphy que el sonido se ha perdido para siempre desde que la comprensión en MP3 se convirtió en el formato hegemónico. Quizás el ya ex líder de LCD Soundsystem pecase de apocalíptico: cada movimiento evolutivo (o involutivo) en las formas de distribución y consumo musical crea movimientos de reacción. El año pasado, sin ir más lejos, El Guincho reivindicaba en “Pop negro” la estética de la alta fidelidad, las grandes producciones de r’n’b de los 80 y los 90. En realidad, los canadienses Junior Boys ya venían haciendo esto desde que debutasen con “Last Exit” en 2004, pero quizás su obsesión por el sonido no se viese tan nítida como en este cuarto álbum. “It’s All True” es, ante todo, una invitación a sumergirse en la exquisita producción de las canciones: las texturas sintéticas, los ritmos y esa línea clara, impoluta, casi reaccionaria en plena era de la mugre dubstep. Las atmósferas de fondo siguen remitiendo a grupos de los 80 como Japan o Talk Talk, parte del ADN musical de Jeremy Greenspan y Matt Didemus desde sus inicios, pero ya van dejando atrás la melancolía (ahora apenas presente en temas como “Playtime” o “A Truly Happy Ending”) en beneficio de los ritmos r’n’b y funky.

Como vocalista, Greenspan se ha soltado ligeramente, explora el falsete con más frecuencia e incluso rompe un poco con su contención al repetir algunas frases de forma compulsiva (la más evidente, el “I love you so bad and I wanna repeat it” de “EP”). También se sueltan con los bpm como hasta ahora nunca habían hecho, en temas como el extenso “Banana Ripple” o el semi instrumental “Kick The Can”, casi un hermano pequeño del “Odessa” de Caribou. Y, al igual que en su álbum predecesor, “Begone Dull Care” (2009), el dúo de Ontario se ha buscado una coartada “arty” para dar concepto al disco. Si en aquella ocasión se trataba de un homenaje al animador Norman McLaren, ahora aluden a la película “Fraude” de Orson Welles (1973) como forma de criticar a la industria musical, pero eso no parece reflejarse en el contenido del disco, abonado a una temática sentimental bastante rutinaria. De hecho, a Junior Boys cada vez les cuesta más mover las fibras emocionales: sus lamentos suenan castos y quirúrgicos, cero carnales, como si surgiesen de tubos de ensayo en un laboratorio. Puede ser una opción estética defendible, pero dudo de que ello formase parte de sus intenciones.

"Historia social del flamenco", de Alfredo Grimaldos

2011-08-07T21:04:00.003+02:00

Hacía tiempo que tenía ganas de hincarle el diente a este libro de mi respetado compañero en La Luna de Metrópoli Alfredo Grimaldos. En realidad, me imaginaba otra cosa más acorde con lo que apunta su título pero, más que una exhaustiva visión historiográfica o sociológica (que era lo que más me atraía a priori) tiene un enfoque periodístico ligeramente caótico. No es necesariamente un demérito: Grimaldos se basa fundamentalmente en entrevistas realizadas a lo largo de los años a diferentes figuras del flamenco (no precisamente las más conocidas, aunque sí representativas de las ideas que él quiere mostrar, y muchas de ellas ya fallecidas) y, de este modo, lo que prevalece es algo tan de ese género como la memoria oral.

La historia social, pues, no se cuenta desde fuera (aunque sí hay una introducción del autor en este sentido y bastantes comentarios para informar y contextualizar), sino que se infiere a través de las palabras de los entrevistados, que se convierten en los verdaderos protagonistas. El anecdotario (que es lo predominante) no se queda simplemente en eso, sino que a partir de ahí se va trazando un discurso sobre los orígenes del flamenco dentro de una situación de pobreza y cuasi esclavitud, su actitud a menudo rebelde (especialmente durante el franquismo), el salto de actuar en las ventas o en fiestas de señoritos a los tablaos y, posteriormente, teatros; su paulatina dignificación cultural y, paralelamente, la pérdida de su esencia más purista en beneficio de la fusión y el flamenquito.

Dos son, creo, las ideas-fuerza que pretende resaltar Grimaaldos. La primera, una reivindicación del flamenco como música de los desposeídos y música comprometida socialmente. Hay, diría, una perspectiva de lucha de clases en este sentido. La segunda, una crítica a los nuevos rumbos que está tomando (e incluso diría que una alerta ante la posible extinción de sus fundamentos más jondos, visto también con cierto aroma nostálgico). Hay críticas -muy comprensibles y que comparto, por cierto- con la visión del género que dio Carlos Saura en su película "Flamenco" y a figuras como Joaquín Cortés o muchos de los representantes del denominado Nuevo Flamenco. En este sentido, observo (como no podía ser de otra manera) cierto paralelismo con lo que ha sucedido con otros géneros creados por minorías desfavorecidas como es el caso del hip hop: los valores comprometidos se pierden en beneficio del culto a lo más material y al lujo, esa cosa tan de nuevos ricos. Y eso me hace recordar unas palabras de Raimundo Amador cuando le entrevisté el año pasado junto a Howe Gelb: venía a decir que Howe parecía más gitano que ellos y que ellos parecían los payos, porque el de Arizona iba por ahí con la guitarra cubierta de polvo y ellos trataban a sus instrumentos de forma bastante más pija.

No esperen encontrar tampoco algo así como una genealogía de los grandes maestros del cante, la guitarra o el baile. Para eso, supongo, ya hay otros libros. Evidentemente, se habla de Antonio Mairena, de La Niña de Los Peines, de Camarón, Paco de Lucía, José Menese, Carmen Linares o Enrique Morente (aún vivo cuando el libro se editó), pero su presencia no es más importante que la de otras voces. Por ejemplo, la de un personaje tan singular como El Cabrero.

Justo cuando escribo estas líneas, veo en la tele que, este año, el Festival del Cante de las Minas de la Unión ha contado con la presencia de Pitingo y ha concedido un galardón a Alejandro Sanz. Todo esto da más fuerza a las tesis de Grimaldos y hace que su libro sea más necesario.

Anika interview

2011-04-09T20:35:00.003+02:00

Anoche tuvimos el gran placer de ver actuar por primera vez en Madrid, dentro de la programación de Electrónica en Abril, a Annika Henderson, una chica angloalemana de 23 años, ex periodista política y que, desde Bristol y con el padrinazgo de Geoff Barrow (Portishead) tensa canciones pop aparentemente dulces con ruido, suciedad y bases machaconas de herencia dub, todo ello dotado de una lectura política y social. Días antes, de cara a un texto sobre el festival que ayer se publicó en La Luna de Metrópoli, le envié un cuestionario por email, que aquí reproduzco en su inglés original e incorrecto.

Your album ("Anika", 2010) is basically made of cover versions, although I’ve read you had a lot of songs written since very young. What moved you to choose mostly someone else’s songs instead of yours?
It being the kind of project that it is, I think an album full of our own writing would have been too inaccessible. By recording covers, it gave people an original to compare our version of the song to. It offered a juxtaposition whereby the sweet original was sat next to our darker, twisted interpretation. A lot of people didn’t even realize it was an album mostly covers because we had messed with the songs so much. We wanted to go against the trend of over-produced sickly sweet Nokia folk and so twisting sweet 60s songs was tremendously gratifying… more so than just writing lyrics that overtly rejected it.

I know there is a political commentary in your approach to the original songs. I see some of them are quite naïve 60’s songs and you make them dirty and dark. The Dylan ("Masters Of War") and the Yoko Ono ("Yang Yang") ones are political songs that you take from a contemporary perspective. But… are there many more intentions in that?
The reason the Yoko song appealed to me was because I liked the words and the way the lyrics sounded when I spoke them. It was only after that I appreciated the song’s true meaning. I have a penchant for languages and words, so yang yang was just an appealing song. I learnt german before I learnt English and have moved around a lot picking up bits of welsh, Birmingham, Swedish. I think this is why my accent is a little confused. With regards to Bob Dylan’s song, it appealed because of the intelligent argument the song puts forward. There is a huge lack of political songs these days apart from perhaps the odd U2 song, that is so far removed from our every day issues that it’s not really a protest song, more a charity record. Dylan’s song was a direct comment on those that sit in the background, in the comfort of their mansions, handing the guns to those who go out and risk their lives. The song is just as relevant now as it was then and that is what is so good about it.

There are some current bands inspired by 60’s girl groups, taking back that sound from an indie lo-fi perspective, quite nostalgic (Best Coast, Dum Dum Girls, Tennis…) Have you listened to them? What’s your opinion?
Yes. I just djed at the fat Possum showcase with Tennis in SXSW. They are covering the Beach Boys side of the 60's, which is great and very pleasant but we deal with the parallel universe.

Were you a Portishead fan before collaborating with Geoff Barrow?
Yes but I only realized it was Geoff ‘Portishead’ Barrow during the 3rd recording session or something. I just liked what they did and Geoff is a very unassuming character.

What were the contributions of the Beak guys to the sound of the record? Did they contribute many ideas or were they mainly yours?
It was an equal contribution process. We all put forward cover ideas and we jammed together, recording things as they came. That’s the way Beak and Anika work. We’re all in the same room but focusing entirely on our own bit, in our own universe but slotting it in with the stuff around us. It’s a nice way to record.

Are there many differences between the record and your live sound?
Yes I think the live show helps people understand the record more. Plus we’ve all developed quite a bit since. We recorded the record so quickly that now we have moved on quite considerably. I’m looking forward to the next record! The backing band is made up of Matt and Billy from Beak and two new members: Andy and Rasha.

How do people usually react in your shows? You consider your music as confrontational and uneasy, but it can be very hypnotic too…
Yes. I always think I am making people feel uncomfortable but they often say the opposite: that they felt VERY comfortable…

Do you have more cover versions in your live repertoire? More songs of yours?
Yes, there’s a few additional songs in the live set (en Madrid tocó "Love Buzz" de Shocking Blue, popularizada por Nirvana, y, según me reveló mi compañero Carlos Barreiro, una de Chromatics). We have just finished recording a short EP. It’s a nice middle step between the next album.

Are you fed up of all the Nico comparisons?
I’m German and I’m blond. OK. So well done. People always need to compare and contrast to understand and I suppose German blond musicians aren’t that common.

Your current favorite artists?
I like Soft Moon, Factory Floor and the new PJ Harvey album.

The End Of The World

Entrevista a Manolo Martínez (Astrud)

2011-03-13T13:34:00.002+01:00

¿Es cierto que Astrud dejó de existir como grupo después de “Tú no existes”?
No. A veces me sucede, que me coge una neura y lo quiero dejar y que la cosa no tiene sentido y no voy a hacer canciones nunca más. Eso sucedió de forma más marcada tras “Tú no existes”, pero también me pasó tras “Gran Fuerza”. Es parte del proceso normal de preparar el siguiente disco, aunque esta vez me dio más el mal rollo. Bueno, no sé, yo he dicho en alguna entrevista que no era trivial el cabreo y eso es verdad, pero tanto como decir que se acabó el grupo no sería justo.

Durante ese tiempo Genís se implicó más en Hidrogenesse. ¿Llegaste a sentirte celoso por ello?
Bueno, claro, pero eso no fue culpa de Genís sino mía. Él vive de la música, tiene muchas ideas y les quiere dar salida. Yo en aquel momento no estaba por la labor y él potenció el otro grupo, que lo tenía desde hace tiempo. Por otro lado yo soy súper fan de Hidrogenesse y me encanta que haya sacado discos que quizás no hubiesen salido o habrían tardado más porque Genís estuviese más dedicado a Astrud. Pero si me preguntas si me siento celoso pues sí, claro, pero es justificado porque son canciones bien chulas y discos bien bonitos. No es como si se fuese con la tuna a hacer una gira por universidades católicas de Europa.

¿Ganan las canciones de Astrud tocadas junto al Col•lectiu Brossa?
Desde luego suenan más bonitas en un sentido objetivo. En general las canciones ganan cuando las puedes escuchar de maneras distintas. La gente no se acaba de dar cuenta, porque es normal, no tiene por qué saber de qué va esto de hacer canciones, pero a veces no sabe que los temas dependen de la manera en que se graban, no de los arreglos, del tempo o de los instrumentos ni otras muchas cosas. Uno se da cuenta de eso, de manera abstracta, cuando la escucha tocarla de maneras muy distintas y este proyecto lo permite.

Habéis tocado en casi todos los formatos posibles. ¿Os aburrís de hacer siempre lo mismo?
Sí. Yo cuando no tenía un grupo pensaba: “¿Cómo será tener un grupo, sacar cinco disco y tener que seguir tocando las canciones del primero?”, porque hay algunas que no las puedes dejar de tocar nunca. Por ejemplo, Los Planetas ahora pasan de todo, pero en la época de “Encuentros con entidades”, por ejemplo, ay de ellos si no tocaban “Segundo premio”. Y, claro, cuando la has tocado cuarenta mil veces debes acabar hasta las narices. Nosotros las cambiamos para que eso no nos pase. Así hemos seguido tocando “La culpa”, pero cuando nos ha dado pereza hemos cambiado de rollo y ya está.

Es curioso que la versión de Battiato que soléis hacer en directo, “Voglio vederti danzare”, la interpretáis en su versión italiana, aunque luego el público canta la española, que es la que conoce todo el mundo aquí…
Cuando a principios de internet, en el 99 o así, me empecé a bajar las canciones importantes de mi vida, me bajé un disco de Battiato y lo que encontré era un recopilatorio de éxitos en italiano. Aunque la canción con la que crecí era la versión en castellano, pero realmente la letra dice cosas incoherentes que no aparecen en la italiana. Por ejemplo, cuando dice “a ritmo de siete octavas”, en realidad lo que quiere decir es “a ritmo de siete por ocho”. Pensé, ¿eh?, en coger la letra en castellano, arreglarla y ponerla normal, pero iba a quedar muy raro, así que opté por la original.

Hay un mensaje muy claro en titular “Lo nuevo” a un disco de temas antiguos, ¿no?
No, sólo hay una intención de tontería. La razón es porque el estribillo de “Lo popular” habla de lo viejo y lo nuevo. Si uno lo ve en el contexto de esta canción se dará cuenta de que lo que dice es que lo viejo es lo nuevo. Nadie está defendiendo que esto sea nuevo, porque en realidad es viejo.

El videoclip de “La música de las supercuerdas” finaliza con un extraño diálogo entre Genís y tú. ¿Buscáis ahí la autoparodia a costa de los propios personajes que os habéis construido?
Claro, claro, es humor. Yo he leído interpretaciones sesudas de lo que estamos diciendo, pero estamos haciendo el tonto básicamente. No hay nada profundo en ello, como creo que resulta obvio. Me parece guay que haya gente que quiera ir más allá y quiera buscar cosas que están más abajo, y probablemente lo están, porque todo lo que está escrito queda ahí para que la gente lo interprete, pero es transparente, y lo que no es transparente es una mera broma.

Tus canciones son bastante retorcidas. ¿Has llegado a encontrarte con la sensación de querer aligerarlas y ver que no podías conseguirlo?
Pues mira, este sí que es un desencuentro mío con el público y con la prensa. Yo sí creo que son canciones relativamente transparentes y ligeras, en el sentido de que no dicen nada por decirlo. Hay construcciones líricas en las letras tradicionales del pop y del rock que siempre me han parecido repugnantes y he intentado evitarlo, y me parece que con éxito. Parece que eso provoca cierta extrañeza porque el resultado final es muy distinto o, bueno, ahora ya lo que tienen de interesantes las canciones que hemos hecho ya está entendido y aceptado, y es parte de lo mainstream del pop en castellano o la cosa ésta indie o como se llame, pero cuando la gente se extrañaba mucho de las letras era precisamente porque se entendían. A mí no me parece que sean raras. No sé, las letras de las dos canciones nuevas… no sé, si están bien claras, son frases con su verbo, su sujeto y su predicado y que se acaban, no son como raptos ni nada por el estilo, sino que son todo discursivo.

Igual el problema precisamente es que son demasiado discursivas para lo que la gente está acostumbrada a oír.
Puede ser, que el tipo está diciendo cosas y eso genera ruido. Claro, no son como las de Bisbal, que una cosa es de lo que habla, de amor o de desamor, y luego es metáfora va metáfora viene. Pero tampoco tiene tanta importancia, porque eso sirve de colchón para hacer melodías, que es de lo que va ese tema. Yo entiendo la extrañeza de la gente, pero de ahí a tacharlas de que las letras no son claras, eso ya me parece más injusto.

El nombre del grupo se pronuncia “Astrúd”. ¿Cómo lleváis que después de tantos años la gente siga diciendo “Ástrud”?
Con perplejidad y con cariño. Es como entrañable que hayamos sido incapaces en quince años de carrera de convencer a la gente de que se dice “Astrúd”. Realmente debe ser potentísima la tentación de llamarle “Ástrud” porque tío, mira que lo decimos veces, no es que seamos pesados ni nada por el estilo, pero siempre que Genís y yo hablamos en una entrevista lo decimos como se dice. Es una cosa divertida que la gente que está con nosotros, los mánagers y la gente cercana dice “Astrúd” y todo el resto del mundo dicen “Ástrud”. Una vez en el programa “Música sí” nos preguntaron cómo se pronunciaba el nombre. Parecía la típica escena de peli de “Aquí se decide”, porque salía en la tele, y yo dije “Astrúd”, pensando “qué guapo, por fin tal y cual”. Un carajo. Ahí no pasó nada.

¿Qué opináis de Single?
Pues a mí me encantan. Yo era muy fan de Aventuras de Kirlian y de Le Mans y también lo soy de Single. Reconozco que cuando la época de “Mi novela autobiográfica” me distancié un poco de ellos, pero “Pío Pío” me convenció completamente y su música me parece una pasada. Creo que tienen lo mejor de Le Mans con un sonido más maduro y más original, y las letras de Teresa son una pasada también, que son cosas que nadie dice pero que se pueden decir y que tienen mucho éxito en forma de canción. Suenan muy muy bien y me encanta que existan.

Impartes clases de Filosofía en la universidad. ¿Te hacen comentarios los estudiantes sobre el grupo?
Muy rara vez. Lo que suele pasar es que en cada clase hay uno o dos que sabe quién soy y ese, como le hace gracia, se lo comenta al resto. Es parte, supongo, de la risa que está subyacente a la clase, pero la gente es educada y sensata y no saca el tema. Alguna vez hay algún listo que dice “por ejemplo, imaginémonos que hay un cantante…”, pero pones cara de póker, le fulminas con la mirada y ya está. A veces a final de curso hay alguno que te viene para que le firmes el disco, hablas un poco con él y tal del tema, pero, vamos, que la gente suele ser maja y no saca el tema porque sí.

¿Sabes si Noam Chomsky llegó a escuchar vuestra canción?
No lo sé, pero no lo creo tampoco. Sé de gente que lo conoce, podría haber pasado, pero no creo.

¿Es cierto que eras muy fan de El Último de la Fila?
Sí, tengo todos los discos. Grabados, ¿eh?, porque no me los compraba, y también de Los Rápidos y Los Burros, y también el primero en solitario de Quimi Portet. El de los hombres rana ya no me hizo tanta gracia, pero no sé si es porque cambiaron ellos o cambié yo. De Manolo García he escuchado poquito, sólo lo de por la tele, y no me gusta mucho. Y me da rabia porque recuerdo con mucho cariño aquellas canciones y me contamina todo hacia atrás, ¿sabes? Lo que ahora hay, que me parece muy poco interesante, me hace ver que entonces ya había eso, y discos como “Enemigos de lo ajeno” me parecen muy bonitos.

¿No te gustan grupos actuales?
Bueno, desde luego me gustan Single, Hidrogenesse, Triángulo de Amor Bizarro me encantan, me flipan; Klaus & Kinski… pues lo que todo el mundo. He oído menos la cosa barcelonesa, lo que tiene gracia aquí, el Crepúsculo, Extraperlo, pero también me gusta, y El Guincho me gusta muchísimo. Hace unos años parecía que había poca cosa, pero ahora hay un montón de grupos que molan.

¿Estás componiendo temas nuevos?
Vagamente, pensando en letras y en ideas pero muy poco a poco. Ahora ya empezaremos a ensayar y eso es lo que hará que escriba. Grabaremos con la misma gente del Col•lectiu Brossa pero con otro formato. Cambiaremos instrumentos probablemente.

Durante la interpretación de “Mentalismo” intentáis que Genís levite. ¿Lo habéis conseguido alguna vez?
Noooo, eso lo hacemos para que la gente se dé cuenta de que no se puede. Hay eso que tienen muchos de la magia y el todo y el contexto, que la tensión del directo genera una fuerza especial. A algunos se les llena la boca con esta tontería pero no sé, todo el mundo sabe que Genís no va a levitar pero no cuesta nada verlo. Igual te pasa, dices "¿ha levitado alguna vez alguien? No sé, un gurú indio, un santo"… pues la respuesta es no, tío, y además da una paz de espíritu brutal saber que jamás lo ha conseguido nadie. Y una humilde pruebita es ver que Genís no puede levitar en ningún concierto.

Hace poco me di cuenta de que “Hay demasiada cafeína en mi torrente sanguíneo” ("de "Miedo a la muerte estilo imperio") es un préstamos que tomasteis de una letra de los Smiths, "A Rush And A Push". ¿Hay muchos más casos de este tipo que se nos puedan haber pasado?
Sí, está entrecomillado, de hecho, en el libreto de “Mi fracaso personal”. En la misma canción, “chistes malos que vacían las habitaciones” es también un préstamo de Morrissey, de “Vauxhall & I”, "Now My Heart Is Full" (canta): “My father cracks a joke and in the usual way empties the room”. Y, sí, seguro que hay más. En realidad todo “Miedo a la muerte estilo Imperio” es una especie de parodia de un libro de Deleuze que se llama “La lógica del sentido”. Muchas de las cosas que se dicen así raras, como “paradojas circulantes”, es como si las dijera un deleuziano trasnochado. De hecho, cuando el “Performance” estuvimos un rato pensando en canciones que tuvieran préstamos y luego lo pusimos en la web. Lo del CD, por ejemplo, es por una canción de Hello Cuca que habla de una cinta de 90.

En vuestra web hacías un obituario durante una época. ¿Qué te atrae de ello?
No me atraen nada, me fascinan por lo que tienen de terribles. El tema éste de que hay que morirse me parece una vergüenza y una cosa inaceptable, vamos. Cuando se muere gente que conocía, como Pat Morita, el que hacía de Miyagi en “Karate Kid”, realmente piensas “claro, es que ya no va a poder hacer Karate Kid 4 porque está muerto”. Vamos, que es una tontería y a todo el mundo le pasa, pero, mira, yo qué sé, ya que tengo una web para poner gilipolleces, pues así la gente se va enterando. Pero no, no hay nada más interesante que te pueda decir de por qué me interesa la muerte, como lo que decía Walt Whitman de que los temas que más le interesaban eran Dios, la muerte y las estrellas.

A veces la impresión que da, por ejemplo a nivel mediático, es que se hace más caso a la gente una vez que se ha muerto.
Eso también. Ahora, por ejemplo, el corpus de Juan Benet ya está completo, porque se ha muerto y ya no va a sacar más novelas, entonces uno puede revisar… hay, imagino yo, un sentido en el que es legítimo hacer revisiones de ese tipo, pero también hay mucha tontería, claro que sí.

“Todo nos parece una mierda” sale en los títulos de crédito de una serie de televisión chilena, "Transantiaguinos". ¿Cómo os sentisteis ante eso?
Bueno, nosotros es que… no sé, al principio pensamos: “Pues igual ahora nos llaman para tocar allí”, pero no, no nos invitó nadie nunca. Pero, sí, me hace ilusión, creo que corren por Youtube los personajes de la serie cantándola y, nada, estas cosas hacen ilusión pero nunca pasa nada con ellas.

(Entrevista realizada por teléfono el 5 de marzo. Un extracto de ella ha sido publicada en La Luna de Metrópoli el 11 de marzo)

Entrevista a Lloyd Cole

2011-02-15T14:40:00.002+01:00

El pasado mes de septiembre, Lloyd Cole estuvo en Madrid promocionando su último disco, "Broken Record". Concedió varias entrevistas y también grabó alguna actuación como ésta para los compañeros de El Radar. Justo después de ello, le abordé en un hotel de la Gran Vía para lo que considero un acontecimiento: la primera entrevista que hago en exclusiva para Perdiendo Mi Eje. Lloyd Cole bien lo merece pues, como sabéis muchos, es uno de mis músicos preferidos desde los ya lejanos tiempos de los Commotions. Canciones como "Jennifer She Said", "No Blue Skies", "Forest Fire", "Cut Me Down", "Rattlesnakes" o las más recientes "No More Love Songs" o "Woman In A Bar" están entre mis hits emocionales de siempre. Así que sí, un placer.

Tu nuevo disco ha sido financiado en parte por los fans. ¿Qué tal la respuesta?
Sí, ha habido bastantes que han comprado la edición limitada que hice como regalo para quienes contribuyeran a la financiación, así que la respuesta ha sido buena. Creo que solamente hay una persona que me haya dicho que el disco no le ha gustado. Creo que vale la pena. Es un proceso mucho más difícil de lo que pensaba, lleva mucho trabajo hacer dos discos de una vez en lugar de uno. Así que… no estoy seguro de si lo haría de nuevo.

"Broken Record" Tiene un sonido más americano. Después de tantos años viviendo en EE UU, ¿es ahora cuando has pillado más influencia de ese país?
Supongo que sí. Pienso que siempre he hecho música derivada de la americana, como le sucede a los Rolling Stones, que para mí es la quintaesencia de grupo europeo influido por la música de allí. AC/ DC sería otro buen ejemplo porque, aunque eran australianos, todos ellos venían originalmente de Gran Bretaña. La diferencia entre los Rolling Stones y AC/DC con respecto a grupos como Pearl Jam o The Allman Brothers es muy grande, porque creo que la estética europea está más interesada en la elegancia y la concisión, mientras que en las bandas americanas las canciones parece que duran para siempre, les interesa más el “jamming”. No hay “jamming” en mi nuevo disco, pero sí hay mayor evidencia de una estilización americana. Probablemente el disco de sonido más americano que haya hecho antes de éste ha sido mi primer álbum en solitario (“Lloyd Cole”, de 1990), donde la mayoría de los músicos eran de allí. En éste hay una posición similar a ese mundo, pero toco incluso menos instrumentos. En los últimos tocaba casi todos, y en este sólo la guitarra acústica. El resto de los músicos son americanos, y la combinación entre el banjo, la mandolina y la steel guitar lo hacen parecer más de allí, pero la estética creo que es todavía la misma. Por otro lado, me cuesta trabajo pensar en alguna banda británica de los últimos quince años con la que me haya sentido emocionado. Al mismo tiempo, cuando voy allí me preguntan qué artistas actuales me gustan, les digo que Gillian Welch y no saben de quién estoy hablando. Si me he vuelto un poco americano en mi sensibilidad, pues que así sea.

Estás viviendo en Massachussets. ¿Eres feliz allí?
Estoy ocupado todo el tiempo. Pero sí, tengo buenos amigos, a mis niños les va bien. Es un buen lugar para hacer música también. Está bastante cerca de Nueva York y de Boston. Hay buenos estudios locales y buenos músicos. Mi nueva banda, The Small Ensemble, son de la misma ciudad en la que vivo. Con ellos estoy haciendo la gira también.

De momento no hay fechas en España. ¿No tienes planeado venir a tocar aquí?
Sí lo tengo planeado, y también Dinamarca, Noruega, Amsterdam… todos los lugares a los que no estoy llegando ahora pero sí quiero que estén en la siguiente manga de la gira. Mis agentes intentaron cerrar los conciertos en agosto, pero la gente estaba de vacaciones, así que no es tan fácil. Los primeros son en Portugal porque ellos fueron los primeros en ofrecérmelo. Lo suyo habría sido tocar en España justo a continuación, pero las ofertas no llegaron lo suficientemente rápido.

En 2004 reuniste a los Commotions para varios conciertos. ¿Te sentiste como en una reunión de antiguos alumnos recordando sus días de juventud o fue mejor que eso?
No, no fue realmente así, porque todos somos lo bastante mayores como para no limitarnos a tocar solamente música de aquel periodo. Creo que la mayoría de las bandas que se reúnen, puede que estuvieran juntos durante más tiempo que nosotros. Nosotros solo duramos cinco años, de 1983 a 1988, y en ese momento, cuando nos disolvimos, el mayor de nosotros debería tener 29 años. Así que hicimos música de jóvenes durante toda nuestra carrera. Luego lo dejamos durante 15 años y volvimos de nuevo. Decidimos que tocaríamos sólo canciones de los Commotions durante la reunión, así que no había otras que no fueran la de aquellos hombres jóvenes. Fue difícil, porque son temas mucho más acelerados que los que suelo hacer ahora, requieren mucha más energía. Me cansé bastante haciéndolo. Fue divertido hacerlo durante una semana, pero creo que… es sólo nostalgia. Y para mí la nostalgia no es suficiente para seguir haciéndolo cada semana. Fue un éxito completo, claro: una semana de gira, tres de ensayos, nos volvimos a ver, celebramos el veinte aniversario de “Rattlesnakes” y luego volvimos a hacer lo que deberíamos estar haciendo.

Lo que se supone que debería ser algo excepcional se ha convertido en una moda: hacer ofertas a las bandas para que se reúnan o para que toquen en directo un álbum en concreto…
Eso parece. No creo que nosotros pudiésemos ahora tocar “Rattlesnakes”, pero sí que es una tendencia. ¿Quién fue el primero en hacer eso? ¿Lou Reed con “Berlin”? No, seguro que alguien lo hizo antes.

Creo que David Bowie.
¿Sí? Bueno, la verdad es que prefiero la idea de ver a alguien haciendo eso que tocar un álbum nuevo que no sea bueno. Hay mucha gente que, llegada a cierto punto, ya no compone tan bien como antes, pero siguen haciéndolo y sus nuevos trabajos son un poco tormento. Mucho mejor volver atrás y tocar “Ziggy Stardust” o “Astral Weeks”. Ese es un caso extraño, porque Van Morrison era muy joven cuando lo hizo pero no suena como el disco de un chico joven, sino de un hombre a mitad de su vida. “Rattlesnakes” es muy de hombre joven, así que no me imagino haciendo ese concierto.

Para mucha gente, ese es tu mejor álbum y nunca volviste a alcanzar aquel nivel de creatividad e inspiración. ¿Qué opinas de ello?
No sé si la mayoría de la gente piensa eso. Ciertamente, alguna sí. Es el álbum favorito de muchos fans, pero en términos de creatividad… ciertamente no estoy de acuerdo con eso, pero no debe ser el artista quien juzga eso, sino que es trabajo del crítico. Yo creo que a principios de los 90 fui bastante creativo. En 2002 también. Pero hay algo que tienes cuando eres nuevo, la espontaneidad y la ingenuidad, que puede ser algo muy atractivo y que no vas a volver a tener, porque sólo puede ser la primera vez una vez. Es como la pérdida de la virginidad. Obviamente, nosotros tuvimos eso en “Rattlesnakes” y fue algo con mucho encanto. Si alguien esperaba que volviésemos a tener eso, puede que fuese un poco ingenuo por su parte.

En alguna entrevista has nombrado a Eric Rohmer como una influencia a la hora de escribir canciones. ¿En qué sentido exactamente?
En su libro sobre “Seis cuentos morales”, el narrador es muy frío. Para mí es muy interesante como oposición a la típica presentación basada en el rhythm & blues o el country, donde el narrador es muy abierto y animado, y sientes que está expresando mucho su emoción. Puede que Aretha Franklin, una de las mejores cantantes que el mundo ha visto nunca, su efecto sobre la música tal vez no haya sido bueno, porque creo que la gente la escucha y piensa: “Así es como tengo que expresar las emociones”, cantando como ella. Sus manierismos creo que eran muy espontáneos y acabaron convirtiéndose en clichés. Me gusta Eric Rohmer por ofrecer lo contrario a eso, y creo que se observa en bastantes de mis canciones. Pero hay más gente. El otro día estaba escuchando “For No One” de los Beatles, y la forma en que se entrega esa canción es completamente fría. No hay la más mínima animación y me parece perfecto, porque hace la letra más lastimera. Así que no soy el único en pensar de esta manera, afortunadamente.

¿Qué es lo que más te inspira para escribir?
No lo sé. En el tema “Writer’s Retreat!”, precisamente, me gusta burlarme de la idea de que haya gente que se vaya a retiros de escritores para componer un disco. No lo sé ni me preocupa demasiado. Yo me pongo a componer canciones, y cuando veo que tengo las suficientes buenas decido sacar un disco. No me levanto por la mañana y me siento mal conmigo mismo si no me siento creativo. Hay el típico síndrome del artista de tener la necesidad de ser creativo todos los días para pensar que vales, y eso me parece poco saludable. Es antinatural querer componer una canción cada día. En lo que a mí respecta, yo ya no busco la inspiración. Si viene, la cojo. Pero siempre llevo una libreta de notas a todas partes. Como decía alguien, no te puedes considerar un escritor si no llevas un bloc encima.

¿Hay algún álbum tuyo del que no te sientas particularmente orgulloso?
Prefiero utilizar la palabra “contento” porque no me gusta “orgullo”. No hay ninguno sobre el que piense que no debería haberlo hecho. Sí que podría haberlo hecho diferente o mejor. “Bad Vibes” tiene algunas canciones muy feas. “Easy Pieces” tiene algunos arreglos horribles. “Mainstream” tiene algunas canciones que realmente no son canciones. “Rattlesnakes” es quizás lo más cerca que hemos estado de un disco perfecto, le tengo mucho aprecio a ese y al primero en solitario, pero probablemente mi favorito sea “Music In A Foreign Language”. Ese álbum suena muy cerca de la idea que tenía en mi cabeza de cómo quería que fuera. La razón por la que no retomo ninguno de ellos es porque ninguno fue hecho con una idea cínica. Siempre intenté hacer buena música, pero nunca pensé en algo del tipo “oh, ahora mismo no tengo ideas pero voy a hacer un disco igualmente para cumplir contrato”. Mientras eso haya sido así, los habrá de los que quizá no sienta orgullo pero tampoco siento vergüenza.

¿Alguna canción favorita?
De “Rattlesnakes”, probablemente “Are You Ready To Be Hearbroken?”. De “Music In A Foreign Language”, “Late Night, Early Town”. Del primero en solitario, probablemente “Undressed”.

“Are You Ready To Be Heartbroken?” fue versionada por Sandie Shaw, y luego está el homenaje que le hicieron Camera Obscura en “Hey Lloyd, I’m Ready To Be Heartbroken”. También hay una versión de “Rattlesnakes” por Tori Amos…
Muy extraña. Me gustó bastante.

¿Qué sensación te crea el escuchar tus canciones interpretadas por mujeres?
Me gusta. La de Sandie no me gustó demasiado pero tampoco la odié. Fue muy sorprendente cuando la escuché por primera vez. ¿Qué puedes hacer sino sentirte halagado cuando alguien quiere cantar una canción tuya? Me sentí muy feliz en ambos casos, me gustaría que hubiese sucedido más veces, y siempre es agradable escucharlas en una voz de mujer.

¿Crees que cambia mucho la perspectiva? Particularmente en el caso de Tori Amos se jugaba mucho por eso. Está en su álbum “Strange Little Girls”.
Sí, son todas canciones hechas desde la perspectiva de hombres y ella las escogió a propósito. Creo…. No sé si esa lectura de género se puede aplicar muy bien a mis canciones. “Rattlesnakes”, por ejemplo, es solo narrativa. Habla de una mujer pero podría ser narrada por cualquiera. “Are You Ready To Be Heartbroken?” habla a otro personaje, pero no está hecha desde la primera persona, así que no creo que realmente haya materia en ese sentido.

Los detectives salvajes

2011-01-06T20:45:00.002+01:00

Entre las muchas cosas a las que he llegado tarde se encontraba Roberto Bolaño. En estas navidades especialmente mierdosas, me hice por fin con su novela "Los detectives salvajes" y, si las expectativas eran altas, su lectura no ha hecho más que superarlas: me ha volado la puta cabeza.

Parte del encanto de este libro radica en el personal retrato que Bolaño hace de una era y de una filosofía de vida: un recorrido por una Latinoamérica (de los 70 a los 90) y unos individuos movidos por los ideales revolucionarios y el ansia de aventura, esgrimiendo la poesía como valor último y casi único, viviéndolo todo hasta sus últimas consecuencias. Aquellos detectives salvajes exprimían la libertad, la sexualidad y la vida, el valor y el poder de las palabras. Pero, por encima de la mirada nostálgica, hay en el argumento, en su multiplicadad de voces e historias, decenas de fugas caóticas que al final dejan un poso de fracaso, de absurdo, de sinsentido, en todo lo vivido y lo narrado.

Ha escrito Vila-Matas que esta novela pega un carpetazo a "Rayuela", de Cortázar. En cierto modo, eso parece: es el acta de defunción, genial, de los ideales de una generación; al igual que podríamos decir que, en cine, "La maman et la putain" supone el carpetazo a la nouvelle vague y al mayo del 68. Pero dentro hay mucho más. En las figuras de los protagonistas, Arturo Belano y Ulises Lima, se encuentran los trasuntos del propio Bolaño y de su amigo Mario Santiago Papasquiaro, lo que me lleva a recordar a "En el camino" de Jack Kerouac y emparentarlo en su valor como novela iniciática, y también en su prodigioso ritmo en el uso del lenguaje. Sorprende, de hecho, leer sobre la novela y sobre el hecho de que la mayoría de los personajes son, en realidad, traslaciones de seres (y, por tanto, también de situaciones) que existieron en realidad, ellos alternados con personajes que sí parecen citados (o incluso hablan) con su verdadero nombre.

Me encanta el aliento casi épico (aunque también decadente) que se le otorga a aquellos movimientos de poetas de vanguardia (¡los real visceralistas!, ¡los estridentistas!, ¡qué grandes nombres!) que se daban tanta importancia aunque ellos mismos supiesen que no la tenían en absoluto, y el absurdo en forma de la búsqueda de la misteriosa figura fundacional de Cesárea Tinarejo, o en detalles como la referencia de un intento de secuestro a Octavio Paz o la citación para un duelo a sable entre un escritor y un crítico en una playa nudista catalana. El misterio, de una forma peculiar, es otro de los mayores encantos de "Los detectives salvajes". Un crisol de voces -especialmente los de la segunda parte del libro- habla permanentemente de Belano y Lima como personajes casi rodeados de una aureola mitológica, por momentos incluso sobrehumana en el caso de Belano (lo cual me hace pensar si realmente el autor se regocijaba en hacer coñas sobre sí mismo o se veía de esa manera, me decanto más por lo primero). Y, entrelazadas prodigiosamente en diferentes tiempos, lugares, personas y hablas, van apareciendo múltiples historias, todas ellas apasionantes, o historias que hacen referencia a otras, y que al final son casi una sobrada por parte de Bolaño a la hora de mostrar su casi sobrenatural talento narrativo.

Sorprende, conmociona, subleva, enciende, y hace reír de una forma extraña. Arrebata y encandila. Y, sólo un día después de haberla terminado, me pregunto si no será esta la mejor jodida novela que he leído en mi vida (que, por otro lado, cierto es, no han sido tantas). Creo, ahora, que voy a recuperar "Rayuela".

Aquí, más información.

Y, aquí, el famoso artículo de Vila-Matas.

Smells Like Teen Spirit

2011-01-04T18:41:00.004+01:00

Da un innegable bajonazo pensar que en el año que entra se cumplirán 20 de la aparición de "Smells Like Teen Spirit" de Nirvana, probablemente el último gran himno rock del siglo XX. Probablemente, a pesar de los deseos de sus autores. Y, visto el tratamiento que a esa canción se le depara hoy en día, el último gran ejemplo de cómo ciertos ideales, mitos e iconografías de lo que antes se asociaba a la cultura rock, han sido asimilados, modificados, desfigurados, ¿sodomizados?, desvirtuados o ridiculizados. También, probablemente, esté planteando esto en unos términos demasiado absolutos en una era en la que precisamente lo único que parece claro es que todo es confusión. "Chaos reigns", como dijo el zorro de "Anticristo".

Hasta donde la memoria me permite poner orden, cuando esta canción comenzó a sonar en la radio a finales del 91, todavía existían ciertas convicciones que parecían inamovibles. Yo también estaba en edad de descubrir cosas. En edad de creer en cosas, o de necesitar creer. "Nevermind" marcó un hito de esos que, dicen, suponen un antes y un después simbólico: sacar a Michael Jackson del número 1 de las listas estadounidenses y cambiar los postulados del rock mayoritario hegemonizado por el cock-metal de peluquería. Casi se creyó en una última (y, como pronto se supo, irreal) revolución que volviese a traer cierta idea de autenticidad a la industria musical pre-internet.

Ahora mismo, Nirvana es uno de esos grandes nombres indiscutibles del rock. O más bien Kurt Cobain. Pero en su momento no fue así. Paralelamente al boom de "Nevermind", se puso bajo sospecha: una facción decía que el único grupo grunge auténtico era Mudhoney. Otra, que su disco bueno era "Bleach" y luego se habían vendido. Otra, que era un producto de laboratorio con pulo alternativo, como demostraba la producción de Butch Vig. Menos mal que siempre está la muerte (y, especialmente, la muerte trágica) para poner las cosas en su sitio: pégate un tiro para sobrevivir. La desaparición de Cobain, además de para garantizar las ventas futuribles de su exiguo catálogo y de lo que quedaba por rebañar, le otorgó, voilá, el poder de la credibilidad eterna. Muchas veces me pregunto cómo habrían sido las cosas si el músico hubiese seguido vivo.

Gus Van Sant plasma de una personalísima manera cómo el hombre se convierte en mito en la película "Last Days". Otros factores, como su carta de despedida invocando al "mejor quemarse que desvanecerse lentamente" de Neil Young, han contribuido sobremanera a esa mitificación y han hecho de la figura de Cobain una especie de martir en lucha contra la fama y contra la industria, y especialmente a "Smells Like Teen Spirit" como símbolo y totem de una forma de rebeldía que se antoja como perdida. Todo ello, obviando que el joven Cobain ya flirteaba históricamente con las tendencias suicidas y que su casi congénita inestabilidad anímica y mental era mucho más poderosa, probablemente, que su involuntaria posición social como portavoz generacional. En suma, que si no se hubiese comido un rosco en el mundo de la música y currase como leñador o vendedor de libros a domicilio, probablemente se habría pegado un tiro también. Chaos reigns.

En los últimos meses -bien lo saben mis amigos de Facebook- ha sido práctica constante mía la de mostrar mi indignación ante el aluvión de versiones más o menos aberrantes que de "Smells Like Teen Spirit" estaban haciendo artistas y artistillas de todo pelaje. Ahora me doy cuenta de que tal vez estaba siendo más papista que el papa. Al igual que en el famoso plano-secuencia de "Last Days" en que la cámara se va alejando del trasunto de Cobain mientras compone una canción para sugerir cómo la obra trasciende a la persona que la crea, una vez que "Smells Like Teen Spirit" copó las listas y pasó a alcanzar la categoría de estándar, quedó ahí como uno de esos artefactos inevitablemente expuestos a ser objeto (o víctima) de todo tipo de cita, homenaje o parodia. Son, supongo, las consecuencias de la perdurabilidad.

A pesar, repito, de las intenciones de sus autores. Está perfectamente documentado que Nirvana nunca se mostraron especialmente cómodos con el estatus que su "himno" estaba adquiriendo. Acostumbraron a renegar de él o, directamente, a burlarse y autoboicotearlo, no sólo pasando de tocarlo en algunos de sus conciertos más señalados, sino fundiéndolo (como en la famosa actuación en Reading) con el riff de "More Than A Feeling" de Boston o destrozándolo en el "Top Of The Pops" y cambiándole la letra -fue práctica habitual en ellos-, en este caso comenzándola con "load up on drugs/ kill your friends". Para alguien en cuya filosofía parecía estar escrito a fuego el "mata a tus ídolos" es perfectamente asumible que, al igual que Sid Vicious parodió el "My Way", debería haber vía libre para que, por ejemplo, Paul Anka hiciese una versión a su manera de "Smells Like Teen Spirit". Y la realidad, una vez más, demostró que tiene más imaginación que la imaginación de las mentes más calenturientas.

Como símbolo de tantas cosas, algo así como último estertor de una rebeldía juvenil, de una rabia nihilista fortalecida por su título y por ese videoclip que mostraba a cheer-leaders de high school con anarquías bordadas, la canción sobrevivió a todos sus sinsentidos internos. O quizá fue eso la que la hizo grande. Se asoció a cierta idea generacional cuando, en realidad, el título hacía referencia al graffiti "Kurt smells like Teen Spirit" que Kathleen Hanna (Bikini Kill) hizo en una pared para mofarse de Cobain, por entonces liado con la bajista de su grupo, Toby Vail. Teen Spirit era el perfume que utilizaba ella. Tambien es confusa y plagada de contradicciones una letra que, en realidad, casi nadie alcanzó a saber exactamente lo que decía: juegos de palabras, yuxtaposiciones de frases lapidarias sin una intencionalidad clara... En resumen, algo que parecía bastante más cercano a un ejercicio apresurado de escritura automática que a un discurso articulado. Aunque la rabia transmitida conseguía trascender todo lo demás, y en eso reside su grandeza.

Las versiones posteriores que se han hecho de la canción, ¿se vuelven contra ella o, al contrario, refuerzan su idea? ¿Son un atentado al buen gusto y a una lectura "correcta" de lo que ha quedado de "Smells" como himno intocable? ¿Son una blasfemia? ¿O, por el contrario, refuerzan todo el nihilismo que contiene al llevarla a terrenos contrarios e insospechados? En resumen, ¿se retorcería Cobain de odio en su tumba o se reiría con más fuerza? Yo me lo imagino en pleno arrebato de histeria, entre la carcajada y el llanto. O sea: la más pura esencia de lo que fue Nirvana.

Unos cuantos ejemplos para que ustedes se hagan su propia interpretación de esta tragicomedia:

Pansy Division
Tori Amos
The Bad Plus
Scala & Kolacny Brothers
The Western Branch Freshmen Orchestra
The Ukulele Orchestra Of Great Britain
Kathleen Hannah
The Melvins ft. Leif Garrett
Patti Smith
Paul Anka
Flying Pickets
Willie Nelson
Take That
"Weird Al" Yankovic
La película "Moulin Rouge"
Pitingo
Bebe
Bootleg con Rick Astley
Y, para finalizar, el estrambote que se sale un poco de guión pero que todos esperabais

Álbumes internacionales favoritos 2010

2011-01-02T12:22:00.003+01:00

1.ARCADE FIRE: The Suburbs
Eran lógicamente altas las expectativas sobre lo que depararía el tercer álbum de Arcade Fire tras erigirse en uno de los grupos de referencia del momento con “Funeral” (2004) y “Neon Bible” (2007). “The Suburbs” no sólo las cumple con creces, sino que demuestra que el potencial del septeto canadiense es incluso mayor del que se esperaba. Lo fácil habría sido recrearse en la épica y el vitalismo exacerbado de canciones como “Wake Up”, “Rebellion (Lies)” o “No Cars Go”, seguir explotando una fórmula que, en realidad, están aprovechando más otros grupos que ellos mismos. “The Suburbs” es el más claramente conceptual de los tres discos, una clara reivindicación del formato álbum como un todo en el que cada canción adquiere sentido en su relación con las demás, con puentes constantes entre una y otra y palabras-clave que se repiten sin cesar (también se podría haber titulado, por ejemplo, “The Kids”). Cada corte es como una postal borrosa en la que los hermanos Win y Will Butler y Régine Chassagne reflexionan sobre recuerdos del pasado para entender mejor su situación vital presente, con el entorno siempre como protagonista principal. Hay como una psicogeografía emocional en esa memoria de ciudades en transformación al tiempo que ellos parecían construir su identidad en una confrontación constante consigo mismos y con todo lo que les rodeaba. Y esa actitud también se percibe en las canciones: paradójicamente, el disco de concepto más sólido es el que reúne su conjunto de cortes más ecléctico. Son 16 temas de los que ganan con cada escucha, de estructuras complejas, instrumentaciones variadas y siempre fascinantes, diseñadas para perdurar. Estilísticamente también se renuevan sin dejar de sonar a ellos mismos. Hay un influjo más o menos claro del Bruce Springsteen de “Darkness On The Edge Of Town” y “The River”, aunque sin caer en la imitación. Y, al tiempo, la banda entra sin complejos en el pop de sintetizadores (“Half Light II”, “Sprawl II”) o sobresaltos en forma de rock and roll clásico acelerado (“Month Of May”) o pop pluscuamperfecto (“Empty Room”), sólo algunos picos de estos 64 minutos que encierran la mejor música que se ha podido escuchar en el año que se acaba de ir.

2.DEERHUNTER: Halcyon Digest
Desde que se formara en 2001 en Atlanta (EE UU), Deerhunter ha ganado peso paulatinamente como uno de los grupos más importantes del rock alternativo moderno. El gran salto que les hizo pasar de ser una promesa en ciernes a indiscutible banda de referencia fue su tercer álbum, “Microcastle” (2008), donde el cuarteto evolucionaba desde el noise rock hacia un mundo mucho más exuberante e imprevisible. Deerhunter gira en torno a la peculiar personalidad de Bradford Cox, un genio hipersensible aquejado del síndrome de Marfan y que traduce a su música gran parte de sus obsesiones, en especial la vulnerabilidad, el miedo, la diferencia –véase esa portada reminiscente de la película “Freaks”- y cierta nostalgia de la infancia y la adolescencia. En su cuarto largo, se alían con el productor de moda, Ben Allen –también presente en los últimos discos de Animal Collective- para crear una obra de tono más intimista. Son los sueños y “recuerdos encontrados o inventados” (Cox dixit) los que articulan su temática y sonido. Aunque sea ésta una referencia sobreexplotada hasta la náusea, lo cierto es que a los actuales Deerhunter se les puede aplicar con total justicia el adjetivo de lynchianos, ya que comparten con el director de “Terciopelo azul” el amor por ese mundo onírico, la belleza de lo extraño o lo incomprensible brotando desde lo oscuro e, incluso a nivel musical, un indisimulado gusto por el dream pop y el rock de los cincuenta, algo que aquí muestran con su pastiche de The Everly Brothers en “Basement Scene”. No sólo es el talento del líder el que se muestra: el guitarrista Lockett Pundt hace de contrapeso y aporta los dos temas más vivaces, “Desire Lines” y “Fountain Stars” (éste aderezado por un contagioso saxo). También “Memory Boy” apuesta por una vigorosa melodía pop pero, en general, el disco opta por el ensimismamiento y el misterio y requiere varias escuchas para dejar que esas canciones en las que el subconsciente de Cox parece reflejarse a través de una lente desenfocada te atrapen poco a poco. Resulta imposible no subyugarse ante la extrema emoción a cámara lenta de “Helicopter” o ante la hermosísima elegía por el músico de garage punk Jay Reatard, “He Would Have Laughed”, con un final tan abrupto como el de la breve vida del homenajeado.

3.WOLF PARADE: Expo ’86
Arcade Fire es el gran bastión que ha logrado que todos los dedos apunten a Montreal como el centro neurálgico más creativo del rock independiente moderno, pero junto a ellos se han desarrollado en la última década multitud de bandas casi siempre conectadas entre sí. Wolf Parade fue creada en 2003 por dos mentes inquietas: Spencer Krug (quien también milita en Sunset Rubdown y lo ha hecho en Swan Lake y Frog Eyes) y Dan Boeckner (también en Handsome Furs), y desde el principio surgió como una formación bicéfala en la que ambos componentes se alternarían a la composición y la voz. Su debut, “Apologies To The Queen Mary” (2005), fue casi coetáneo del “Funeral” de Arcade Fire –donde, por cierto, colaboró su batería, Arlen Thompson- y supuso una pequeña conmoción en la escena alternativa por su rock inquieto y vigoroso. Ahora, tras el palo de ciego del retorcido y semi-progresivo “At Mt. Zoomer” (2008) y con la incorporación definitiva de Dante DeCaro (desertor de los otrora prometedores Hot Hot Heat), Wolf Parade han decidido entregar su obra más accesible, que no sencilla: las canciones entran mejor, pero en su construcción interna se mantienen la complejidad y el pulso experimental. “Expo 86” se inspira en la feria internacional que se celebró aquel año en Vancouver y donde estuvieron todos los miembros del grupo durante su infancia. Conscientemente o no, parece que el nuevo sonido del grupo se retrotraiga también a aquella época. No es un revival descarado: la perspectiva moderna se mantiene, pero a las guitarras cargadas de efectos se le suman ahora unos sintetizadores muy ochenteros, mientras que la voz de Krug recuerda más que nunca a las de David Bowie y Peter Murphy. Algunos temas (“In The Direction Of The Moon”, “Two Men In New Tuxedos”) podrían acercarse a lo que hizo Peter Gabriel en sus primeros trabajos, pero son las composiciones de Boeckner las que atesoran mayor poder emocional: más inteligibles, aunque manteniendo cierto halo de misterio y nostalgia insomne, a veces cercana a la épica Springsteeniana, como en “Palm Road”. El punto álgido llega en el penúltimo corte, “Yulia”, que parece ser cantada a su amante por un cosmonauta soviético perdido en el espacio.

4.VAMPIRE WEEKEND: Contra
5.JOANNA NEWSOM: Have One On Me
6.THE NATIONAL: High Violet
7.JUNIP: Fields
8.WORKING FOR A NUCLEAR FREE CITY: Jojo Burger Tempest
9.DARREN HAYMAN & THE SECONDARY MODERN: Essex Arms
10.DREW ANDREWS: Only Mirrors
11.SCARLET’S WELL: Society Of Figurines
12.THE STRANGE BOYS: Be Brave
13.PERFUME GENIUS: Learning
14.SALEM: King Night
15.CRYSTAL CASTLES: Crystal Castles
16.DAG FÖR DAG: Boo
17.MANIC STREET PREACHERS: Postcards From A Young Man
18.M.I.A.: Maya
19.LOS CAMPESINOS!: Romance Is Boring
20.HOWE GELB & A BAND OF GYPSIES: Alegrías
21.LIARS: Sisterworld
22.SCOUT NIBLETT: The Calcination Of Scout Niblett
23.MIMICKING BIRDS: Mimicking Birds
24.PVT: Church With No Magic
25.JAILL: That’s How We Burn
26.TREMBLING BLUE STARS: Fast Trains And Telegraph Wires
27.THE MAGNETIC FIELDS: Realism
28.THE WALKMEN: Lisbon
29.SLEIGH BELLS: Treats
30.MIDLAKE: The Courage Of Others

2001. BJÖRK: Vespertine
2002. LOW: Trust
2003. BENJAMIN BIOLAY: Negátif
2004. NICK CAVE & THE BAD SEEDS: Abbatoir Blues/ The Lyre Of Orpheus
2005. LOW: The Great Destroyer
2006. ROBERT POLLARD: From A Compound Eye
2007. PJ HARVEY: White Chalk
2008. DEERHUNTER: Microcastle/ Weird Era Cont.
2009. BENJAMIN BIOLAY: La superbe

Álbumes nacionales favoritos 2010

2011-01-01T17:50:00.003+01:00

1.TRIÁNGULO DE AMOR BIZARRO: Año Santo
“Triángulo de Amor Bizarro” (2007), opera prima de estas bestias pardas hasta entonces ocultas en la Galicia profunda, fue uno de los mejores álbumes de debut del indie rock español en muchos años, pero su súbito éxito y su larguísima gira derivaron en una crisis creativa que incluso puso en peligro la continuidad del grupo. El difícil segundo álbum dio muchas vueltas e incluso sufrió un cambio de formación: se quedó el núcleo duro de Rodrigo Caamaño (voz y guitarra) e Isabel Cea (voz y bajo) y se incorporaron Rafael Mallo (batería) y Óscar Vilariño (guitarra y teclados) para ofrecer un sonido mucho más contundente, ácido e inquietante.
Con nueve temas en menos de media hora, “Año Santo” discurre como un trallazo y engancha desde el primer momento. El encadenado inicial con ”De la monarquía a la criptocracia”, “Amigos del género humano” y “La malicia de las especies protegidas” es para que te vuele la cabeza y para derribar paredes a patadas: melodías pop perfectas envueltas en ruido demoledor y letras elusivas e inteligentes que, sin saber exactamente lo que cuentan, te llenan la mente de mantras (“Transfusión no es canibalismo”, “El rocío está matando al lince”) que se pueden gritar como si fuera lo más importante del mundo. Tras el shock inicial, nos encontramos con un planteamiento de arte rock que va mucho más allá del mero impacto. Si el segundo álbum supera al primero no lo es solamente porque las canciones sean mejores, sino porque consigue trascender sus influencias, demasiado visibles en su debut. The Jesus & Mary Chain, My Bloody Valentine, Surfin’ Bichos, Parálisis Permanente o el krautrock se siguen mostrando en su ADN, pero ahora también se perciben ritmos y sonidos de guitarra que los pueden emparentar con grupos contemporáneos como Health o No Age al tiempo que su personalidad propia se reafirma con convencimiento en cada uno de sus elementos: desde el diseño gráfico hasta los títulos de las canciones, que ya son obras de arte en sí mismos. Estamos ante un álbum físico, arrebatador y extraño en el que nada falta ni sobra. Desde ya, una cima del pop en castellano.

2.BLACANOVA: Blacanova
3.RAUELSSON: La siembra, la espera y la cosecha
4.MARGARITA: Explota el cuerpo
5.ORNAMENTO Y DELITO: Rompecabezas de moda y perfección moral
6.KIKO VENENO: Dice la gente
7.ASTRUD & COL•LECTIU BROSSA: Lo nuevo
8.KLAUS & KINSKI: Tierra, trágalos
9.JONSTON: Taller de memoria
10.LOS PLANETAS: Una ópera egipcia
11.EL GUINCHO: Pop negro
12.FRED I SON: Diu que no sap qué vol
13.THELEMATICOS: Thelemáticos
14.CENTELLA: Soluciones por radicales
15.MARÍA RODÉS: Una forma de hablar
16.LOS PUNSETES: LP2
17.CHARADES: Revolución solar
18.MISHIMA: Ordre i aventura
19.REFREE: Matilda
20.HOLA A TODO EL MUNDO: Hola A Todo El Mundo
21.ALGORA: Galimatías
22.ME AND THE BEES: Fuerza bien
23.NADADORA: Luz, oscuridad, luz
24.BETUNIZER: Quien nace para morir ahorcado nunca morirá ahogado
25.PONY BRAVO: Un gramo de fe

2001. CHUCHO: Los diarios de petróleo
2002. NOSOTRÄSH: Popemas
2003. NACHO VEGAS: Cajas de música difíciles de parar
2004. TACHENKO: Nieves y rescates
2005. ANARI: Zebra
2006. SIBYL VANE: Turismo de interior
2007. LISABÖ: Ezlekuak
2008. JOE CREPÚSCULO: Supercrepus
2009. ANARI: Irla izan

Películas favoritas 2010

2010-12-31T19:04:00.002+01:00

1.LA CINTA BLANCA (Michael Haneke)
2.EL FANTÁSTICO SR. FOX (Wes Anderson)
3.SCOTT PILGRIM CONTRA EL MUNDO (Edgar Wright)
4.LA RED SOCIAL (David Fincher)
5.FISH TANK (Andrea Arnold)
6.UN PROFETA (Jacques Audiard)
7.ENTRE NOSOTROS (Maren Ade)
8.EL ESCRITOR (Roman Polanski)
9.UP IN THE AIR (Jason Reitman)
10.TAMARA DREWE (Stephen Frears)
11.EXIT THROUGH THE GIFT SHOP (Banksy)
12.THE GIRLFRIEND EXPERIENCE (Steven Soderbergh)
13.AIR DOLL (Hirokazu Kore-eda)
14.CHLOE (Atom Egoyan)
15.ANVIL (Sacha Gervasi)
16.SPARROW (Johnnie To)
17.LAS PLAYAS DE AGNÉS (Agnés Varda)
18.I’M NOT THERE (Todd Haynes)
19.UNCLE BOONMEE RECUERDA SUS VIDAS PASADAS (Apichatpong Weerasethakul)
20.LA CARRETERA (John Hillcoat)
21.LA VIDA EN TIEMPOS DE GUERRA (Todd Solondz)
22.LOUISE-MICHEL (Gustave de Kervern y Benoit Delepine)
23.LA VIDA PRIVADA DE PIPPA LEE (Rebecca Miller)
24.TWO LOVERS (James Gray)
25.EL AMERICANO (Anton Corbijn)
26.ORIGEN (Christopher Nolan)
27.SHUTTER ISLAND (Martin Scorsese)
28.A PROPÓSITO DE ELLY (Asghar Farhadi)
29.THE TOWN (Ben Affleck)
30.UN TIPO SERIO (Joel y Ethan Coen)

2001. AMELIE (Jean-Pierre Jeunet)
2002. MULHOLLAND DRIVE (David Lynch)
2003. DOLLS (Takeshi Kitano)
2004. LOST IN TRANSLATION (Sofia Coppola)
2005. AMERICAN SPLENDOR (Shari Springer Berman/ Robert Pulcini)
2006. CACHÉ (Michael Haneke)
2007. PERSÉPOLIS (Marjane Satrapi/ Vincent Paronnaud)
2008. NO ES PAÍS PARA VIEJOS/ QUEMAR DESPUÉS DE LEER (Joel y Ethan Coen)
2009. DÉJAME ENTRAR (Tomas Alfredson)

Canciones internacionales favoritas 2010

2010-12-30T12:47:00.003+01:00

1.ARCADE FIRE: Sprawl II (Mountains Beyond Mountains)
2.DEERHUNTER: Helicopter
3.THE NATIONAL: Afraid Of Everyone
4.M.I.A: Born Free
5.VAMPIRE WEEKEND: Giving Up The Gun
6.CRYSTAL CASTLES ft. ROBERT SMITH: Not In love
7.EDWYN COLLINS ft. THE DRUMS: In Your Eyes
8.WOLF PARADE: Yulia
9.EELS: The Man
10.DREW ANDREWS: Only Mirrors
11.MANIC STREET PREACHERS: (It’s Not War) Just The End Of Love
12.AVEY TARE: Lucky 1
13.TAKE THAT: The Flood
14.BEST COAST: Boyfriend
15.DAMIEN JURADO: Cloudy Shoes
16.AVI BUFFALO: What’s In It For?
17.THE DIVINE COMEDY: At The Indie Disco
18.KYLIE MINOGUE: All The Lovers
19. LYKKE LI: Get Some
20. DËNVER: Los adolescentes

2001. LEONARD COHEN: A Thousand Kisses Deep
2002. THE DELGADOS: Coming In From The Cold
2003. THE FAINT: Agenda Suicide
2004. COURTNEY LOVE: Mono
2005. M.I.A: Galang
2006. CLAP YOUR HANDS SAY YEAH: In This Home On Ice
2007. PJ HARVEY: When Under Ether
2008. CRYSTAL CASTLES vs. HEALTH: Crimewave
2009. THE PAINS OF BEING PURE AT HEART: Young Adult Friction

Canciones nacionales favoritas 2010

2010-12-29T18:27:00.002+01:00

1.TRIÁNGULO DE AMOR BIZARRO: De la monarquía a la criptocracia
2.KIKO VENENO: Dice la gente
3.BLACANOVA: Serie B
4.ORNAMENTO Y DELITO: Madrid
5.MARGARITA: Explota el cuerpo
6.JONSTON: Buenos recuerdos
7.LOS PLANETAS Y LA BIEN QUERIDA: La veleta
8.LOS PUNSETES: Tus amigos
9.KLAUS & KINSKI: Ley y moral
10.EL GUINCHO: Bombay
11.MONTAÑAS: Yo conduzco, ella me guía
12.MISHIMA: Tot torna a començar
13.RAUELSSON: La calma
14.STANDSTILL: Adelante, Bonaparte (I)
15.JULIO DE LA ROSA: Sexy sexy sexy
16.PONY BRAVO: Noche de setas
17.ESKIZOS: Siempre a tu lado
18.THE BALTIC SEA: El Gran Blanco
19.WILD HONEY: Field Of Little Heads
20.LA CASA AZUL: Todas tus amigas

2001. CHUCHO: Ricardo ardiendo
2002. MUS: Al oeste de la divisoria
2003. NACHO VEGAS: El salitre
2004. IS: Pimpinela punk
2005. SR. CHINARRO: El peor poema
2006. SIBYL VANE: Madre soltera
2007. LOS PLANETAS Y ENRIQUE MORENTE: Tendrá que haber un camino
2008. LOS PUNSETES: Dos policías
2009. ANARI: Isla

Directos internacionales favoritos 2010

2010-12-27T23:06:00.006+01:00

1.ARCADE FIRE (Monte do Gozo)
2.CRYSTAL CASTLES (La Riviera)
3.PETER GABRIEL (Palacio de los Deportes de la CAM)
4.PET SHOP BOYS (Primavera Sound)
5.DOMINIQUE A (Neu!)
6.BROADCAST (Sónar Coruña)
7.THE BLOODY BETROOTS DEATH CREW 77 (Primavera Sound)
8.VAMPIRE WEEKEND (Circo Price)
9.BENJAMIN BIOLAY (Heineken)
10.LCD SOUNDSYSTEM (Sónar Coruña)
11.EDWYN COLLINS (Rock Kitchen/ Primavera Club)
12.PRIMAL SCREAM (La Riviera)
13.FRANZ FERDINAND (SOS 4.8)
14.TRENTEMÖLLER (Joy Eslava)
15.HOPE SANDOVAL & THE WARM INVENTIONS (Primavera Sound)
16.PEARL JAM (BBK Live)
17.COLD CAVE (Primavera Sound)
18.ORBITAL (SOS 4.8)
19.THE VERY BEST (Heineken)
20.HOT CHIP (SOS 4.8)
21.THE WALKMEN (Ramdall)
22.PIXIES (Primavera Sound)
23.ARCTIC MONKEYS (Palacio Vistalegre)
24.S.C.U.M. (Caracol/ Primavera Club)
25.ALVA NOTO & BLIXA BARGELD (Sónar Coruña)
26.MANIC STREET PREACHERS (BBK Live)
27.PAVEMENT (Primavera Sound)
28.TWIN SISTER (Charada/ Primavera Club)
29.LES SAVY FAV (Primavera Sound)
30.ZOLA JESUS (Neu!/ Primavera Club)
31.HOWE GELB & A BAND OF GYPSIES (Teatro Lara)
32.PATTI SMITH (Veranos de la Villa)
33.THE STRANGE BOYS (El Sol)
34.MARK EITZEL (Moby Dick)
35.JEREMY JAY (Nasti)
36.EELS (La Riviera)
37.ACID MOTHERS TEMPLE + STEARICA (Caracol/ Space Is The Place)
38.THE PAINS OF BEING PURE AT HEART (Contempopránea)
39.WIRE (Primavera Sound)
40.SUPERCHUNK (Primavera Sound)

2oo1. BJÖRK
2002. RADIOHEAD
2003. R.E.M.
2004. THE CURE
2005. THE WEDDING PRESENT
2006. BAUHAUS
2007. BRUCE SPRINGSTEEN & THE E STREET BAND
2008. LES SAVY FAV
2009. FRANZ FERDINAND

Directos nacionales favoritos 2010

2010-12-26T16:39:00.002+01:00

1.ANARI + MURSEGO (Moby Dick)
2.MALA RODRÍGUEZ (Café La Palma)
3.LOS PLANETAS (Contempopránea, Playa de Riazor, La Riviera)
4.STANDSTILL (Circo Price)
5.NACHO VEGAS Y ABRAHAM BOBA (El Sol)
6.ILEGALES (Heineken)
7.ME & THE BEES (Fotomatón)
8.JULIO DE LA ROSA (Neu!)
9.JOAQUÍN PASCUAL (Costello)
10.MANOS DE TOPO (Círculo de Bellas Artes)
11.JOE CREPÚSCULO (Neu!)
12.PONY BRAVO (Charada)
13.REMATE (El Sol)
14.LIDIA DAMUNT & HIDROGENESSE (Primavera Sound)
15.ASTRUD & COL•LECTIU BROSSA (Circo Price)
16.MONTAÑAS (Nasti)
17.CUCHILLO (Charada)
18.LÜGER (Caracol/ Space Is The Place)
19.TRIÁNGULO DE AMOR BIZARRO (Charada/ Primavera Club)
20.LOS PUNSETES (Nasti, Caracol, Contempopránea)

2001. CHUCHO
2002. ASTRUD
2003. BUNBURY
2004. ILEGALES
2005. IT'S NOT NOT
2006. SURFIN' BICHOS
2007. REMATE Y LA LOCO BAND
2008. STANDSTILL
2009. NACHO VEGAS

EP's internacionales favoritos 2010

2010-12-25T23:41:00.002+01:00

1.A SUNNY DAY IN GLASGOW: Nitetime Rainbows
2.SMALL BLACK: Small Black EP
3.THE WAR ON DRUGS: Future Weather
4.THE TALLEST MAN ON EARTH: Sometimes The Blues Is Just A Passing Bird
5.WILD NOTHING: Golden Haze
6.MANIC STREET PREACHERS: (It’s Not War) Just The End Of Love
7.SUMMER CAMP: Young
8.JUNIP: Rope And Summitt
9.SOLAR BEARS: Inner Sunshine
10.SEEFEEL: Faults
11.COLD WAR KIDS: Behave Yourself
12.MIAMI HORROR: Sometimes
13.TWIN SISTER: All Around And Away We Go
14.BEACH FOSSILS: Daydream/ Desert Sand
15.WILD PALMS: Deep Dive

2006. ARCTIC MONKEYS: Who The Fuck Are Arctic Monkeys
2007. ART BRUT: Nag Nag Nag Nag
2008. THE TWILIGHT SAD: Here It Never Snowed, Afterwards It Did
2009. ANIMAL COLLECTIVE: Fall Be Kind

EP's nacionales favoritos 2010

2010-12-23T20:05:00.003+01:00

1.MONTAÑAS: 10”
2.FRANCISCO NIXON Y RICARDO VICENTE: Gloria y la belleza sureña
3.BOAT BEAM: Paper Birds
4.WILD HONEY: Diamond Mountain
5.HIDROGENESSE: Versus The Hidden Cameras
6.SATELLITES: La mujer pescado
7.THE CRIPPLE AND THE TRAMP: I Won’t Change For You
8.NOUVELLE CUISINE: La guerra del volumen
9.MATTI: Amumú
10.LOS PUNSETES: LP2RMX
11.REMATE: Gigante
12.LOS INGENIEROS ALEMANES: Burgomaestre
13.CUCHILLO: Duat
14.EL GUINCHO: Piratas de Sudamérica
15.JOAQUÍN PASCUAL: La gran reforma

2002. CHUCHO: Los diarios de Petróleo. Último volumen
2003. NACHO VEGAS: Canciones desde palacio
2004. CHUCHO: La mente del monstruo
2005. EL COLUMPIO ASESINO: ¡Ahah...!
2006. TRESESTRELLAS: 5
2007. NACHO VEGAS Y CHRISTINA ROSENVINGE: Verano fatal
2008. WILD HONEY: Wild Honey
2009. FRANC3S: La exhibición de atrocidades

Recopilaciones favoritas 2010

2010-12-22T20:42:00.003+01:00

1. CARLOS BERLANGA: Reproches y vehemencias
2. PAVEMENT: Quarantine The Past
3. FANGORIA: El paso trascendental del vodevil a la astracanada
4. NEU!: Vinyl/ Digital Box
5. PARADE: Intonarumore
6. VARIOS ARTISTAS: We Were So Turned On. A Tribute To David Bowie
7. EINSTÜRZENDE NEUBAUTEN: Strategies Against Architecture IV
8. APPARAT: DJ-KiCKS
9. VARIOS ARTISTAS: Fonogramáticos Vol. 10. Nosotros los rockers
10. HEALTH: Disco2
11. GRB: Maqueta + Estoy tan contento EP
12. THE NEW RAEMON: Epés reunidos
13. VARIOS ARTISTAS: 5 Years Of Hyperdub
14. DANIEL JOHNSTON: The Story Of An Artist
15. JAPANDROIDS: No Singles

2001. VARIOS ARTISTAS: Festival del Cante de las Minas
2002. BJÖRK: Greatest Hits & Family Tree
2003. BJÖRK: Live Box
2004. NIRVANA: With The Lights Out
2005. COCTEAU TWINS: Lullabies To Violaine
2006. THE DELGADOS: The Complete BBC Sessions
2007. VARIOS ARTISTAS: Mute Audio Documents 1978-1984
2008. THE SMITHS: The Sound Of The Smiths
2009. HELLO CUCA: Esplendor en la arena

Videoclips internacionales favoritos 2010

2010-12-21T17:38:00.003+01:00

1. M.I.A: Born Free (Dir: Romain Gavras)
2. ARCADE FIRE: The Suburbs (Dir: Spike Jonze)
3. LCD SOUNDSYSTEM: Drunk Girls (Dir: Spike Jonze)
4. HEALTH: We Are Water (Dir: Eric Wareheim)
5. MASSIVE ATTACK: Paradise Circus (Dir: Toby Dye)
6. OK GO: This Too Shall Pass (Dir: James Frost)
7. HOT CHIP: I Feel Better (Dir: Peter Serafinowicz)
8. DEERHUNTER: Helicopter (Dir: ?)
9. GIL SCOTT-HERON: Me and The Devil (Dir: Coodie & Chike + Michael Sterling Eaton)
10. DARKSTAR: "Gold" (Dir: Evan Boehm)

Videoclips nacionales favoritos 2010

2010-12-21T01:34:00.001+01:00

1. EL GUINCHO: Bombay (Dir: Nicolás Méndez)
2. ASTRUD: La música de las supercuerdas (Dir: Jimmy Gimferrer)
3. KLAUS & KINSKI: Forma, sentido y realidad (Dir: Luis Cerveró)
4. TRIÁNGULO DE AMOR BIZARRO: De la monarquía a la criptocracia (Dir: Luis Cerveró)
5. MISHIMA: Tot torna a començar (Dir: Luis Cerveró)
6. LOS PUNSETES: Dinero (Dir: Alberto González Vázquez)
7. NOUVELLE CUISINE: Sin embargo (Dir: Miguel Mariño)
8. KLAUS & KINSKI: Ley y moral (Dir: Chema García Ibarra)
9. BLACANOVA: Desgracia (Dir: Leon Montag)
10.PARADE: Stephen Hawking (Dir: Chema García Ibarra)

DVD musical favorito de 2010: "The Promise. The Making Of Darkness On The Edge Of Town", de Bruce Springsteen (Dir: Thom Zimny)

2010-12-18T23:07:00.004+01:00

Aunque parezca una afirmación desvirtuada u oportunista por su ciclópea reedición actual, "Darkness On The Edge Of Town" (1978) ha sido desde siempre mi álbum favorito de Bruce Springsteen: punto intermedio entre la épica de "Born To Run" (1975) y el eclecticismo de "The River" (1980), que suponen para mí su trilogía definitiva. No en vano, estos tres álbumes (más los descartes de esa época incluidos en la caja "Tracks", que entonces acababa de sacar) fueron claramente los predominantes en la gira de reunión con la E Street Band en 1999, aquella con la que los vi en La Peineta en uno de los conciertos que se me quedarán siempre en el recuerdo.

"The Promise", el documental, narra de forma bastante canónica toda la historia alrededor del álbum de 1978, intercalando declaraciones actuales de sus principales protagonistas (incluido el "malo" de la película, el por entonces mánager de Bruce, Mike Appel, cuyo contencioso con el artista condicionó todo el proceso creativo del álbum). El film no sólo muestra esa idea de la grabación como una experiencia épica, además de alumbrar las diversas circunstancias que rodeaban entonces al de New Jersey, un músico meticuloso y obsesivo absolutamente sumergido en su obra (curioso el testimonio sobre las vueltas que dieron para grabar la batería de Max Weinberg, que me recordaron mucho a lo que había hecho Martin Hannett con Stephen Morris de Joy Division cuando le puso a tocar en el tejado del estudio, ¡atención!: un año después). La tremenda creatividad que desarrolló en aquel trienio es ahora mostrada con la reedición del álbum, que incluye 21 temas extras (ya había otros previos publicados en "Tracks" e incluso algunos que luego aparecerían en "The River"). Todo eso nos ayuda a comprender aún mejor el esfuerzo porque "Darkness" tuviese un tono unitario en esa gran crónica de una América obrera, oscura y triste. Como suelta alguien en uno de los titulares de la peli, tras el sueño spectoriano de "Born To Run", de repente Springsteen descubrió que no había ningún sitio a donde huir.

En otro de los momentos, afirma que el espíritu punk y el descubrimiento del country (especialmente de Hank Williams) tuvieron gran peso sobre él en aquellos años. Lo primero no se vislumbra muy claramente (si acaso sólo podría ver la influencia de The Clash, ya que la esperanza y la búsqueda de respuestas, ese sentido exploratorio que ha mostrado Springsteen en toda su carrera, no tiene mucha relación con el nihilismo de Sex Pistols y compañía). En cuanto al country, como ya se sabe, será en "Nebraska" (1982) cuando se manifieste con mayor fuerza. El caso es que el rock entre contenido y épico de "Darkness" así como su temática (tan cercana a esa Norteamérica clásica de Ford o Steinbeck) no sólo dio un bagaje más adulto (maduro, ensombrecido, pesimista) a lo apuntado en "Born To Run": marca lo que será para siempre el imaginario más característico de Springsteen que, con todo mi respeto a Paddy McAloon, va muchísimo más allá del simplista "Coches y chicas".

Uno de los aspectos más comentados con respecto a la revisión de este álbum es la voluntad del "Boss" de deshacerse de los hits, que es lo que le llevó a regalar a otros artistas singles inapelables como "Fire" o, sobre todo, "Because The Night". A este respecto, uno de mis momentos favoritos son las declaraciones de Patti Smith, rememorando el momento en que recibió la cinta y cómo relacionó el tema con aquella larga noche en la que esperaba una llamada que nunca le llegaba de su amado Fred Sonic Smith. El propio Bruce, de quien siempre ha sido un placer oírle hablar de sus canciones, como también mostró en el DVD "Storytellers", habla sobre algunas de ellas, aunque con la que me quedo es en las referencias al trabajo de su padre en la fábrica y a la sordera causada por ello, algo que inspiró uno de los mejores temas del disco, "Factory". No obstante, disiento un poco con la idea de que en "Darkness" no haya hits: "Badlands" es la continuación natural (o el reverso tenebroso) de "Born To Run", y "Candy's Room" siempre me pareció que tenía madera de single clásico, por no hablar de la ultrapegadiza melodía de "The Promised Land".

Pero sí es cierto que de lo que se quiso deshacer, y es otro de los momentos más reveladores del disco, es de las canciones más puramente pop. Los descartes ahora editados en el doble CD "The Promise" demuestran el fervor que el pop clásico despertaba en aquella época en Bruce, y especialmente en un Steve Van Zandt a quien se le ve en varias imágenes de la grabación cantando en el piano a cuatro manos con él. Ahí sale la frase que más me gusta del documental, cuando habla de la canción pop como, en inglés original, "the neverending now": el ahora interminable, esos dos o tres minutos que son puro presente, que colapasan el tiempo para que parezca que virirás para siempre dentro de esa canción. Esa idea será culminada en "The River" con "Hungry Heart", "Two Hearts", "The Ties That Bind", "Sherry Darling"...

El documental, que se presentó este año en celuloide en varios festivales de cine, no ha llegado a las pantallas españolas, pero sí a la televisión (fue emitido recientemente en la 2, en V.O.S., en uno de los mayores fenómenos paranormales del año) y se ha editado directamente en DVD dentro de la caja de la reedición de "Darkness" junto a filmaciones de varios directos de la época o una extraña interpretación en vivo del "Darkness" al completo en 2009 sin público presente. Con esas imágenes finaliza la película de "The Promise" mientras en la pantalla aparece diluido, en el último plano, el rostro del fallecido Danny Federici, a quien está dedicada. Mi "rockumental" favorito de los que he visto este año, un poco por encima de "Anvil", "Under The Great White Northern Lights" (White Stripes) y "When You're Strange" (The Doors).

2005. THE YEAH YEAH YEAHS: Tell Me What Rockers To Swallow
2006. PIXIES: loudQUIETloud
2007. DANIEL JOHNSTON: The Devil And Daniel Johnston
2008. JOY DIVISION: Joy Division
2009. NIRVANA: Live At Reading

Discos gallegos favoritos 2010

2010-12-14T19:50:00.002+01:00

1. TRIÁNGULO DE AMOR BIZARRO: Año Santo
2. NADADORA: Luz, oscuridad, luz
3. ESKIZOS: 1989-1993
4. THE CRIPPLE & THE TRAMP: I Won't Change For You
5. NOUVELLE CUISINE: La guerra del volumen

2001. DAR FUL FUL: El artista adolescente
2002. APEIRON: Todo sigue intacto
2003. APENINO: En la hora azul
2004. APENINO: Bumerán, bumerán
2005. NADADORA: Todo el frío del mundo
2006. SEVIGNY: Melalcoholic
2007. TRIÁNGULO DE AMOR BIZARRO: Triángulo de Amor Bizarro
2008. NOUVELLE CUISINE: De memoria
2009. ABRAHAM BOBA: La educación

Entrevista a Loquillo

2010-11-26T17:06:00.003+01:00

Hace unos años dejaste de tocar en directo "La mataré", pero ahora has vuelto a hacerlo. ¿Cuál fue la razón tanto para una cosa como para la otra?
No la dejé de tocar, simplemente nos dijeron que no debíamos tocarla y ya está. Era un tema legal. El single volvió a salir en el año 98, en una reedición de EMI y directamente les dijeron que eso no iba a sonar. Eso era así. Bueno, yo he decidido tocarla otra vez porque, evidentemente, si hay una película como “Átame” de Pedro Almodóvar funcionando, por qué no voy a poder cantar una canción que se llama “La mataré”, porque al fin y al cabo es una canción que habla de un maltratador. Entonces, aquí se entiende todo como se entiende, ¿no?, dependiendo del momento, de la época y la situación. Lo que nos parece muy delictivo en un momento resulta que al cabo de los años nadie le hace puto caso. Eso depende mucho de lo políticamente correcto de la época que vivimos actualmente.

En "Hechizo", el disco de homenaje a Bunbury, has optado por versionar "Apuesta por el rock and roll". ¿Alguna vez has estado tentado a dejar de apostar por ello?
No, porque hablando claro, y perdona la vacilada, el rock and roll aquí soy yo. (Risas). Es como si lo dicen Little Richard u otros, es que es la verdad. En este sentido, “Apuesta por el rock and roll” forma parte de la memoria de una generación, la de Gabriel Sopeña, un compositor con el que trabajo desde el año 90 y me parecía que una declaración que yo podía hacer en el disco de Enrique es esa, porque particularmente me resultaría muy difícil intentar ponerme en la piel de él. Eso es así, Enrique tiene un carisma y una personalidad muy muy muy suya. Adaptar una canción suya es muy difícil, así que me he servido de la adaptación que hicieron de la canción de Más Birras para acercarme, pero porque era el único lugar común. Pasaría al revés lo mismo, tenemos un carisma y un carácter tan definido que es muy difícil. O haces tuya la canción o le das la vuelta, pero intentar un cover de un tema de alguien cantando tú te aseguro que estás tratando con dos que hay que darles de comer aparte, así de claro.

Muchas de tus canciones son de autoafirmación: de una actitud, un espíritu, una ética, pero no hay tantas que revelen dudas o inseguridades. ¿Es eso incompatible con Loquillo?
No, no, lo que ocurre es que para eso están otros artistas. Dudas e inseguridades puede tener Nacho Vegas, pero de la misma manera que hay una sensibilidad existe la otra. Quizás yo formo parte de una generación y también de una educación muy distinta. Ahora mismo el rock and roll es muy difícil de ponerle una etiqueta de de dónde sale. Antes salía de los barrios, de lugares difíciles, incluso bordeando la marginalidad. Era quizás un movimiento muy de working class, y hoy en día es una música de entretenimiento. Es difícil encontrar ese poso. Hay muchos artistas que lo intentan tirándose el rollo y jugando a ser malos. Yo tengo una cosa muy clara, eso hoy en día es muy difícil, los tiempos son otros. El rock and roll se ve más como una música que como una actitud o una forma de vida sencillamente porque está ya en otra situación. Hace 30 años ibas a ver un concierto de los Rolling Stones y te parecería una marcianada, pero ahora vas a ver a U2 y qué coño es eso, ¿no? Hay que ser consciente del paso del tiempo. El rock and roll cuando lo conocimos en los 70... eso ya no existe. Habrá otro tipo de rock and roll, otra forma de entender quizás las formas, la transgresión, la rebeldía pero, insisto, estamos en esta etapa de final de siglo y principio de otro. Estamos viendo acabar el siglo XX, que es algo para lo que aún quedan cinco años o diez. Estamos en la frontera. Yo no sé si el rock and roll va a sobrevivir a ello, no lo sé. Tiene una enorme facilidad de reinventarse, tomar modelos de otras músicas y adaptarlos, pero el tópico de sexo, drogas, rock and roll, guitarrista yonqui que se desmorona… todo eso ha pasado a la historia, amigo. Yo cuando leo artículos de “Cuando el rock and roll era salvaje” es como, vale, ¿qué les gustaría, que fuéramos todos yonquis o qué? ¿Me entiendes? Todo eso me parece una parafernalia que pertenece al pasado y quizás nosotros vamos a ser testigos de su final. No sé lo que va a ocurrir ahora, pero yo soy consciente de que las cosas van a ser muy distintas.

Ahora mismo parece que, para los más jóvenes, la visión que se tiene del rock and roll es la de videojuegos tipo “Guitar Hero”, ¿no?
Sí, bueno, es otra, pero porque a nosotros también nos tocó vivir un momento muy especial en este país. Salíamos de la dictadura y el rock and roll era un canto de libertad. Entonces eso ya no es así. En la Universidad los grises ya no pegan a la gente. Vivimos en un Estado democrático, entre comillas, pero es lo que hay. Hasta el 78 en España se censuraban las canciones (le intento recordar lo de que a él le han censurado hace nada “La mataré”, como acaba de confirmar, pero él sigue hablando sin darme pie). Cuando todo eso se normaliza llega un momento en que las canciones son lo interesante, y al fin y al cabo la música es eso, ¿no? Si ahora te pones a analizar canciones de los años 70 y escuchas las letras son para salir corriendo, pero en aquel momento significaban lo que significaban. Quizás ahora se trabaje más en las letras y en conceptos artísticos que antes, donde todo era más urgente. Por eso digo que estamos en un momento muy curioso, qué va a ocurrir ahora ya no sólo en el rock sino en la música en general, la red, etc. Vienen muy rápidamente las cosas y a donde nos va a llevar todo es realmente excitante, dónde va a parar esta rueda.

También antes los rockeros erais héroes para los chavales, forraban las carpetas del colegio o del instituto con vuestras fotos. Ahora parece que ese papel lo cumplen los futbolistas, tenistas, pilotos de Fórmula 1…
Yo te digo una cosa. Yo creo que actualmente todo el mundo tiene la posibilidad de elegir. Puedes elegir ser un cateto. Y si quieres ser un cateto puedes serlo. Hace 35 años no existía la red, la cultura era mucho más difícil de conseguir pero te puedo asegurar que la gente era mucho más culta, sobre todo la gente joven tenía unas inquietudes en que como todo había estado prohibido, leía los libros prohibidos, escuchaba la música prohibida, la Velvet, unas novelas determinadas, los beatniks… todo aquello fue de golpe, ¡uau!, una explosión, nos enteramos de todo de golpe. Ahora todo eso está en la red. El que quiera tomarlo lo toma y al que no le interese no le interesa. Yo desde luego creo que la red tiene sus cosas buenas y sus cosas malas, y una de ellas es el hecho de que de tanta información no te enteres de nada.

En “Balmoral” reivindicas una serie de cosas que se han perdido. ¿Te ha podido el sentimiento nostálgico?
Yo siempre he sido un tipo antiguo. Soy consciente de que estoy viendo un mundo caer. Soy consciente, para nada nostálgico. Toda la mítica que nosotros hemos conocido, desde Gardel, Elvis o Sinatra hasta los Rolling Stones, la cultura popular del siglo XX… esto se ha acabado. Puede seguir dando los últimos coletazos pero lo que va a ocurrir es otra cosa, no sabemos qué. Ya no vas a ver a artistas como Sinatra o a bandas de rock que provocan, que se juegan la vida. Yo creo que las últimas bandas de rock que han existido han sido los Clash y Guns N’ Roses. Luego llegaron los Nirvana, etc., pero ya era otro rollo. Y, ¿ahora qué es el rock and roll? U2, Coldplay y The Killers. Católicos, protestantes, mormones… o sea, parece que vayamos a misa. La Iglesia Católica el día que se enteren de que Bono debería ser el Papa vería el cielo abierto. Fíjate a lo que hemos pasado, entonces igual es el lenguaje del futuro. O no. O igual estamos llegando al final de algo que no era verdad. Estamos en un momento no confuso, es tremendamente excitante. Sí que puedo ver que estamos volviendo, sobre todo las bandas más jóvenes, a practicar género. El mestizaje evidentemente ha terminado por aburrir a un buey. Todo este rollo de “salvemos el mundo, las ballenas, los pueblos oprimidos” pues se ha demostrado que muchos de sus grandes santones son más hipócritas que la madre que los parió. La gente, y lo sabes, ha vuelto al género: hay bandas de blues, bandas de rockabilly, bandas de hard rock… pero ese coñazo que fueron los 90 de la puta fusión, eso se ha acabado. No sé, yo creo que cuando hay confusión, en tiempos de crisis, por h o por b la gente vuelve a lo primitivo. Y estamos viendo una vuelta a los orígenes. E incluso se está redescubriendo el folk. Toma castaña. Por un lado todo se desmorona y por otro la gente vuelve al inicio.

¿Te gusta algún grupo actual?
Yo puedo decir que tengo buena sintonía con bandas como... hace poco entregué un premio a Love Of Lesbian en Madrid, pero tienen 40 años, no tienen 20. Hay gente nueva haciendo folk como The New Raemon, hay cantantes femeninas con una gran potencia como Maika Makovski, hay bandas de rock and roll puro y potente, digamos de mi cuerda, como pueden ser los Right-Ons. Incluso los Arizona Baby. Yo estoy viendo un panorama de gente muy joven que, de verdad, a mí lo que me asombra es que tocan que te cagas. Comparado con nosotros (risas). Por otro lado, se encuentran en una situación parecida a la nuestra: no sonamos en la radio, ellos tampoco, pero hay un festival como el Sonorama que mete a 30.000 personas. Entonces aquí está pasando algo. Creo que estamos en un momento musical en España en el que nos podemos encontrar con una segunda etapa dorada, o una nueva ola de bandas realmente interesantes y de artistas con carácter. Estoy viendo mucho talento y sobre todo gente que no es nada ortodoxa, algo muy bueno para la música. Hay que tener principios, pero no cometer el error de volverte demasiado ortodoxo, que los árboles no te dejen ver el bosque. Ese es el tema.

Ahora mismo Miguel Ríos se está retirando de los escenarios, con lo que ahora mismo tú eres uno de los músicos de rock con una trayectoria ininterrumpida más longeva, si no el que más. ¿Cuánta cuerda dirías que te queda?
Tengo 49 años pero ahora mismo estoy preparando dos discos, no te digo más. Sí que es cierto que mi trayectoria ha sido ininterrumpida. Hay mucha gente que lleva muchos años pero se han retirado, han vuelto, lo han dejado… en mi caso esto no ha ocurrido. En ese sentido sí que mi trabajo es muy elevado. Incluso a nivel audiovisual: mi primer vídeo data del 82, fue uno de los primeros junto con “La estatua del jardín botánico” de Radio Futura. Yo de momento voy a seguir utilizando las mismas armas: discos, artículos, novelas, producción teatral o cinematográfica… no sé si dentro de 5 ó 6 años tendré otras armas, pero es que como todo va tan aprisa… a nosotros la red, a mí en particular, la red me ha ayudado muchísimo, porque llevo como 12 años sin sonar en las radiofórmulas. Pero la trayectoria en el desierto la he hecho solito, ¿eh? Entonces cuando consigues atravesar ese desierto jugando sin cartas, sin tener un apoyo de un grupo mediático que te ayude a subir y colocarte en todas partes. Es difícil, pero yo creo que es el camino, porque te reafirman en tu trabajo. Se han acabado los tiempos en que un grupo mediático lanzaba a un artista y hacía a todo el mundo creer que era muy grande. Eso se ha acabado, sobre todo porque lo que ahora funciona es el directo. Ahí no hay trampa ni cartón. Aquí o te lo curras en directo o por mucho que te coloquen en las emisoras no vas a ninguna parte. Se acabaron los tiempos de la mentira en ese sentido. Ahora quedan los artistas. Ya sea de rock, de pop, de zarzuela, de lo que quieras. Los artistas. Y por otro lado, te lo digo: tiempos de crisis, tiempos de rock and roll. Siempre ha sido así. Cuando hay una economía de bienestar tenemos el pop. Ahora son tiempos duros, contundentes, y la gente se agarra a lo que es de verdad.

¿Qué vas a hacer para celebrar tu 50 cumpleaños?
Me voy a ir a cenar con mi mujer y mi hijo. Así de claro. Le voy a dar la importancia que merece, y lo único que te apetece es estar con las personas a las que quieres. No voy a hacer ninguna, cómo se dice eso… igual me paseo en el tren chu-chú ese que va por Donosti (risas), que me queda pequeño. Pero no pienso hacer ninguna celebración porque eso es algo muy personal. No tengo por qué destrozar un hotel, que es algo que puedo hacer cualquier día. Me lo tomaré con mucha calma y, bueno, miraré hacia atrás y diré: “Bueno, todo esto lo he hecho y ha valido la pena. Yo creo que la mayoría de la gente de mi generación jamás pensó llegar a una edad así (risas). Y como nunca lo pensamos, todo lo que viene después de aquello ha sido gratis. Si encima te lo pasas bien y aprendes ya es la bomba. Yo creo que uno se mete en esto sobre todo para aprender, aunque en un principio lo haga para salir de casa, para disfrutar, para pasarlo bien. Visto desde ahora es un poco ingenuo, pero aquella era una buena manera de conocer el mundo. Esto ahora no se ve con esos ojos, porque puedes conocer el mundo de muchas formas, pero en aquel momento era una forma de escapar de una realidad que te comía. Yo podía tener muy claro cuál iba a ser mi destino si no llego a salir del barrio. Sé que lo que me ha dado el rock and roll no es el aplauso del público, el cariño… no, no, no. Por favor, yo no soy hippy. Eso para los hippies suena muy bien pero a mí lo que me ha dado la música es otra cosa: integridad, carácter y, sobre todo, la manera en que he llegado a conocer cosas que por mi situación personal jamás hubiera conocido. Me ha ayudado a descubrirme, a conocerme. Eso es lo que más agradezco. Si no hubiera trabajado por mí mismo no lo habría conseguido, no le debo nada a nadie, en ese sentido. Yo le he devuelto a la vida lo que la vida me ha dado. A mí nadie me ha dado una subvención, ni soy hijo de un artista ni de un torero ni hostias, ¿entiendes? Aquí venimos de picar piedra, que se dice. Lo puedo decir con orgullo y me siento muy bien diciéndolo, pero jamás seré uno de estos tipos humildes que dicen (pone voz paródica) “Ah, doy gracias al público, que me lo ha dado todo”. Hay que huir de este tipo de artistas. Los artistas humildes son unos mentirosos vocacionales. Yo siempre preferiré a uno chulo y borde que a uno de estos artistas que va pidiendo perdón por existir. Vamos, de calle.

Me llamó la atención en el documental de Carles Prats (“Loquillo, leyenda urbana”) que la etapa con la que te muestras más crítico de tu trayectoria es la de finales de los 80 y principios de los 90. En concreto, cuentas que contratasteis a un dealer permanente para vuestras giras y que te pasaste tres años en los que no te acuerdas de nada. Curiosamente, puede que sea la etapa favorita de la mayor parte de tus fans.
(Risas) Era un poco como el sarampión. Hace poco un periodista de aquí, del País Vasco, decía “qué buenos éramos cuando vivíamos todos en lo salvaje”. Mira, le hubiera metido toda la heroína que se ha metido mi banda, se la habría metido toda por el culo. ¿Me entiendes lo que quiero decir? Esas chorradas no se pueden decir. Esas chorradas no se pueden decir. Hemos vivido una época determinada y aquí nadie se arrepiente de nada. Pero decir esas tonterías… Hay gente que disfruta viendo el cadáver del que se sube a un escenario, y que viven la vida a través de sus canciones pero jamás harían lo que ellos hacen. Es como la gente que dice “no, es que por culpa de Lou Reed mucha gente se enganchó a la heroína”. Y digo, “bueno, pues si te enganchas imbécil eres”. Siempre he tenido esa actitud. Yo me salvé porque era de otra manera, qué quieres que te diga, no todo el mundo es igual, pero cuando escuchas esa dimensión del rock and roll de que tienen que acabar todos hechos polvo siempre pienso en Paul Simon y en los tres grandes LP’s que ha hecho en tres décadas distintas. No interesa a los críticos, como no tiene una vida disoluta… O es como la gente que habla de Phil Ochs simplemente porque se ahorcó con un cinturón, pero no habla de su música. Todo son remores de una época determinada. Los grandes críticos musicales que bendecían a unos y machacaban a otros, esto se ha acabado. Ahora al crítico musical lo tienes en tu facebook. Ellos te dicen si te gusta o no, si tal o cual… que a ver, que un artista va a seguir haciendo lo que salga de los cojones. Piensa que somos la primera generación que llega a los 50 años vendiendo discos y actuando en España. No digo que Santiago Auserón, Rosendo o Manolo García no lo hayan hecho, digo que con nosotros llega la normalidad. Nosotros ya crecimos en una democracia, no vivimos el franquismo ni fuimos hippies. No, teníamos 14 años cuando llegó el punk, lo anterior no nos interesaba. Es una generación muy distinta, crecimos con “London Calling” y con “Autosuficiencia”. Por eso digo que hay un diferencial, y ese diferencial se nota.

¿Los Trogloditas están disueltos definitivamente?
Diré lo mismo que decía Morrissey acerca de volver con los Smiths: antes me comeré mis propios cojones. Pues esto es lo mismo. Sigo colaborando cuando podemos con Sabino Méndez, yo sé que en algún momento haremos algo juntos porque nos apetece a los dos, pero es la única persona con la que podría colaborar. El resto se largaron, entonces cuando te vas de un sitio no hay vuelta atrás. Y yo me terminé yendo de la última formación de los Troglos simplemente porque aquello era un proyecto finiquitado. No hay nada más patético que una banda que se arrastra, y no hay nada más patético que el signo éste de los tiempos, que hay bandas con nombres y apellidos y resulta que es un tipo con un grupo de músicos contratados. No, en mi caso Loquillo es Loquillo con una serie de músicos que ya tienen nombre por sí mismos. Todo el mundo conoce a Jaime Stinus y a Igor Paskual. Entonces, ¿para qué le vas a poner un nombre?, no vamos a hacer “Loquillo y los tal”. Eso ya es una etapa pasada, y a mí me gusta mantener el buen nombre de los Troglos, jamás lo machacaría haciendo una vuelta. Ya sé que eso da mucho dinero y la gente no se corta un pelo pero, lo siento, yo tengo mi dignidad e, insisto, yo soy de una generación que a esas cosas les da mucha importancia. Eso se terminó y se terminó, ahí hay un trabajo, un montón de discos y eso forma parte de un momento determinado, pero es que… volver, es que eso suena muy patético, tío. Eso sí, que en cualquier actuación puede aparecer Sabino, Gabriel Sopeña, Carlos Segarra… sin duda, pero los Troglos se terminaron el día que yo abandoné la banda y ellos no siguieron. Y se acabó. También muchos se fueron, murió Guille Martín… y son circunstancias que marcaron el final de los Troglos. Pero no puedes tirar de la vaca, y eso debe ser así. Yo he intentado siempre mantener el buen nombre de las cosas y el recuerdo de una época.

Entonces la relación con Sabino es muy buena ahora, ¿no?
Sí, después de 6 ó 7 años se normalizó. Estamos siempre en contacto, y cuando no es el uno es el otro y cuando no es un niño es el otro niño. Ha colaborado en “Balmoral”, en la canción “Sol” y supongo que trabajaremos juntos cuando tengamos tiempo. Normalidad absoluta, esa es la palabra, ni mejor ni peor.

Cuando tocaste con Hugh Cornwell en El Sol el año pasado, tú ibas de telonero. Cuando el ex Stranglers salió, gran parte del público se marchó y otra parte se puso a gritar “¡Loco, Loco!”. ¿No tuviste la sensación de que tus fans eran más papistas que el Papa? Además fue algo curioso, teniendo en cuenta que se trata de el autor de “No More Heroes”.
Yo esto siempre lo he tenido muy claro: la nobleza obliga. De todos modos pienso que en el rock aún perdura mucho el respeto. En otras músicas no, pero en el rock sí. Y si no se respeta lo hacemos respetar. Aquí cuando se habla de los grandes nombres la gente tiene que callarse la boca. Si te sientas en una mesa con Leslie de Los Sírex, como el otro día con Santi de Love Of Lesbian, Carlos Segarra estaba sentado a su lado y le decía: “chaval, estás al lado de dos tíos, uno que tocó con los Beatles y otro que tocó con los Rolling y los Who”. Eso tiene que mantenerse, el legado tiene que pasar de unos a otros. Siempre ha sido así. Quizás ahora es la primera vez que esto ocurre en España y antes no había ocurrido. Yo recuerdo cuando se despreciaba a las bandas de los 60, o cuando en los 90 a todo el mundo le dio por poner a parir a a las bandas de los 80. No, las cosas tienen que tener un tratamiento lógico y adaptarlo con el tiempo. Me he fijado que en los demás países que nos rodean lo tienen muy claro. Aquí, insisto, es que llevamos muy poco tiempo en esto. Desde que se normalizó han pasado 30 años, con lo que los demás nos llevan 30 años de diferencia. Creo que hemos hecho el viaje muy rápido y yo creo que ahora mismo el nivel de talento que hay en este país está en primera línea, aquí hay una generación muy preparada.

Has entrevistado hace poco a Ramoncín para el Rolling Stone. ¿Se ha maltratado en exceso su figura por culpa de su implicación con la SGAE?
Yo haría la pregunta al revés: ¿No crees que ha sido un personaje utilizado por la SGAE? Es al revés, ¿eh?, cuidado. Se ha utilizado su figura para mantener otra. Yo no creo que Ramoncín esté cobrando ahora mismo una pensión vitalicia. Ahí donde está el dinero, ahí está el negocio. No creo yo que tuviese que ser él el encargado de recibir las hostias. La vida me ha enseñado que las cosas son de otra manera. Yo también he leído a Maquiavelo, sólo hay que leerlo para darte cuenta de dónde está el negocio. Y el negocio es: el pirateo se basa en las compañías telefónicas. Cuanto más pirateo más ganan, así que les interesa a ellas. Ya está, es que no hay nada más que decir. Con eso se compran muchas voluntades, y a mí la vida me ha enseñado que las voluntades que se compran siempre se compran en tu casa. Por eso digo que si alguien piensa que Ramoncín se ha hecho rico con esto, etc., etc., ¡buah!, es un ingenuo. Tú ves directamente quién ha ganado la pasta, y ahí encontrarás el business y lo que te han vendido y que te has tragado en los últimos diez años. Hombre, insisto, ya tenemos una edad, ¿eh? Tontos no, no nos van a tomar el pelo a estas alturas.

Volviendo a Miguel Ríos, recientemente hizo un video viral donde simulaba que te agredía en un bar. ¿Has llegado a las manos con algún músico en la vida real?
No, nunca, nunca, nunca. Yo podría llevarme mal con alguien pero simplemente no lo trato. Yo me he llevado mal con los mánagers, y me he quedado con las ganas. Pero músicos no, simplemente hay músicos que se venden, músicos que dejan que su carrera la lleven otros, músicos que se agarran a un éxito momentáneo como a un clavo ardiendo y les tienes que disculpar todo… Pero yo te digo una cosa, la gente con la que trato es toda muy noble y muy honrada. Sólo he conocido un músico de rock, uno solo, que me ha decepcionado y me ha parecido ser un chupapollas, pero no lo voy a decir. Sólo uno en todos estos años, así que creo que es una valoración completamente positiva.

¿Para cuando esa ansiada gira con Calamaro, Bunbury y Urrutia?
Bueno, me alegro de que me hagas esta pregunta, el fútbol es así (risas). Yo espero que se pongan de acuerdo todos de una puta vez. Yo siempre he sido el más positivo en esto y el que ha puesto más ganas pero, de verdad, más vale que se pongan las pilas pronto que ya me estoy cansando de esperar. Te lo digo con toda la franqueza, ¿eh? Espero que pronto se pongan de acuerdo todos, que se pueda hacer y que la gente disfrute de un espectáculo necesario para poner las cosas en su sitio, para valorar el rock que se ha hecho en España, para valorar la importancia de la lengua castellana en el mundo del rock. Hay que darle el valor que hay que darle, y yo creo que juntar a cuatro artistas de este calibre sería algo muy grande. Desaprovechar eso sería muy tonto, así que espero que las cosas lleguen a buen puerto.

Entrevista realizada por teléfono el 17 de noviembre. Hoy ha sido publicada en versión reducida en La Luna de Metrópoli.

Canción del día: "All Around And Away We Go" (Twin Sister)

Frase del día: "La verdad está en la carne" (Alberto Contador)

Entrevista a Paul Banks (Interpol)

2010-11-12T20:49:00.003+01:00

Vuestro nuevo álbum es autotitulado. Cuando se hace eso suele decirse que es porque representa mejor el espíritu del grupo y cosas así. ¿Es ese vuestro caso o no encontrabais un título mejor?
Bueno, por muchas razones, pero no es la primera que has dicho. Para el público, nuestra música es ya su música y no podríamos convencerles de que éste es nuestro álbum mejor porque los fans lo deciden ellos mismos. Pero sí es un álbum adulto, diría que es el primero que hacemos no pasando la adolescencia, pero sí que ya sabemos mejor lo que estamos haciendo. Es un disco maduro y también yo quise cambiar el logo y comunicar algo nuevo con la animación del website. Con ese diseño el nombre del grupo es algo bastante distinto, y más palabras devaluarían esa estética. Hay varios niveles, pero no queríamos que hubiese espacio para más palabras que ese logo monumental que hemos creado. Por otro lado, la música es lo que es, y más palabras dirían menos.

¿Vais a cambiar el concepto visual en los directos?
Vamos a intentar hacer algunas cosa nuevas con nuestro diseñador de iluminación y proyecciones, pero al mismo tiempo estamos intentando volver a la idea no de garage, pero sí que el público no olvide que somos un grupo de rock, entonces habrá algo de high concept y algo de tocar en vivo en tu casa. Somos una banda de rock, no de indie rock. Siempre ha habido esa idea de distancia entre nosotros y el público, algo enigmático no muy articulado, pero también somos conscientes de que los cinco podemos ir con los instrumentos a cualquier parte y tocar un show de rock, no es puro concepto alto.

En Madrid tocáis en el Palacio Vistalegre, que es mucho más grande que La Riviera, donde lo hicisteis las veces anteriores. ¿Puede eso dificultar esa sensación de intimidad con el público?
A lo mejor sí, pero yo soy el miembro del grupo que no tengo preferencia entre un lugar íntimo y oscuro y un festival grande a las 2 de la tarde a pleno sol frente a 10.000 personas que ni conocen mi música. Lo paso muy bien en ambas situaciones. Para mí el rock es el rock y yo me siento como en la tradición de Woodstock, si tienes guitarras eléctricas, amplificadores grandes y un batería como Sam (Fogarino), que es el diablo de Tasmania, se traduce bien a cualquier escenario. Pero también hay la idea de que un grupo con la emoción, la melancolía y las atmósferas que tenemos nosotros se podría decir que es mejor en un espacio íntimo y oscuro, pero yo no soy de esa mentalidad. En un lugar íntimo siento el calor del público, pero el rock a escala enorme de festival es totalmente distinto.

Tengo la sensación de que en cada disco habéis evolucionado sin perder vuestra identidad. En éste hay cosas que suenan a Interpol y otras que no tanto. ¿Es importante para vosotros, intentar moveros sin rebasar los límites de lo que ya sabemos que es Interpol?
Sí, aunque yo creo que la prensa siempre ha simplificado el proceso, ha pensado que por fuerza es todo muy conceptual, pero nosotros no empezamos el grupo pensando “queremos un sonido así, ¿cómo hacemos para conseguirlo?”. Somos todo fuerzas individuales, yo contra Carlos (Dengler), Carlos contra Sam, pero todos en armonía a la vez, sin controlar totalmente cómo va a salir el sonido, porque es un proceso mucho menos consciente de lo que dice la prensa, en plan “suena así o viene de esta tradición”. Yo nunca he pensado en esos términos. Toca Daniel (Kessler), yo oigo melodías y no pienso “eso no suena como el primero”, no lo pienso para nada, pero como somos los mismos individuos por supuesto que va a haber una línea coherente entre todos los discos, cada uno tiene una personalidad que no cambia tanto. Como individuos también hemos evolucionado, especialmente Daniel y Carlos, que han hecho las melodías de este disco y aprecio que hay un esfuerzo por hacer melodías más sofisticadas y sutiles. Luego yo he intentado hacerlo más pop. Es un disco más sutil y complicado, pero yo tuve la iniciativa de girarlo luego todo hacia el pop. Tampoco quería hacer letras tontas, pero en términos de melodías y estribillos di un giro más accesible a las canciones.

Puede que sea el disco en que la contribución de Carlos es más importante, ¿es así?
En este disco yo diría que el MVP es Sam. Carlos trabajó mucho con la orquestación, ya ni se ve como bajista sino como compositor, y este disco para él ha sido como un vehículo para trasladar el rock hacia la música clásica y luego yo lo devolví al rock. Su influencia es muy grande y profunda sobre este disco, pero él también la tomó de la música que le presentó Daniel, que estuvo yendo hacia la música más progresiva.

Carlos dejó el grupo después de la grabación. ¿Cuáles fueron las razones?
Bueno, supongo que muchas y además es difícil responder porque él no está aquí para rebatirme. Él quería buscar otras cosas en su vida y es una decisión muy difícil porque él ama mucho a este grupo pero no se pueden hacer dos cosas a tiempo completo. Él quiere buscar su felicidad en la vida, y es como en un matrimonio, no se puede descubrir cómo es ser soltero dentro del matrimonio, sino que hay que romperlo para descubrir lo que prefieres. Se necesita mucho coraje para hacer eso. Yo no sé qué va a hacer pero era algo necesario para él.

Ahora en directo contáis con David Pajo y con Brandon Curtis de Secret Machines, con lo que os habéis convertido en una especie de súperbanda.
(Risas) Para mí Slint ha sido una gran influencia sobre mi música, así que es extraño tocar ahora con él, además es muy simpático, tiene muy buena onda. Y Brandon Curtis yo ya los iba a ver en el año 99 o 2000. Antes de que Interpol grabásemos las Peel Sessions yo ya era fan de Secret Machines. En directo van muy bien, son músicos impresionantes que se dedican mucho a esta música. Pajo entiende el talento de Carlos y toca las líneas con mucha fidelidad y suena muy bien.

¿Accedió fácilmente a vuestra llamada? ¿Le gustaba vuestra música?
Creo que sí. Lo que yo sé es que en el primer ensayo que tuvimos con él ya tocaba todas las canciones y sonaba muy bien. Al público le está gustando mucho el show. Dave en particular está tocando nuestra música con entusiasmo, lo entiende y lo representa con energía y suena muy bien.

¿Qué te ha aportado la experiencia de tu proyecto en solitario, Julian Plenti?
Me sentí mucho más relajado cantando con Interpol ahora. Igual que en "Antics" me costó mucho hacer las letras, que me gustan como quedaron, pero ahora no me ha costado tanto y yo creo que es porque había entendido que el proceso creativo no tiene que ser doloroso. La mayor parte del tiempo sí lo es, pero no tiene por qué serlo. Yo descubrí el método para que me lleguen las ideas sin tener que pensarlo mucho y después de que lleguen dije “y eso es, Alan Moulder mézclala, no lo voy a pensar mucho”. En el pasado lo pensaba mucho más, pero ahora para mí el único parámetro es no preocuparme, no tener energía negativa en el proceso creativo. Todas las ideas me salieron muy fácilmente también porque ya no tengo preocupaciones, ya no me siento vulnerable, ya no pienso en la crítica, y en todo eso me ayudó mi disco.

¿Entonces las letras de este álbum han sido más inmediatas?
Bueno. Es algo más especial que eso, porque algunas de mis textos favoritos están en este disco pero no me costaron. Tampoco quería conformarme con malas letras, sino que el proceso de relajarme invitó ideas muy buenas sin esfuerzo. Creo que las ideas están en el mismo nivel pero el esfuerzo está más bajo.

Tanto en tus letras como en el sonido del grupo hay siempre un tono muy oscuro. ¿Es algo parejo a vuestra vida? Quiero decir, ¿podríais seguir haciendo música oscura aunque fueseis plenamente felices o es algo que no se corresponde con vuestro estado vital, sino que simplemente es la música que os sale?
Bueno, depende. Es una cuestión mía y de Daniel. Él tiene mucha melancolía dentro que sale en la música que compone. Escribe progresiones que son como llorar con guitarra, y es un método creativo muy interesante. Pero no es algo consciente, esa melancolía es parte de él y está dentro de su sonido, y a mí también es algo que me interesa y por lo que me gusta trabajar con él. Las experiencias de la vida cuando éramos más jóvenes, y eso creo que se te queda siempre. También hemos escrito canciones positivas, con alta energía, pero en mi estado natural hay una melancolía, esa oscuridad. Carlos es más camaleónico, puede representar muchas cualidades, pero prefiere la dramática, la gran épica.

Algunos músicos dicen que cuando escriben canciones lo hacen para ordenar el caos o poner de manifiesto el absurdo que nos rodea. ¿Es también tu caso?
Yo creo que al principio, cuando era más joven, sí fue eso. Yo tenía conceptos psicológicos que quería comunicar con mis primeros discos. Desde el principio tuve una agenda de lo que quería hacer, como una misión, en términos de letras, que siento que ya cumplí, y ahora simplemente intento disfrutar, que lo que haga sea interesante, no hacerlo obvio. Ahora se trata de comunicar ideas de modo interesante y representar mi filosofía de la vida. Aunque los narradores de nuestras canciones muchas veces son como que estoy interpretando un personaje que es un aspecto de mi personalidad amplificado y que excluye los demás aspectos, como un personaje en una película. Eso me divierte mucho y con ello creo que puedo comunicar ideas más precisas, pero también intento que no lo parezcan, que sean ambiguas y te provoquen.

Un aspecto que me resulta interesante es que el oyente parece que sabe de lo que estás hablando pero en realidad nunca llega a saber exactamente de lo que estás hablando.
Es como que los fans de Interpol sí que me conocen pero no tiene que ver con la palabra, sino con el tono. Los fans entienden lo que estamos haciendo.

Pero me refiero más a la sensación de misterio en las letras.
Yo creo que los cantantes que intentan poner de manifiesto un problema y luego dar la respuesta... eso es una idiotez. Yo a principio me forzaba a no decir nunca lo que es, sino más bien a representar el caos o la falta de certeza. El hecho es que en esta vida no hay respuestas. Pensar que las hay es una idea errónea y que no me interesa. Me gusta ser provocador, y creo que es más saludable para la humanidad aceptar el caos y la falta de respuestas simples en esta vida. Es más honesto. El caos no es lo mismo que el ateísmo, la falta de espiritualidad o la destrucción. Al contrario, saber bien que no hay respuestas en esta vida es una liberación, es algo positivo, no es incompatible con el amor o el respeto. No es necesario tener respuestas para ser buena persona.

Ésta va a ser vuestra gira española más larga, ¿qué recuerdas de las anteriores?
Oh, tengo grandes recuerdos. En Barcelona lo he pasado muy bien, y también en Madrid, donde aún tengo muy buenos amigos. A los españoles les gusta el rock y a mí me encanta tocar aquí.

¿Cuánto tiempo viviste en Madrid?
Cuatro años, entre los 11-12 y los 15-16 años. A todos mis amigos de aquella época los conservo.

En aquella época los menores aún podíais ir a conciertos
Sí, fui a U2, al "Zooropa Tour" en el Vicente Calderón; a Nirvana en primera fila en Las Ventas... Luego cuando yo vivía en Nueva York mis padres seguían aquí y venía mucho a visitarles, así que vi a Make Up, a Trans Am…

¿Lo echas de menos?
Sí, pero siempre va a tener un lugar en mi corazón.

¿Ha cambiado mucho vuestra forma de vida a partir del éxito que habéis tenido con el grupo?
Bueno, sí. Algunos grupos como que cambian cuando tienen algún tipo de éxito pero para mí fue verdaderamente mi sueño. Tenía un interés tan grande dentro de mí, hay tantas ideas que quiero explorar, que creo que haré música toda la vida. Vivir de la música ha sido lo máximo porque mi objetivo siempre fue no tener que hacer otras cosas que no me gusta hacer. Algunos artistas llega un momento en que se dan cuenta de que ya no tienen nada que decir porque su vida ha dejado de ser difícil. Pero yo he tenido una vida fácil, lo único que ha hecho difícil mi vida es mi mente, y sigo con esta mente. Todos tenemos un trauma del instituto y eso me ha dado energía para toda la vida, y las experiencias del día, esa energía de la vida sale en mi música. Es un sistema sostenible para mí, como una función biológica, hacer música.

Este disco lo habéis autoeditado. ¿Cómo ves los cambios en la industria de la música?
No suena muy bien cuando alguien que tiene una carrera se queja, es como para decirle “cállate, cabrón”. Yo siento que nosotros, que tenemos nuestros fans, podemos ir de gira sin que la gente compre nuestros discos, pero los grupos que empiezan, ¿qué van a hacer? Lo que los jóvenes no entienden por ahora es que hacer tu primer disco cuesta mucho dinero, y nadie te lo va a dar si ven que la gente no va a comprar ese disco. Los chavales que tienen 16 años ahora no van a poder formar bandas y grabar en un buen estudio. Puedes hacer un disco, pero no va a sonar como un álbum clásico como los de los Beatles, Pink Floyd o Pixies.

(Entrevista realizada el 29 de junio en la terraza del Hotel Urban en Madrid. Un extracto de la misma sale publicada en el número de hoy de La Luna de Metrópoli)

Canción del día: "La unión y la fuerza" (Joaquín Pascual)

Frase del día: "Yo no soy Dios. Si lo fuera, transformaría a tres de cada cuatro periodistas en tías buenas" (Axl Rose)

Entrevista a El Guincho

2010-10-21T12:07:00.002+02:00

El último número de La Luna de Metrópoli incluía la entrevista que le hice recientemente a Pablo Díaz-Reixa, El Guincho, coincidiendo con la salida de su tercer álbum, "Pop Negro", pero la conversación dio mucho más de sí. Aquí va la transcripción completa.

¿Es "Pop negro" lo que siempre quisiste hacer?
Esto es lo más cerca que he llegado a traducir lo que tenía en la cabeza a un disco, en cuanto a sonido. Tampoco es que quiera hacer una sola cosa en mi vida, me interesan muchos tipos de música.

Has declarado que no te veías grabando más de dos o tres discos más y que te gustaría dedicarte a la producción.
Sí, tengo un contrato por dos discos más y luego ya veré. Yo creo que los proyectos no hay que abusar de ellos. Caetano Veloso ha hecho 12 ó 13 discos legendarios, pero yo no me veo yendo de gira con El Guincho dentro de diez años y tocando "Palmitos Park", me veo en un estudio y trabajando seguramente con otros artistas.

En este disco, de hecho, te has inspirado en productores, no en músicos.
Sí, sí, totalmente.

Hay una influencia de la que denominas "estética de la alta fidelidad", las grandes producciones de los 80 y la FM. Se percibe cierta nostalgia en contraposición a la época actual en la que todo se puede hacer en casa con pocos recursos. Parece incluso un movimiento reactivo contra toda esta invasión lo-fi.
De hecho es anacrónico irte a un estudio de grabación bestia, pero es lo que tenía que hacer para traducir la idea que tenía en la cabeza. Lo maravilloso de hoy en día es que ya no hay frecuencias vetadas para nadie, todos los estudios pueden ir de lo más grave a lo más agudo, no como antes, que grababas con un casete y había frecuencias a las que no podías acceder. Entonces hoy en día la elección de técnicas tiene un valor puramente estético, y por eso cada día surgen mejores ideas de producción. Pero lo que no quiero es que se vea como una reivindicación o una idea revivalista, sino como un afán de actualización de ese sonido, de unos ciertos arreglos y giros de producción que evocaran ese sentimiento tan preciso de cuando éramos jóvenes y escuchábamos algo en la FM. Pero no era ir a buscar ese sonido ni mucho menos, que me parece algo incluso de mal gusto. Sí recuperar ciertos sonidos que han quedado denostados, pero en otro contexto, otro tipo de canción, otro tipo de timbre…

En este álbum no hay samples. ¿Tomaste la decisión simplemente para evitar los típicos problemas de derechos o hay más cosas?
Había más motivaciones. No me he cansado del sampler, me parece un lenguaje bestial, fascinante, maravilloso, y a día de hoy sigue siendo futurista completamente, porque las leyes todavía no saben cómo solucionarlo. Por otro lado, para las ideas de producción que quería asumir para este disco iba a ser un freno también. Tener que buscar lo que quería plasmar en este disco por lo que explicaba antes: si buscaba discos de Kashif con una determinada caja y un determinado bombo al final iba a ser un ejercicio de revival de eso, y yo lo que quería era colocar esos sonidos o cosas reminiscentes de esos sonidos en un contexto nuevo de esta época, de lo que vivía ahora o cuando estaba grabando. Esa es la diferencia.

¿Cómo lo vas a llevar al directo?
Ahora estoy en formato trío con Aleix y Borja de Extraperlo. Es más a tiempo real, más formato banda. Me siento mucho más a gusto que tocando solo porque hay más posibilidades de un error, de que las estructuras muten, de hacer un giro en una canción que de otra manera. Hubo un momento en que se pervirtió un poco el formato y la gente no sabía si era una sesión de DJ, si yo estaba tocando música o no, y creo que también es una cura de humildad decir, “ok, vamos a explicar bien estas canciones, que sea inteligible para la gente” sin perder el que sea excitante para nosotros tocarlo en directo.

Los títulos de tus álbumes ("Alegranza", "Pop negro") son como formas de definir tu sonido en ese momento preciso...
Sí, sí, totalmente. De hecho, la idea viene antes que las canciones y la producción. Tienes una idea de un disco en términos de juntar siempre cosas. Siempre digo que Jerry Masucci es una inspiración para mí, y Johnny Pacheco, de Fania. Masucci, por ejemplo, no era un productor musical sino un productor de concepto, de ideas: “Si llegamos a juntar a Willie Colon con Héctor Lavoe en un estudio, vamos a meter aquí unas trompetas y hacer una canción para bailar, luego un bolero muy duro, muy jodido, etc”, y luego tenía esos músicos espectaculares que lo hacían, pero esos crossovers eran idea de Masucci. Me gusta la idea, pensar en un crossover, en unir ciertas cosas. En “Alegranza” fue estructuras de música de baile con producción de space exótica, y en este disco se trataba de destilar una estética de la alta fidelidad, que no existe, pero destilar esa especie de gran ventana por la que tenían que caber las canciones y timbres que se adaptaran a mi idea.

Las letras de "Pop negro" aparecen impresas en el libreto del álbum. ¿Son más importantes ahora?
Siempre han importado. En "Alegranza" creo que se infravaloraron y me parece bien, porque si la gente infravalora quiere decir que no tienen tanto valor. De este disco me han dicho que las letras son un poco más oscuras, cuando "Alegranza" es mucho más oscuro para mí, tanto las letras como la sensación que desprende, claro que yo no tengo ningún tipo de perspectiva sobre lo que hago, como todos. Para mí "Pop negro" es un disco en el que se explica que he aprendido a esquivar los problemas, por decirlo de alguna manera. Quizá no es la forma más madura pero me escapo de ellos, mientras que en "Alegranza" hay momentos muy nihilistas, y de hecho todas las estructuras cíclicas me generan más mal rollo.

Son muy personales, ¿no?
Yo intento siempre hacer letras como raps. Aunque sea una idea con muy mala prensa hoy en día yo intento decir la verdad, decir lo que pienso de la manera más simple y directa.

En los textos, el amor y la creatividad parecen para tí las dos líneas de fuerza de donde brota todo.
Sí, quizá combinarlas incluso, explicarlas desde otro punto de vista. Por ejemplo, una cosa que me fascinó descubrir es cuando pierdes el primer amor, tienes 14 ó 15 años y no entiendes nada, te afecta de una manera que parece que se ha acabado el mundo… y es un sentimiento muy parecido a cuando escuchabas una canción de pequeño en la radio y aún no entendías lo que era ver un disco en una tienda, esa sensación de perderla luego me frustra, ya no voy a poder recuperar ese sentimiento nunca más.

En la foto de contraportada, lo que sale es tu habitación, ¿no? Lo que más resalta es un disco Julio Iglesias. ¿Está hecho a propósito?
Sí, es “El amor”, de Julio Iglesias. Está hecho a propósito, sí. Ciertos discos de Julio Iglesias parecían de Joe Meek, me inspiraron mucho a la hora de trabajar mi voz, porque yo tengo un registro vocal muy limitado y de cada 10 personas que me escuchan hay 8 a las que no les gusta nada como canto, entre esas yo. Tenía que encontrar una forma de producir mi voz que me hiciera sentir cómodo, y tanto Julio Iglesias como Bryan Ferry son dos personas que todos identificamos como grandes voces, grandes cantantes, y si te fijas en la producción de esos discos, como el "Bête Noire" de Bryan Ferry o "El amor" de Julio Iglesias, los hits tienen una producción en la voz que te sorprenden muchísimo y te hacen pensar en las inseguridades que él tiene o podía tener en esa época con su voz, la reverb que utiliza es criminal, pones eso hoy en un disco y te parece una broma. Está ecualizada de un modo que no está en primer plano, de forma muy peculiar para que encuentre un plano dentro de la música y disfrutes de los arreglos. Es algo que si no te paras a pensarlo nunca te lo imaginarías, y eso fue muy inspirador.

¿Hay en ti una voluntad de búsqueda de una música popular, similar a la que parece perseguir Animal Collective, pese a moverse paradójicamente en un circuito alternativo del que no consiguen salir?
Yo creo que sí es posible salir de él aunque, por mi parte, los giros que hago en la producción no tienen ese afán de que mi música sea universal o popular. En este caso es un recurso estético pero no busco sonar en la radio utilizando estas estructuras o estos sonidos. Pero sí es posible, de hecho hace treinta años la gente en España tenía el oído mucho más educado que ahora. Siempre hablo de Mecano o de Paco Trinidad como música que cambió el sonido de la radio, u Olé Olé con Nile Rodgers, producciones muy avanzadas, de un nivel altísimo, con ideas muy radicales. “Ya viene el sol” si lo hiciese hoy en día otro grupo igual estaríamos haciéndoles reverencias, pero como son Mecano tienen ese estigma quizá. Pienso que hoy en día las producciones son tan blandas en la radio que gente que haga cosas otrora que funcionaban muy bien en ese contexto hoy no pueden acceder. Si escuchas la radio comercial en América, hoy por hoy están ahí las producciones más interesantes. Tricky Stewart con The-Dream, por ejemplo, es de un nivel muy bestia.

Pero en nuestro mainstream no hay figuras equivalentes a esos productores, como mucho algún intento de imitación que queda fatal.
Cuando se copian las producciones quedan muy mal, pero yo creo que en otra época no hacíamos copias de lo anglosajón. De hecho, Nile Rodgers venía aquí a aprender cosas, Tony Visconti escuchaba la radio y productores de aquí. Una vez tuvimos ese sonido, no es nostalgia de la nada, tuvimos producciones de mucho nivel aquí, pero hoy en día son muy blandas.

Vamos a hablar de tu experiencia internacional. ¿En el extranjero se te entiende mejor o igual que aquí?
No me ven como un bicho exótico. Yo creo que la gente entiende mi música en casi todos los lugares, incluido España, desde el ritmo, desde el bajo, desde el grave, y todo el mundo lo entiende igual. Toda esta cosa de éxito internacional, que no me interesa nada como idea, hay que verlo en su justa medida. Yo soy un artista pequeño en muchos países, o bastantes, y eso es lo que convierte mi directo en algo sostenible y consigue que me pueda dedicar a esto. De hecho, el único lugar donde mi música ha trascendido el circuito independiente es Australia, una cosa muy bizarra. En el resto de países mi público es de 200 ó 300 personas por concierto, pero me siento muy orgulloso porque es un público crítico, que tiene los oídos abiertos, va a bailar, va a disfrutar, y también sabe mis carencias, las ve, aprecia cuando quiero mejorar, aprecia los hits, y eso está guay.

Hoy día parece que se está construyendo una nueva escena global, con grupos ajenos al dominio anglosajón, y muy propiciado por internet. ¿Esa coyuntura ha favorecido tu éxito fuera de España?
Cuando yo empezaba a tocar en directo fuera, en 2007, no me encontraba con tantos grupos no americanos como ahora. Creo que eso ha mejorado, pero cuando yo empezaba nadie hablaba de una escena global: ahí sí que era una cosa exótica ver que un español salía a tocar. Siempre Francia tuvo unos grupos que trascendieron eso pero nosotros nunca lo habíamos tenido, ahora está Delorean también. Pero somos excepciones, aunque puede que en el futuro se dé más. También tiene sus cosas negativas, porque se están igualando mucho las producciones y cuesta discernir de dónde vienen qué cosas, identificar. Antes me gustaba mucho cómo se trataba el soul en Inglaterra, podías identificar ritmos ingleses o americanos. Ahora Ryan Giggs es el primer rapero inglés que triunfa con producciones americanas. Se está ablandando todo un poco, de alguna manera.

¿Como que la circulación más fácil de la información hace que ésta se homogeinice?
No es que se copie más, sino que las fuentes son siempre las mismas. Al estar al alcance de todos, todos van a la misma. Y como está la cosa tan nueva, tendemos a meter a los grupos en sacos o escenas y no apreciamos su trabajo. No todos los grupos tienen el mismo valor, unos actualizan mejor esas materias primas.

Háblame de tu proyecto "Piratas de Sudamérica". ¿Es cierto que lo concibes como una serie de diez EP's?
Esto no hará mucha gracia a mi discográfica, pero creo que no sacaré más de dos o tres EP’s más. Creo que se ha perdido la idea inicial, que era hacer versiones piratas, sacarlas solo en cinta o que se pudiesen sacar de forma más casual y sin promoción, pero a la compañía le hizo tanta gracia que lo quiso editar en vinilo, hacer un vídeo, etc; lo cual me parece bien, me hizo ilusión porque hacía tiempo que no editaba nada, pero la idea era ir sacando versiones de forma muy oculta, que la gente que sigue asiduamente lo que hago se la encontrase como una especie de juego o agradecimiento. Creo que en el futuro será así.

¿Cuál es la función creativa de esta serie?
Aprender.Por ejemplo, estudiar las armonías de Miguel Matamoros, que son de un nivel tan grande, y adaptar eso a mis limitaciones con los arreglos que yo quería hacer. Con eso aprendes un montón. Y además me sirve a mí para practicar producciones en casa, seguir la línea de baja fidelidad.

En la primera entrega aparecen Julieta Venegas y Adrián de Alfonso (Veracruz, Béstia Férida). ¿Seguirás optando por ese tipo de cosas?
Quiero que siempre haya dos colaboraciones por EP, porque también se aprende mucho, ya que yo tengo un timbre de voz muy difícil de armonizar con otros.

¿Habrá temas de "Piratas de Sudamérica" en los conciertos?
Aprendimos a tocar en directo "Cuerpos sin alma", pero se me hacía raro porque los arreglos son muy diferentes. Quizá cuando tengamos dos o tres EP’s hagamos algún concierto tocando sólo esas canciones, en un formato diferente incluso, menos electrónico. Incorporarlo en el set nuevo lo hemos intentado, ¿eh?, pero no acaba de encajar. Además nos programan siempre a horas criminales, como a la 1 de la mañana.

Canción del día: "Terrible Love" (The National)

Frase del día: "El silencio es un ritmo también" (Ari Up)

Gran Festa Chanante: Os melhores hits dos 2000 o xoves 19 no 14!

2010-08-17T23:32:00.002+02:00

Se o século XX marchou entre as cinzas dos JASP e a Xeración X, o XXI nasceu entre cambios tecnolóxicos, novos revivals inesperados e unha maior indefinición. A falta de agrupala xeracionalmente, pensamos que o concepto de “chanante” podería ser o máis adecuado para nomear a unha forma de entender a vida e a cultura pop, coa autenticidade como un valor claramente caduco e a ironía posmoderna no seu punto máis álxido (e intelixente tamén, qué diaños).

O 19 de agosto, entre as 23.30h e as 4.30h, no 14! Club (San Vicente de Paúl 14, A Coruña), Kosmonauta DJ e DJ Tingugi porán algunhas das cancións que, para eles, marcaron a década sen nome, os 00’s co seu engano de que todo voltaba a empezar, cancións lembradas entre playlists do Ipod, as descargas do Soulseek ou o Spotify. De The Strokes a Beyoncé, de Eminem a M.I.A., de LCD Soundsystem a Amy Winehouse, de Las Ketchup a Franz Ferdinand, de Vitalic a Triángulo de Amor Bizarro…, megas e xigas emocionais que xa non soan tan frescos como nostálxicos pero que algún día puideron ser iconas no salvapantaias de Enjuto Mojamuto. Dez anos de música, finalmente, para festexar nunha fervente noite de verán. E sen máis teorías culturetas que a de deixarse levar.

Canción del día: "Ready To Start" (Arcade Fire)

Frase del día: "Cualquiera que pegue a una chica merece que le partan la cara" (Ethan Kath, de Crystal Castles)

Este blog sigue abierto

2010-08-08T21:14:00.003+02:00

En vista de la preocupación mostrada últimamente por algunos fieles de Perdiendo Mi Eje, aclaro que no he matado al blog, simplemente lleva meses sin actualizarse por falta de tiempo, pero en cualquier momento podría reanimarse. También es cierto que parte de ese tiempo que le dedicaba lo he desviado a otras actividades cibernéticas.

Por ejemplo, al twitter, donde, a partir de ahora, iré dejando microcríticas con la mayor frecuencia posible.

Salud y gracias.

Canción del día: "Sprawl II" (Arcade Fire)

Frase del día: "Tiene más sentido esforzarse por ser real que por ser único" (Joe Henry)

Dos anunciamientos

2010-05-12T18:23:00.003+02:00

El Libro del Voyeur ya está en las librerías. Mañana se presenta en Coruña.

Inbetween Diyeis ya tienen página en Facebook

Canción del día: "Summer Babe" (Pavement)

Frase del día: "Nunca me han puesto en la radio. A Marcel Marceau lo ponen más que a mí" (Tom Waits)

Retribution Gospel Choir interview

2010-05-10T12:35:00.002+02:00

Estos días, Retribution Gospel Choir andan de gira por aquí. Con este motivo, entrevisté via email al gran Alan Sparhawk (vocalista también de Low que, como muchos sabéis, es uno de mis grupos favoritos), y fue publicado en el Metrópoli del pasado viernes. Aquí va la entrevista original en inglés.

This will be the third time in one year that you come to Spain. How special is this country for this band?
It is the first place that took us in, as a band. Our first time there went very well, we were lucky. When we came back, people were excited, they made us feel good. We met so many great people, most of them were people who worked at the places we played and people in Spanish bands. It's like coming back to see friends now. Low has always had great shows in Spain, and the people have been there for me, personally, through some of my darkest times. The Spanish people have passion.

It seems you have a better time playing on stage with RGC than with Low, like a kind of liberation or something. Is it true? Did you need to do something more electric and visceral in contrast with the slower and more controlled sound of Low?
It is a bit of a liberation. The guitar responds very differently at a louder volume and it can sometimes feel like a release, but much of it is still very controlled. RGC takes alot more out of me, physically, on stage - maybe that's why i look like I'm having a better time. I can't explain it. My body has always been a slave to the music.

There’s a sensation of freedom in your concerts, you improvise, never do the same solos, you can also take your shirts off…, is it important for you to let things happen?
Yes. I have fallen on my face many times, but I've learned to trust the moment.

What do you feel when playing live with this band?
Most of the time it feels like barely hanging on in the saddle of a sweaty, galloping black horse that knows the way home through the woods, even though it's the middle of the night. It feels like a fight to save the world. It feels desperate and bold, even hopeful. To then have that resonate with someone in the room is pure love.

What are your main inspirations in RGC?
Musically, I'm inspired by anything that is or has been original and visceral. We listen to all kinds of music and I suppose little parts of this or that could be inspirations for how the band sounds, but we're trying to make something new, even if we are using the same tools others have used. I'm probably just as influenced by other art and the people I've been around.

I remember after finishing your last show in Madrid you said “hold your friends”. In the back cover in your album you’re holding hands as well. Is it there a philosophy of union, of taking care of each other, in the band? A kind of spiritual union towards electricity?
Yes. I'm probably more intimate than most people.

Some songs have been played by both Low and RGC. How do you decide which ones go for each band? For example, the kind of lyrics… does it help you to decide with which band do you want to play the song?
Usually by the time I'm done writing the song it is obvious which group it would work best with, but there are many times i have tried both to see what worked best. I never write with intention. The song comes first and it will know where it needs to go.

What does Mimi Parker (Low drummer and Alan's Wife) think of RGC?
She is our coach. She thinks we're too loud. She comes to see us every once in a while and tells us how the singing is sounding. She has high standards, but we would get lazy without her. She would tell me if the band was crap - so far it's going well. She's glad she does not have to play some of the places we play.

You’re gonna play “The Great Destroyer” album in Primavera Sound. How do you feel about that? That’s the Low album that sounds closer to RGC, but for some fans that’s not really Low. So, it could be quite confusing (I must confess it’s my favourite Low album, ha)
It will be strange for some people maybe. We have played most of those songs live many times already, and we still play them, so we haven't had to do much homework. For normal shows, it's hard to choose a setlist sometimes because we've done so many records - it's nice to have liscence to just focus on one section of songs for a whole show.

Any future plans for Low? I loved the new song “20 Dollars” when you played it in Madrid 2 years ago.
We have a group of songs we're working on, including "20 Dollars". We hope to have something recorded and out either by the end of the year or shortly thereafter. We've been working and performing with a contemporary dance group for the last two years ("Heaven" with Morgan Thorson.) Unfortunately we don't have anything to release from it to prove it. I wish everyone could have seen it.

Canción del día: "I Will Follow" (U2)

Frase del día: "El arte no puede cambiar el mundo, pero si los artistas no dijesen nada el silencio sería ensordecedor" (Angela Weight, historiadora del arte)

"Fish Tank", de Andrea Arnold. Mirando hacia el horizonte con ira.

2010-04-28T13:19:00.002+02:00

Hay muchas cosas en esta peli (segundo largo de la británica Andrea Arnold tras la ya prometedora "Red Road") que pueden parecer lugares comunes: realismo social en la periferia de Essex, angustia adolescente, drama a lo "kitchen sink"... y, sin embargo, es de esos films tan bien hechos que te agarran y no te sueltan.

Gran parte del mérito reside en cómo está interpretado el personaje central de Mia, una especie de Juani británica tratada con el máximo respeto y seriedad: ella ocupa casi todos los planos, mostrando todos sus grados de agresividad y vulnerabilidad como víctima de un entorno social y de unas circunstancias (hija de madre soltera y muy joven, por ejemplo) nunca dichas directamente. Estamos, pues, ante una película social que es mucho más de sensaciones que de tesis, con una importante presencia de lo elusivo y lo poético, y donde, por ejemplo, el sonido de la respiración o una yegua encadenada son tan importantes como el estado de las viviendas sociales. Está más cerca del Michael Winterbottom de "Wonderland" o de Shane Meadows que de un Ken Loach con quien se ha comparado a Arnold no muy adecuadamente.

Pero es mejor no explicar demasiado. Simplemente, dejarse llevar. Por cierto, celebrar también que el trailer de la peli es igualmente de sensaciones en contra de la tendencia predominante: no te intenta resumir la historia, simplemente encadena imágenes y sonidos para que, sin que sepas exactamente de qué va, te den ganas de verla. A mí me ha impactado y encantado.

Canción del día: "La señal" (Daddy Yankee)

Frase del día: "Nunca pensé que iba a ganar el Oscar, y menos cuando la política y los gays se metieron por medio" (Mickey Rourke)

El videoclip del año

2010-04-26T12:28:00.002+02:00

Hace sólo unos minutos, M.I.A acaba de colgar en su Twitter el videoclip oficial de "Born Free", el tema de adelanto de su tercer álbum, previsto para junio, y que ha sido dirigido por Romain Gavras, autor de otros clips impactantes como el de Stress, de Justice.

Éste lo supera. Vedlo aquí, antes de que la censura lo retire.

Frase del día: "Cuando dejaron de meter saxos en la música pop empezó a visualizarse esperanza en el indie español" (Isa, de Triángulo de Amor Bizarro)

Pelis

2010-04-19T13:37:00.003+02:00

"Un profeta" (Jacques Audiard)
Tan sólo la introducción de fugas oníricas o sobrenaturales -cosa a la que no le veo demasiada explicación- ensombrecen una peli, por lo demás, perfecta. Lo mejor, la violenta crudeza con la que retrata el micromundo de las cárceles y el vigor con el que narra la socialización y ascenso en las estructuras del hampa del protagonista, también la forma en que se tejen los juegos de poderes. Entre el realismo social, el género negro y el "thriller" de mafiosos. Entre "Gomorra" y "Uno de los nuestros".

"Un hombre soltero" (Tom Ford)
La acusación de que parece más un editorial de moda que una película es tan obvia y facilona como la de tildar a las pelis de Isabel Coixet de anuncios de compresas. Lo cual no quita que sea cierto. En cualquier caso, no creo que sea ese su mayor problema: el debut del modisto tras la cámara es una cosa pretenciosa e irritante, con una supuesta carga de profundidad existencial (un tipo que no puede afrontar la muerte de su novio) que no pasa de un estupendismo teatrero. Hasta Julianne Moore está para matarla, que ya es decir.

"O segredo da Frouxeira" (Xosé Abad)
Vivimos en una pseudo-democracia construida a partir de la mentira. En un país de mierda estructurado a través del engaño, el cainismo, el atropello y la mezquindad. ¿Es posible adoptar una postura neutra sobre la Guerra Civil, sostener que ambos bandos cometieron atrocidades, cuando en realidad se atentó por la fuerza contra un Estado legalmente constituido y luego se sometió al pueblo a 40 años de represión fascista? ¿Es moral y mentalmente sano hacer tabla rasa sobre eso tal como, se supone, implica el respeto al Espíritu de la Transición? ¿Puede haber una reconciliación si se siguen silenciando todos los crímenes cometidos? ¿Por qué el franquismo sigue impune por una especie de pacto nacional en el que sigue habiendo vencedores y vencidos? ¿Es psicológica y democráticamente admisible que no haya una vergüenza nacional como la que sí existe en la Alemania post-nazi, que los culpables no se sientan culpables y que medallas y efigies conmemorativas sigan recordándonos que ellos fueron los Héroes de la Patria? ¿Por qué se utiliza la palabra "reabrir heridas" cuando éstas nunca han sido cerradas?
Este modesto documental gallego muestra una pequeña parte de la historia para hacernos reflexionar sobre un todo que, si uno lo mira con detenimiento, es aberrante. A partir de testimonios familiares, se habla sobre el asesinato de un alcalde progresista de Ferrolterra -acusado de insurrección por los propios insurrectos- y a quienes le escondieron, previa delación de sus vecinos y con el orgullo de sus verdugos (elegantemente mantenidos en el anonimato). Ése es sólo el punto de partida para hablar de cómo ese suceso afectó para siempre a sus familias, del saqueo y el descrédito al que siguieron siempre sometidas y de ese principio político que tanto sigue utilizando ahora mismo la derecha supuestamente democrática: una mentira repetida muchas veces termina siendo percibida como verdad. "O segredo da Frouxeira" es, sí, un documental unidireccional, de buenos y malos; y de intenciones muy claras a la hora de reivindicar y hacer ver la justicia y la necesidad de una Ley de Memoria Histórica. Yo no veo otra forma de abordarlo que no sea esa.

Canción del día: "Bandera blanca" (Triángulo de Amor Bizarro)

Frase del día: "Por menos de un millón de dólares no me levanto del sofá" (David Coverdale)